CON LOS OJOS ABIERTOS

ESTE BLOG SE MUDO

2007-06-24T14:07:00.000-03:00

Debido a un conjuntos de dificultades del sistema de edición y publicación de este generoso servicio gratuito de Blog, este sitio, Con los ojos abiertos, se muda a www.ojosabiertos.wordpress.com

Con este cambio, la tan anunciada actualización semanal habrá de ser una regla.

El material publicado en este sitio habrá de estar en la web por un año. Aunque no habrá novedades publicadas en este blog. Algunos textos que se encuentran disponibles en este blog serán publicados a www.ojosabiertos.wordpress.com

Además, en la nueva dirección la participación interactiva con el blog es mucho más accesible.

Sin dudas, estoy agradecido a quienes han creado este sistema de blog.

Roger Alan Koza

AHORA EN WWW.OJOSABIERTOS.WORDPRESS.COM

CINECLUB LA CUMBRE: PROGRAMACION JUNIO-JULIO 2007

2007-06-04T13:30:00.000-03:00

SALA LUIS BERTI, BELGRANO 470

Este bimestre empieza con un filme inglés, Si, de la reconocida Sally Potter, la realizadora de Orlando, película que junto con otros 4 títulos, nuestro cineclub habrá, durante todo el año, de ofrecer a la comunidad inglesa de La Cumbre, imágenes de su lugar de origen. El film de Potter, más allá de ofrecer un retrato justo de una Inglaterra post 11/9, es una de las tantas películas que intentan articular un discurso sobre el mundo. Es decir, un cine cuya pretensión vital es devolver en su contenido algo del mundo que se escapa, que no se deja ver, algo que queda sepultado bajo la mirada del sentido común, y que necesita ser visto de otro modo para ser pensado, acaso modificado.

No todas las películas en este bimestre tienen ese cometido. Hay películas sobre la amistad, la arquitectura, la literatura, la familia. Claro que si uno ve la pequeña comedia de Panahi, Fuera de juego, sobre la pasión futbolera de las mujeres en Irán, no sólo podrá reírse por lo absurdo de algunas costumbres, sino que habrá de tener imágenes alternativas de un país hoy satanizado, uno del que carecemos de imágenes. El cine puede recolectar lo que otros medios audiovisuales deciden dejar fuera.

Y por ese motivo, junto con la municipalidad de La Cumbre, he programado dos películas, una muy larga y otra no muy extensa, en la que la ecología adquiere un significado social, más político que naturalista. Se trata de la obra maestra de Spike Lee, Cuando el dique se rompió, sobre el desastre no tan natural del Katrina, y la ya exhibida en el cineclub, La espigadora y los espigadores, el lúcido filme de Agnes Varda que, entre otras cosas, permite modificar nuestra concepción general de la basura. El acceso a estos filmes será gratuito.

Y además siguen los ciclos de cine experimental: un film de Van Sant rodado en Salta, y con Matt Damon, y uno de Sokurov sobre Lenin, un retrato que personalmente no comparto sobre el líder bolchevique, aunque un film formalmente incuestionable, admirable. Y siguen las películas de Alain Resnais, un maestro moderno del medio. Y anticipamos con Vivir su vida, de Godard, el mes de agosto, cuando exhibiré en horario especial la Historias de cine completa del realizador suizo.

Son bienvenidos todos, absolutamente todos los habitantes de esta localidad. El cine siempre fue y será, esencialmente, arte popular. Roger Alan Koza, programador.

Miércoles 6 de junio, a las 20.30hs:
Si, de Sally Potter, Reino Unido, 2004.
100 minutos / No recomendada para menores de 13 años A las 19.15 se proyectará el primer acto de Cuando el dique se rompió, de Spike Lee, EE.UU., 2006.
Este melodrama poético y político sobre el vínculo amoroso adúltero entre una científica irlandesa estadounidense y un chef libanés en un Londres multicultural post 11/9 posee mucha más musicalidad y vitalidad que aquel malogrado film que transcurría gran parte en Buenos Aires, La lección de Tango, de la misma realizadora. Escrita casi en su totalidad bajo la métrica del pentámetro yámbico, Si, dedicada al ensayista y novelista John Berger, es una película que afirma el acto de existir sin apelar a creencia trascendental alguna, siendo el lenguaje no sólo un vehículo de seducción sino el límite de cualquier identidad cultural. En efecto, pocas películas se atreven a mostrar un romance como síntoma del cuerpo político de Occidente, pues de esta húmeda y apasionada relación se predica una discreta lectura utópica sobre el devenir histórico contemporáneo. Formalmente prodigiosa, Si es una de esas películas que demuestra cuán poco se explora sobre el lenguaje cinematográfico, y aunque por momentos puede ser excesiva su voluntad formal nunca deja de ser atractiva. Lo que nunca está de más son las intervenciones de un sirviente mirando a cámara, cuyo discurso cómico y filosófico organiza ideológicamente la totalidad de la trama. (Roger Koza, programador)

Miércoles 13 de junio, a las 20.30hs:
Reinas y reyes, Arnaud Desplechin, Francia, 2006.
150 minutos / No recomendada para menores de 16 años
A las 19.15 se proyectará el segundo acto de Cuando el dique se rompió, de Spike Lee, EE.UU., 2006.
Intensa. Extraña. Reinas y reyes de Arnaud Desplechin es una película de gestos exagerados y actuaciones descomunales. A pesar de sus dos horas y media de duración, este extravagante melodrama familiar nunca decae. Desplechin nos cautiva con sus trucos narrativos y su excentricidad sin límites. Si hay algo de lo cual Reina y reyes no carece es de histrionismo. En su papel de madre soltera, agobiada por un pasado complicado como también por la relación con su frágil padre (Maurice Garrel), Emmanuelle Devos consigue expresar todas las emociones. Su extraordinaria actuación como Nora no loga opacar a su compañero de reparto y coprotagonista Mathieu Amalric, quien encarna el papel de Ismael, su extravagante y depresivo ex marido. Digno de una telenovela, la mitad de Reinas y reyes transcurre en un hospital. En el preciso instante en que Nora se entera de que su padre sufre de un cáncer avanzado, dos hombres de saco blanco llaman a la puerta de Ismael. Nada sigue una secuencia lógica. La narración se acerca a la conspiración, y no solamente porque Nora resulta ser una narradora poco confiable. Durante gran parte de la película, la textura conspira contra la trama. Desplechin va de una escena caótica a otra. Con gran originalidad en sus flashbacks y secuencias de sueños, organiza cambios de estado casi de libre asociación y los utiliza para mantener un desequilibrio permanente. La continua inestabilidad es acentuada aún más por saltos abruptos de montaje propios del cinéma verité, paneos rápidos y repeticiones infundadas. Las relaciones se develan gradualmente; las cosas son siempre más complicadas de lo que parecían en un principio. La narración toma giros inesperados, a veces osados. A Ismael le gusta la palabra impedimenta, que representa el bagaje psicológico que impide que una persona funcione como quisiera, pero Desplechin parece deleitarse con las estructuras que impiden el progreso narrativo. Reina y reyes usa todo ese bagaje y lo lleva a su máxima expresión. La dirección cinematográfica es extraordinaria. (Jim Hoberman, Village Voice)

Miércoles 20 de junio, a las 20.30hs:
Historia de cocina, de Bent Hamer, Noruega, Suecia, 2003. 95 minutos / Apta para todo público
A las 19.15 se proyectará el tercer acto de Cuando el dique se rompió, de Spike Lee, EE.UU., 2006.
El director de Factotum, una interpretación libre y ajustada sobre algunos textos de Bukowski, hizo esta comedia no exenta de secuencias conmovedoras, en la que se puede divisar una crítica difusa aunque efectiva al método de investigación de las ciencias sociales: no hay objetividad, es naturalmente imposible. Increíble pero real, en la decada del 50 el gobierno de Suecia llevo adelante un estudio sobre el comportamiento de la conducta de los hombres solteros. El lugar elegido de observación fue la cocina. Asi Historias de cocina muestra el caso a traves de dos hombres, el morador y el investigador, quienes tras un tiempo de convivir bajo la distancia y rigor mediante que se predican de este programa científico, van desarrollando un interés común el uno por el otro. Hamer reconstruye fielmente la época, y cuestiona la metodología (un hombre instalado en la cocina observando la conducta de otro sin interacción alguna) para sugerir, entre otras cosas, no solo la limitación de este tipo de aproximación a un objeto de estudio específico, sino que concibe un modelo de amistad entre los hombres que elude tanto el machismo como el erotismo. (RK)

Miércoles 27 de junio, a las 20.30hs:
Providence, de Alain Resnais, Francia, 1977.
110 minutos / No recomendada para menores de 16 años A las 19.15 se proyectará el cuarto acto de Cuando el dique se rompió, de Spike Lee, EE.UU., 2006.
La primera película de Alain Resnais hablada en inglés se centra en la imaginación, los sueños y la memoria de un novelista británico envejecido (John Gielgud) en una noche mientras que compone y descompone su último libro, utilizando miembros de su familia inmediata -Dirk Bogarde, Ellen Burstyn, David Warner, and Elaine Stritch— como sus modelos. Aunque el guion inteligente y aforistico de David Mercer puede ser criticado como muy britanico, los paisajes mentales del film son mucho mas universales. Como en los mejores trabajos de Resnais, el film se desarrolla bajo enigmas liricos con un proposito, aunque el perfil familiar que emerge de la narración es calido y penetrante. Las interpretaciones magnificas y la banda de sonido hollywoodense de Miklos Rozsa le dan un toque monumental y una profundidad ostensible, y las observaciones lucidas de Resnais respecto del proceso de cómo se constituye cualquier ficcion son bellas y alucinantes. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader)

Miércoles 4 de julio, a las 20.30hs:
Fuera de juego, de Jafar Panahi, Irán, 2006.
88 minutos / Apta para todo público
A las 19.o0 se proyectará Los espigadores y la espigadora, de Agnes Varda, Francia, 2001.
La quinta película del realizador de El círculo vuelve a explorar, como en aquella oportunidad, la posición de la mujer en la sociedad iraní, siendo esta ocasión más accesible y divertida aunque no menos ambiciosa sociológica y estéticamente. La anécdota, el motor de la historia: un partido de fútbol entre Bahrain e Irán que define la clasificación para el mundial de Alemania 2006, y el deseo de muchas mujeres de ver en la cancha tal evento deportivo. El problema es que el acceso a los estadios está prohibido a las mujeres, y éstas entonces eligen disfrazarse de hombres para acceder a la cancha. Inteligente y cómica, Fuera de juego no tiene un protagonista definido, aunque cada personaje permanece en el recuerdo tras finalizar la película. La maestría de Panahi, antiguo colaborador de Kiarostami, es utilizar un elenco de hombres y mujeres que, a través de diálogos precisos y situaciones verosímiles, materializan una idiosincrasia y una cultura atravesada por un conflicto pleno entre tradición y modernidad. El fuera de campo y los planos secuencias son una marca registrada del director, pero aquí se ajusta perfectamente al relato, ofreciendo el mejor suspenso y una incuestionable veracidad, como en la escena magistral cuando una mujer tiene que ir al baño. Más allá de la ficción, Fuera de juego es un ejemplo de cómo hacer crítica social a través de una comedia, el género más propenso a la imbecilidad por la exigencia que de éste se predica. (RK)

Miércoles 11 de julio, a las 20.30hs:
Apuntes de Frank Gehry, de Sydney Pollack, EE.UU, Alemania, 2006.
83 minutos / Apta para todo público FUNCIÓN ESPECIAL DE CINE EXPERIMENTAL: A las 18.45 se proyectará Gerry, de Gus Van Sant, EE.UU., 2002. (No apta para menores de 13 años)
Este documental de Sydney Pollack sobre el arquitecto Frank Gehry, poco tiene que ver con el cine de ficción del realizador. Casi nada emparenta Africa mía y La intérprete con estos Apuntes de Frank Gehry, excepto una necesidad por parte de Pollack de saberse parte de un sistema sin querer dejar por ello el deseo de ser personal. Situación de la que no es ajena Gehry, este heterodoxo e intuitivo arquitecto, más cerca de Le Corbusier y Lloyd Wright que de Guadi, que también suele trabajar por pedido o condicionado por el deseo de un cliente. La amistad del cineasta y el arquitecto se pone de manifiesto en el transcurso de la película, cuyo objetivo es no solo entender la gramática esencial de la creatividad, sino también concebir el espacio mismo como una superficie potencialmente artística. Algunas construcciones son admirables, aunque en algunas ocasiones, por ejemplo en el caso del museo Guggenheim de Bilbao, es ostensible la discontinuidad radical del edificio con la tradición arquitectónica de esa ciudad, a pesar de la positiva afluencia de turismo concomitante a la construcción del museo. De lo que se predica una meditación sobre cómo se construye en donde se habita. (RK)

Miércoles 18 de julio, a las 20.30hs:
Me voy a casa, de Manuel de Oliveira, Portugal, 2001. 90 minutos / No recomendada para menores de 13 años
FUNCIÓN ESPECIAL DE CINE EXPERIMENTAL: A las 18.45 se proyectará Taurus, de Alexander Sokurov, 2001. (No apta para menores de 13 años)
Esta película del maestro portugués Manuel de Oliveira —la cuarta desde que cumplió 90 años—, fue realizada en 2001 y está ambientada en París (que pocas veces hemos visto tan bella o ha sido evocada con tanto afecto). La trama se centra en un famoso actor francés de unos setenta años (Michel Piccoli en su mejor momento) que está aprendiendo a enfrentar la soledad luego de que un accidente automovilístico cobrara las vidas de su esposa, hija y yerno. La película muestra al protagonista trabajando junto a la coprotagonista, Catherine Deneuve, en la representación teatral de la obra de Ionesco El Rey se muere, luego en el papel de Próspero en una producción francesa de La tempestad y, más tarde, tratando de hablar en inglés en una adaptación del Ulises de James Joyce, dirigida por John Malkovich. Pero Oliveira es igualmente atento como respetuoso cuando su héroe disfruta de rituales cotidianos tales como jugar con su nieto o leer el diario con su café expreso. Por tratarse de un film sobre el dolor que supone la pérdida de un ser querido, es una película sorprendentemente liviana. Si bien esta simplicidad es engañosa, puede ser la obra más accesible de Oliveira que hayamos visto hasta la fecha, una obra maestra de uno de los mejores cineastas del mundo. (JR)

Miércoles 25 de julio, a las 20.30hs:
Hiroshima, mi amor, de Alain Resnais, Francia, Japón, 1959 90 minutos / No recomendada para menores de 18 años FUNCIÓN ESPECIAL DE CLASICOS: A las 19.00 se proyectará Vivir su vida, de Jean Luc Godard, Francia, 1962. (No apta para menores de 13 años)
Esta revolucionaria película de 1959 de Alain Resnais trata sobre el “amor imposible” entre una actriz francesa y un arquitecto japonés. Integrando pasado y presente, imágenes poéticas y secuencias documentales, música y diálogos de Marguerite Duras, la película logró un equilibrio estructural de tal poder emocional e intelectual, que dejó al público sin palabras. Su manera de reacomodar las impresiones emocionales y temporales es cosa del pasado para los cineastas actuales (e incluso para directores de comerciales televisivos), pero las contribuciones de Resnais a la Nueva Ola son virtualmente incalculables. (Don Drucker, Chicago Reader)

DURANTE TODO EL MES DE JUNIO, A LAS 19.15M Y CON ENTRADA GRATUITA SE PROYECTARÁ CUANDO EL DIQUE SE ROMPIÓ, DE SPIKE LEE, EE.UU., 2006. ESTE DOCUMENTAL SOBRE LOS EFECTOS DEL KATRINA SOBRE LA POBLACIÓN DE NUEVA ORLEANS FORMA PARTE DE UN PROYECTO DE CONCIENTIZACIÓN ECOLÓGICA A CARGO DE LA MUNICIPALIDAD DE LA CUMBRE. DEBIDO A LA EXTENSIÓN DEL FILME DE LEE, CUATRO HORAS, SE PROYECTARÁ EL FILM EN 4 ACTOS, CORRESPONDIENTES A LOS 4 MIÉRCOLES DEL MES. EN LA PRIMERA SEMANA DE JULIO, EN EL MISMO MARCO DE CONCIENTIZACIÓN SE PROYECTARÁ A LAS 19.00, LA ESPIGADORA Y LOS ESPIGADORES, DE AGNES VARDA, FRANCIA, 2000. TAMBIEN SE TRATA DE UNA FUNCIÓN GRATUITA.

ALGUNOS ESTRENOS DE ABRIL 2007

2007-05-10T18:33:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valorpor

Roger A. Koza.

Ser y tiempo

El árbol, Argentina, 2006.
Escrita y dirigida por Gustavo Fontán.

*** Hay que verla

La notable película de Fontán no habrá de ser para todo público, pero es esencialmente un film sobre la esencia del cine, cuya poética alcanza en algunas secuencias el carácter de lo sublime.

En la última edición del festival de cine de Mar del Plata, el crítico Peter van Beuren, en la sección denominada Cine del futuro , decía que hay muchas películas para ver pero que éstas están escondidas. El árbol es un título casi fantasma, pues a diferencia de productos como 300 , su campaña publicitaria equivale a un grado cero de difusión.

Es menester entonces dar testimonio de que existe un filme notable de 65 minutos de duración, un ensayo de naturaleza documental sobre lo extraordinario y poético del mundo cotidiano, el tiempo, el envejecimiento y la interacción entre la naturaleza y el hombre, aunque la belleza cinematográfica de El árbol es precisamente volver a postular la originaria pulsión del cine, su trágica dimensión filosófica: atrapar el tiempo, mostrar la duración de lo que existe en su devenir. El padre de la crítica cinematográfica, André Bazin, ya señalaba en la genealogía del cine la pretérita práctica de la momificación. El cine es tiempo embalsamado y condensado en luz.

Puede ser desconcertante ver un filme cuyo nudo narrativo es la discusión intermitente entre una pareja de ancianos respecto de cortar o no una de las acacias de la entrada de la casa en la que viven. Pero es edificante entender por qué se discute, y cómo Gustavo Fontán responde a ello sin ser explícito. Del registro poético de la vida cotidiana de sus padres, que se inicia en la primavera de 2004 y que finaliza en el otoño de 2005, se predica la respuesta, elíptica aunque verificable hasta el último segundo de la película. Y si bien la totalidad del film transcurre en una casa de Banfield, no es la claustrofobia el sentimiento dominante, sino una suerte de júbilo naturalista que transfigura el hogar en un espacio cósmico en miniatura.

En efecto, El árbol pertenece a una tradición cinematográfica en la que la contemplación es un método de trabajo por el cual se obtiene de lo que es visible pero no se ve un hallazgo de la hermosura física y artística del mundo. Al igual que Érice en El sol del membrillo y Guerín en Tren de sombras, Fontán advierte que el cine es ver el tiempo y la mutación de los seres en su duración. Así, un plano de abejas en el árbol, las hormigas flotando en el agua de lluvia sobre el patio, la tormenta pegando sobre la ventana son vestigios del devenir, aunque el pasaje en el que los dos ancianos se van a dormir y el tictac del reloj del living se vuelve omnipresente compendia la búsqueda de un cineasta por retratar al tiempo. Es un momento asombroso, anunciado previamente en la escena en la que los ancianos ven viejas diapositivas, y que permite también apreciar la concepción general del sonido del filme. Hay aquí un sistema de relevos entre sonido e imagen que le hubiera encantado a Bresson.

Al inicio una cita del poeta entrerriano Juan L Ortiz anuncia un camino poético. Acaso El árbol es una meditación sobre el habitar, que implica, ontológicamente, pensar el tiempo y el ser. Poéticamente habita el hombre sobre la tierra, decía el poeta Hölderlin. Sentencia que Ortiz podría haber escrito y Fontán materializa en esta película única.

¿Amores platónicos?

Cambio de dirección, Francia, 2006.
Escrita y dirigida por Emannuel Mouret.

** Válida de ver

Imperfecta aunque siempre inteligente y paradójicamente cándida, el cuarto largometraje de Mouret permite constatar que este género, la comedia romántica, puede tener otra grámatica que la dictada por el canon de California y Nueva York.

Francia, el país cinéfilo por excelencia, posee una cinematografía diversa. La ominosa selección “natural” del mercado vernáculo ha reducido el cine galo a un par de nombres consagrados como Depardieu, Auteil, Huppert, Deneuve. Todavía se estrena Chabrol, ocasionalmente Godard y Rohmer, Rivette jamás. Pero el cine francés es un universo pluralista, en donde realizadores como Guédiguian, Dumont, Denis, Desplechin, entre otros, dan cuenta que la noción dominante que pueda tener un espectador argentino de esta cinematografía se predica de un reduccionismo de mercado.

El estreno de Cambio de dirección suministra un poco de oxígeno en una cartelera escrita casi siempre en inglés; es también la oportunidad de conocer a un realizador de una nueva generación de una tradición específica, la francesa, y ver cuán distinta es la concepción de una comedia romántica francesa a la norteamericana.

David, interpretado por el realizador, toca el corno y acaba de llegar a Paris. Está en búsqueda de un lugar para vivir. Azarosamente, una joven, Anne, lo invita a subalquilar su departamento. Convivir es dialogar, así que surge una amistad no desprovista de cariño, mientras que ambos creen haber encontrado en otros, una alumna y un estudiante de lingüística, el verdadero amor.
Desde su estreno mundial en la Quinzaine des Realizateurs del festival de Cannes 2006, el cuarto largometraje del joven Mouret ha sido comparado estilísticamente con el cine de Rohmer. En la publicación de Variety del festival se anunciaba: “Cambio de dirección: cuando Rohmer se encuentra con Woody Allen”.

No hay duda de que Cambio de dirección tiene un toque Rohmer, próximo a títulos como Cuento de verano y Tres romances en París. Pero si Allen se ha convertido al Narcisismo, como confiesa en Scoop, y quizás por eso ya no hace buenas películas, el film de Mouret poco y nada remite a Allen, excepto por el papel predominante que tiene la palabra. Más que a Allen, Moulet se emparenta al Linklater de Antes del amanecer, otro realizador que concibe el diálogo como un elemento constitutivo del romance.

He aquí una comedia romántica sin catarsis, sin giros de cámara alrededor de un beso conciliatorio, sin primeros planos. Se podría objetar la total ausencia de erotismo, no porque los personajes no tenga sexo, sino por el desinterés de mostrar un pezón o una nalga. El tema es el amor platónico, aunque sesgadamente se lo critica hasta sugerir un romanticismo lúcido asentado en la conversación. En efecto, se postula a la conversación como un método de exploración junto a otro respecto del impreciso y caótico mundo de los sentimientos.

Si el filme tiene una deficiencia es la de no percibir cómo el romance es una experiencia que participa de un contexto social que lo condiciona, acaso una omisión propia de los realizadores de clase media. El Paris de Mouret desconoce el malestar social, a pesar de que un robo callejero precipita un giro sentimental inesperado.

Elegante y circunspecta, el naturalismo de Cambio de dirección es una pócima de buen cine, ideal para contrarrestar ese tipo de romances millonarios en donde se comulga con la obscenidad de las estrellas de un limbo llamado Hollywood.

TODAS LAS CRÍTICAS HAN SIDO PUBLICADAEN EL DIARIO LA VOZ DEL INTERIOR DE LA CIUDAD DE CÓRDOBA DURANTE EL MES DE ABRIL 2007
COPYRYLEFT 2000-2007/ ROGER ALAN KOZA

PROGRAMACIÓN COMPLETA ABRIL Y MAYO DEL CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS EN LA CUMBRE, VILLA GIARDINO Y VALLE HERMOSO

2007-04-11T10:12:00.000-03:00

El cinismo está a la orden del día, al menos en materia cinematográfica. Una película enraizada en una misantropía trivial que glorifica la violencia y distancia al espectador de aquello que ve, de tal modo que una bala en un cuerpo es motivo de carcajada, ha ganado el premio de la academia. Sí, Scorsese ganó, finalmente, un Oscar como director, su película, Los infiltrados, también, y todos, espectadores, gente de la industria y críticos, parecen festejar el supuesto acto de justicia estética.

El Oscar organiza y consagra el estándar de lo que se entiende por cine. El Oscar como autoridad incuestionable. Del mismo modo que con el poderoso vocablo Ciencia, que en su nombre hasta se legitima la acción de un detergente, con el Oscar se legitima un cine pusilánime incapaz de cuestionar el orden simbólico vigente, incapaz de apostar al potencial humano dispuesto a soñar con otras formas de vida, incapaz, fundamentalmente, de transformar el séptimo arte en un vehículo democrático de conocimiento.
El intento de este cineclub es contrarrestar y dar batalla a una lógica de la imagen que no devela el mundo. Se trata de mostrar el amor, el odio, la rabia, la injusticia, lo extraordinario, la belleza, la risa, sin tener que ver el rostro de Tom Hanks y las temibles monerías de Cameron Diaz, o soportar la risa sarcástica de Jack Nicholson, todos ellos ciudadanos ilustres de limbo. Otro cine es posible. El de Herzog (foto), el de Albert Serra y su Honor de caballería (foto), el de Linklater, Pialat, Hou.

Roger Alan Koza, programador.

LA CUMBRE

Miércoles 18 de abril, a las 20.30hs: película de apertura

La nación de la comida rápida, de Richard Linklater, EE.UU., 2006.

114 minutos / No recomendada para menores de 16 años

Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Sentimiento, de Todd Solondz, EE.UU., 1984.

Esta adaptación del reciente best-seller escrito por Eric Schlosser de título homónimo no tiene la elegancia de Antes del atardecer o la innovación formal de Despertando a la vida (o su versión mejorada de animación en A Scanner Darkly) pero es una película ambiciosa que intenta pensar estructuralmente el orden económico y simbólico de una nación patológica, la estadounidense. La nación de la comida rápida es una versión madura y verdaderamente política de Supersize me, aquel documental simpático sobre un tipo que decide comer comida chatarra por un mes. Aquí, el gerente de una compañía, muy parecida a Burger King, descubre que su hamburguesa tiene gusto a mierda, e inicia una pesquisa sobre la totalidad del proceso de elaboración de la misma. Linklater ensambla una narración coherente que intenta demostrar el conjunto de los factores políticos y sociológicos involucrados en la producción de alimentos, de lo que se predica no solo una dietética específica sino una ética determinada. En efecto, una hamburguesa conlleva una historia secreta de explotación: obreros mejicanos ilegales, cinismo corporativo, resentimiento de clase y una insatisfacción social generalizada que come literalmente mierda. Somos los que comemos, dicen los macrobióticos. (Roger Koza, programador)

Miércoles 25, a las 20.30hs: La rueda del tiempo, de Werner Herzog, Alemania, 2003.

80 minutos / Apta para todo público Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Hércules, de Werner Herzog, Alemania, 1962.

Este documental sorprendente sobre una fiesta y rito de iniciación budista, el Kalacakra, no parece ser un tópico ortodoxo para el heterodoxo Werner Herzog, pero una mirada atenta podrá constatar que el realizador de Aguirre, la ira de Dios, ha estado siempre interesado en los fenómenos extremos, siendo la religión experimentada como un paso más allá de la existencia ordinaria una variante del catálogo de sus intereses. Aquí se puede ver desde devotos que se postran por miles de kilómetros hasta llegar a Bodh-Gaya, India, el lugar en donde el Buda histórico se iluminó sentado bajo un árbol, hasta el Dalai Lama explicando algunos conceptos característicos del Budismo, aunque son las imágenes de Herzog las que ilustran con mayor precisión esta pasión colectiva por una religión en cuyo centro domina el vacío y la única certeza es la impermanencia de todo. (RK)

Miércoles 2 de mayo, a las 20.30hs:
El bigote, de Emmanuel Carrère, Francia, 2005.
85 minutos / No recomendada para menores de 13 años Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Yo te saludo Sarajevo, de Jean Luc Godard, 1993.
La opera prima del novelista Emmanuel Carrère se centra en la vida de un arquitecto, interpretado por el excelente Vincent Lindon. Un día el protagonista reside rasurar su bigote tras 10 años de conformar parte de su rostro. El problema es que ni su mujer, ni sus amigos, ni sus compañeros de trabajo perciben el sutil aunque esencial cambio. Tal desconocimiento implica la total desestabilización psíquica del arquitecto que termina huyendo a Hong Kong. Una comedia lúcida y muy fina sobre la identidad y el modo en el que uno se percibe a sí mismo, aunque también un retrato indirecto de la alienación cotidiana. (RK)

Miércoles 9 de mayo, a las 20.30hs:

La mitad de Nelson, Ryan Fleco y Ann Boden, EE.UU., 2006. 102 minutos / No recomendada para menores de 18 años

FUNCIÓN ESPECIAL DE CINE EXPERIMENTAL A LAS 18.30HS: Honor de caballería, de Alberto Serra, España, 2006.

Una conquista apasionada y compasiva sobre un retrato de una vida, este debut de los guionistas Ryan Fleco y Ann Boden se centra sobre tres personajes complejos: un profesor de historia secundaria, radicalizado políticamente (Ryan Gosling), devoto de su trabajo pero también adicto al crack, un temeraria estudiante de 13 años (Shareeka Epps) que le cuenta a su profesor un secreto y conforma un lazo afectivo con él, y un dealer local (Anthony Mackie) que empleó al hermano de la estudiante antes de ir a la cárcel y ahora pretende cuidarla. Bellamente interpretada y reveladora en sus acertijos morales, todas las historias de estos personajes son impredecibles. El personaje interpretado por Gosling es el protagonista más creíble de todas las películas estadounidenses que he visto durante el año; acaso inmaduro y desordenado, pero carismático, multifacético y sincero, del tipo que no podemos eludir sin eludir alguna parte de nosotros mismos. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader)

Miércoles 16 de mayo, a las 20.30hs:

The tracker, de Rolf de Heer, Australia, 2003.

94 minutos / No recomendada para menores de 13 años

Antes de la película principal se proyectará el mediometraje Última palabra, de Werner Herzog, Alemania, 1968.

Desde que este western de Rolf de Heer fue exhibido como la joya de la apertura del festival de cine de Melbourne, ha permanecido en mi memoria como la mejor película australiana que he visto en años. El actor aborigen David Gulpilil (Walkabout) ofrece una interpretación memorable como un lector de huellas mientras que ayuda a tres policías montados a encontrar a un sospechoso de asesinato en 1922, y aunque el film puede remitir a Dead Man de Jim Jarmusch en su historia de persecución inexorable, su sentimiento poético respecto de la Historia y el paisaje, y la banda de sonido (escrita e interpretada por el músico aborigen Archie Roach), poseen una identidad propia. (Una de sus logros es utilizar pinturas de Peter Coad, especialmente concebidas para la película, para mostrar cada momento de violencia que se suscita en la trama). (JR)

Miércoles 23 de mayo, a las 20.30hs:

Los niños del barrio rojo, de Zana Briski y Ross Kauffman, EE.UU., 2004.

83 minutos / No recomendada para menores de 13 años

Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Nueva dirección, de Juan Diego Vélez Funes, Argentina, 2006.

La fotógrafa Zana Briski viajó a Calcuta en 1997 para fotografiar el distrito rojo y se hizo amiga de varios niños hijos de prostitutas; en su viaje posterior les facilitó cámaras para fotografiar y les enseñó lo esencial de la fotografía. Como se documenta en esta película del 2004 de Briski y Ross Kauffman, los chicos no retrataron la servidumbre sexual, sino como suele ocurrir con el arte realizado por niños, sus fotos irradiaban frescura y a veces una gran vitalidad. Así, la historia en sí se convirtió en una experiencia viviente, sobre todo cuando Briski organiza una muestra de las fotos en Nueva York y en Calcuta, embarcándose además en una fuerte campaña para que estos niños accedan a colegios decentes y no tengan que ser absorbidos por un rumbo fatal. Pero el verdadero drama pasa por ver cómo la educación artística de los niños agudiza la percepción de la identidad, cambia el modo en cómo observan el mundo, y genera cierto orden sobre la dolorosa vida en sus hogares. (J.R.Jones, Chicago Reader)

Miércoles 30 de mayo, a las 20.30hs:

Mi tío de America, de Alain Resnais, 123 minutos / No recomendada para menores de 13 años

Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Comida, de Jan Svankmajer, República Checa, 1993.

Esta obra maestra del realizador de Noche y niebla, un éxito sorprendente en su país, combina divulgación científica y narrativa, ciencia y ficción, de tal modo que el conjunto es un ensayo fluido y lúcido, aunque perturbador (y reduccionista), de nuestros comportamientos más inconscientes pero también visibles y reconocibles. Bajo el marco conceptual del ya fallecido Henri Laborit, un heterodoxo neurólogo conductista, tres personajes, interpretados por Depardieu, Nicole Garcia y Roger Pierre, ejemplifican una teoría sobre la conducta basada en la división de nuestro cerebro en tres secciones, en donde el homo sapiens es al mismo tiempo, un reptil, un mamífero y un ser humano propiamente dicho. Quizás pueda molestar ser equiparados con ratas de laboratorios, pero ver el desenvolvimiento de un político, una actriz y un gerente empresarial, y sus dramas, pasiones y fantasías, convierte a todo el experimento en un espejo temible y fascinante en el que cualquier espectador puede ver su propio rostro, su propio deseo. La puesta en escena es magistral, y la inteligencia formal de Resnais compite en exactitud con las apariciones de Labortit explicando los laberintos pulsionales de la naturaleza humana. (RK)

VILLA GIARDINO

Domingo 15 de abril, a las 20.00hs: película de apertura The tracker, de Rolf de Heer, Australia, 2003. 94 minutos / No recomendada para menores de 13 años

Antes de la película principal habrá una presentación de la programación anual.

(Ver crítica más arriba)

Domingo 22 de abril, a las 20.00hs:

Madeinusa, de Claudia Llosa, Perú, 2005.

100 minutos / No recomendada para menores de 16 años

Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Nueva dirección, de Juan Diego Vélez Funes, Argentina, 2006.

La opera prima de Llosa, una meditación libre y personal sobre el choque entre modernidad (clase media) y tradición (campesinos), es más una fantasía surrealista que un ejercicio predecible en el tan mentado realismo mágico característico de cierto cine latinoamericano. Más intuitiva que intelectualmente rigurosa, Llosa imagina un pueblo perdido en las montañas, en donde durante las pascuas sus habitantes son libres de experimentar todo tipo de pecados. Dios está muerto y pronto resucitará, y con ello, el retorno a las buenas costumbres. Madeinusa es el nombre de una joven, quien tras su encuentro con un gringo de Lima en plena festividad habrá de cambiar las coordenadas simbólicas de su vida, de lo que se predica una mirada política sobre la interacción entre dos culturas antagónicas. Este film ganó en muchos festivales (Rótterdam, Hamburgo), aunque la recepción en el Perú ha dividido la opinión del público y los especialistas. Visualmente elegante, Madeinusa es polémica por evitar el encomio y el desprecio respecto de una cultura específica, y deja en claro que el paganismo subyace siempre en la experiencia cristiana ortodoxa de un continente convertido por la fuerza. (RK)

Domingo 29 de abril, a las 20.00hs:

La nación de la comida rápida, de Richard Linklater, EE.UU., 2006. 114 minutos / No recomendada para menores de 16 años

Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Sentimiento, de Todd Solondz, EE.UU., 1984.

Domingo 6 de mayo, a las 20.00hs:

Herzog en foco La rueda del tiempo, de Werner Herzog, Alemania, 2003.

80 minutos / Apta para todo público

Antes de la película principal se proyectará el mediometraje El gran éxtasis del escultor de madera Steiner, Alemania, Alemania, 1974.

Domingo 13 de mayo, a las 20.00hs: El bigote, de Emmanuel Carrère, Francia, 2005. 85 minutos / No recomendada para menores de 13 años Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Comida, de Jan Svankmajer, República Checa, 1993.

Domingo 20 de mayo, a las 20.00hs:

La mitad de Nelson, Ryan Fleco y Ann Boden, EE.UU., 2006.

102 minutos / No recomendada para menores de 18 años

Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Terry Tate, de Rawson Marshall Thurber, EE.UU., 2003.

Domingo 27 de mayo, a las 20.00hs:

Persona non grata, de Oliver Stone, Francia, 2003 y Buscando a Fidel, de Oliver Stone, España, 2004.

130 minutos / Apta para todo público

Oliver Stone viene de realizar un bodrio irredimible como Las Torres gemelas, en donde su iracundia política parece haber sido amaestrada por el peor patriotismo que supo conjurar con sus pretéritas películas sobre Vietnam. Sin embargo, previo a este dislate nacionalista, Stone realizó un conjunto de documentales desparejos pero muy interesantes sobre algunos líderes políticos contemporáneos en tensión con su país. Persona non grata intenta retratar al recientemente fallecido líder palestino Yasser Arafat, mientras que Buscando a Fidel repite la fórmula de Comandante, el primer documental sobre el padre de la revolución cubana, aunque en esta oportunidad Stone es más crítico e incisivo. Poco se aprende de Arafat, aunque mucho se entiende de la dirigencia israelí, sus prejuicios, sus limitaciones, sus contradicciones, sus temores. Pero Buscando a Fidel es otra cosa. Allí se registra las tristes consecuencias experimentada por 75 disidentes, tres de ellos ejecutados a una semana de su detención. Stone llega a filmar un diálogo entre algunos detenidos, los jueces y Fidel, un extraño momento en el que lo mejor y lo peor de dicha experiencia política se revela ante una cámara. Lo que Saramago, entre otros, vio como imperdonable del régimen cubano, Stone lo ofrece en imágenes. Fidel da la cara. (RK)

ESTRENOS DE LA SEMANA

2007-04-09T21:06:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valor

por Roger A. Koza.

Amar es traducir, amar es resistir.

Cartas desde Iwo Jiwa, EE.UU., 2006.
Dirigida por Clint Eastwood. Escrita por Iris Yamashita y Paul Haggis.

**** Obra maestra

Moolaadé -Protección, Burkina Faso, Francia, Marruecos, Senegal, Túnez, 2004.
Escrita y dirigida por Ousmane Sembené.

*** Hay que verla

Dos películas muy diferentes elevan la cartelera comercial, porque dos maestros del medio, uno conservador y el otro progresista, aunque ambos pertenecientes a la tercera edad, demuestran que la senectud no es incompatible con la innovación y la vitalidad, en propuestas en donde lo formal y lo conceptual se combinan perfectamente.

Quizás uno de los pocos momentos decentes de la ya olvidada, por su trivialidad obscena y chauvinismo soberano, ceremonia de los oscar, fue ese extraño y cálido pasaje en el que Ennio Morricone agradecía en italiano y Clint Eastwood traducía simultáneamente al maestro de música para que una audiencia pletórica de estrellas monolingües pudieran entender. ¿Eastwood traductor?

Que un director de cine identificado con esa potencia prepotente denominada Estados Unidos, cuya aventura imperialista en Irak sigue vigente como si fuera un éxito de taquilla, decida revisar una batalla pretérita desde el punto de vista del enemigo debería llamar la atención. Más todavía, cuando el filme en cuestión está íntegramente hablado en japonés, y funciona además como un contrapunto cultural de un film que le precede en el que Eastwood visualiza el mismo conflicto bélico pero desde la perspectiva estadounidense.

La invasión a la isla de Iwo Jiwa duró un poco más de un mes, a principios de 1945. 100.000 aliados contra 22.000 representantes del emperador Hirohito. La táctica nipona, a cargo del general Kuribayashi, interpretado magistralmente por Ken Watanabe, fue la construcción de unas 5.000 cuevas para defender un territorio estratégicamente significativo. El blanco siguiente, ante la derrota, era Tokio.

En ese contexto histórico Eastwood elige un tipo específico de texto, un género literario capaz de respetar la diferencia cultural aunque también de apelar a un espíritu universal: la carta. En efecto, son las cartas escritas por soldados japoneses lo que hilvana parte de la narración, en la que un conjunto de justificados flashbacks humanizan a estos soldados, cuyos valores abstractos evidencian que se trata de un mundo distinto. Entre la guerra y el recuerdo, el deber y la memoria, la patria y la existencia, Cartas de Iwo Jiwa postula la única tesis razonable que un film antibélico puede sostener: en la guerra no hay ni vencedores ni vencidos, sólo sobrevivientes.

¿Dos películas? Seguro, dos concepciones de mundo que necesitan estar separadas para que, paradójicamente, puedan constituir un espacio mínimo en donde el Otro siendo otro pueda ser comprendido en su inquietante diferencia. En ese sentido, el esfuerzo del realizador ya no sólo consiste en aprender un lenguaje, sino en poder experimentar el mundo desde el horizonte cultural cuya implicancia alcanza hasta la percepción misma del cuerpo. Es por eso que hay un pasaje que se repite en ambas películas, y coincide con un suicidio ritual colectivo en donde el despedazamiento del cuerpo humano acentúa las desavenencias entre culturas. Eso incluso tiene un correlato en las escenas bélicas: la representación del campo de batalla y los movimientos de combate son desemejantes.

A diferencia de la misantropía festiva de Los infiltrados, y de Babel, cuya axioma es amo a la humanidad pero odio a los hombres, Las cartas de Iwo Jiwa describe una humanidad belicosa aunque sus soldados, de ambos bandos, son hombres que aman, sufren, obedecen y sueñan. Spielberg y su soldado Ryan habrán alterado nuestra percepción de la guerra, pero no cómo pensarla. Ambos filmes de Eastwood, junto con La delgada línea roja , son la excepción de una regla de todas las películas de guerra: un reclutamiento por otros medios. Tanto Eastwood como Mallick entienden que conocer el rostro del enemigo, de entenderle en su habla, es dislocar la pulsión belicosa. Intuyen que la traducción es una forma de amar.

Mientras que el noveno BAFICI abrió el último martes a la noche con un excelente filme africano, Bamako , de Abderrahmane Sissako, aquí en Córdoba se estrena la última película del padre fundador del cine africano, Moolaadé o Protección , de Ousmane Sembéne, cuyo término en wolof traducido al español significa protección.

Es una oportunidad única para desmarcarse de dos prejuicios dominantes en el imaginario colectivo a la hora de escuchar la palabra África: el primero, difundido por películas bienpensantes como Diamante de sangre o secretamente perversas como El jardinero fiel, en donde el continente es representado como un conjunto de calamidades inalterables, excepto si los buenos hombres blancos intervienen en la ayuda de los desamparados. A este paternalismo caucásico, le sigue un prejuicio fundado en la ignorancia: África es casi un equivalente a Animal Planet. Hay cebras, jirafas, leones, quizás Tarzán, aunque se sospecha de que vive una multitud sin rostro, supuestamente primitiva, acaso inconmensurable.

Pero he aquí un filme sobresaliente que viene a desvirgar nuestra inocencia. He aquí un filme de un maestro de 84 años con una carrera impecable, tanto como cineasta como novelista. En Protección, segundo film perteneciente a una trilogía que celebra y reconoce el heroísmo de la mujer africana en su vida cotidiana, Sembéne ejemplifica narrativamente la noción de resistencia política: las mujeres de una aldea destituyen el poder clerical masculino negándose a extirpar el clítoris de sus niñas. Es una práctica pretérita destinada a “purificar” a la mujer, aunque todavía ejercitada en 28 estados del África contemporáneo. Y como Sembéne habrá de señalar: su genealogía no es religiosa.

Todo comienza cuando Mama Colle decide decretar el Moolaadé, una suerte de protección tribal, aquí convocado para evitar la ablación del clítoris de cuatro niñas. La institución de este sistema de auxilio implica tan solo que Colle pronuncie la palabra e instituya, gracias a una soga de colores múltiples, una zona libre del alcance de la Salindana, el grupo de mujeres encargadas de “purificar” a las niñas. Es un universo simbólico, y la palabra tiene un poder. A una superstición se le responde con otra.

Por momentos, Protección puede parecer un film sencillo con un objetivo narrativo ostensible. No obstante, una mirada más atenta puede develar en la fina construcción de su relato una crítica más compleja a la sociedad que retrata, cuya prueba excelsa habrá de verificarse en algunos personajes no carentes de ambigüedades, como aquel vendedor conocido como el mercenario y el joven futuro líder del pueblo que regresa de Europa.

No es un relato exento de dramatismo, mas esta cultura africana parece denotar una jovialidad y vitalismo que compensa el rigor y el drama de la contienda ante el falocentrismo primitivo de los administradores religiosos de la comunidad. Por eso, un espectador atento no dejará de sorprenderse ante la densidad informativa que el filme ofrece. Su puesta en escena es un viaje material y orgánico a una comunidad específica.

Un filme singular y universal; un filme que descubre una cultura desconocida, a pesar de que los derechos en cuestión son reconocibles por cualquier espectador de nuestro mundo.

TODAS LAS CRÍTICAS HAN SIDO PUBLICADAEN EL DIARIO LA VOZ DEL INTERIOR DE LA CIUDAD DE CÓRDOBA (5 y 6/04/07)
COPYRYLEF 2000-2007/ ROGER ALAN KOZA

RECOMENDACIONES PARA EL BAFICI 2007

2007-03-28T23:01:00.000-03:00

Por Roger Alan Koza

El noveno BAFICI tiene una oferta de aproximadamente 500 películas. ¿Cómo se hace para elegir? No tengo la menor idea. A continuación, como suelo hacerlo por mail, hay una lista de algunas de las 500 películas que he visto en otros festivales o que he programado para los cineclubes. Sobre la que he visto, me hago responsable absoluto de lo que digo al ponerle un número al lado de la película. El resto depende de comentarios o críticas leídas. Mis referencias han sido Jim Hoberman, Jonathan Rosenbaum, Adrian Martin, Kent Jones, Olaf Möller, Mark Peranson, Quintín (que pueden leer algunas cosas suyas sobre el próximo BAFICI en www.lalectoraprovisoria.wordpress.com), Tony Rayns, entre otros.

Me parecen imperdibles: la retrospectiva de Tati, si es que va en copias nuevas. Los filmes de Pedro Costa, Apichatong Weerasethakul, Alberto Serra y Bong, me parecen películas fundamentales. Debe haber otras. Hay retrospectivas varias, pero Pennbacker, la hija de James Benning, Peter Whitehead, me resultan interesantes. A continuación va la lista: las vistas tiene número; las que tengo buenas referencia van con: E (excelente), MB (muy buena) I (interesante).

La película de apertura es Bamako, de Sissako (10). Creo que también va El otro, de Ariel Rotter (8+) como apertura. No las veo en el catálogo on line.

LA LISTA

La competencia oficial
El telón de azúcar de Camila Guzmán Urzúa: 7+
Old Joy de Kelly Reichardt: E
Bucarest 12:08 de Corneliu Porumboiu: E

La competencia nacional
M de Nicolás Prividera, 9+

En Panorama
Madonnen de Maria Speth: MB
Summer ‘04 de Stephan Krohmer: 8 (La vi en alemán, pero pude seguirla y sin entenderlo todo sé que es muy buena)
O céu de Suely de Karim Aïnouz: 7+
Les Amitiés Maléfiques de Emmanuel Bourdieu: MB (la vi en Cannes porque se trata del hijo de Pierre, el sociólogo, pero no tenía subtítulo en inglés, así que no entendí casi nada)
Factotum de Bent Hamer: 7
Cá brule, Claire Simon: 7+

Cine del Futuro
Deserto feliz de Paulo Caldas: 8+
El tiempo que se queda de José Luis Torres Leiva: MB
Geo-Lobotomy de Kim Gok / Kim Sun: MB (Estos tipos tratan de llevar Marx y Deleuze a la pantalla; están muy locos)
Schopenhauer de Giovanni Maderna: I
Honor de cavallería de Albert Serra 10
Betelnut de Heng Yang: MB

Panorama democráticos
Cocalero, Alejandro Landes, 7+

Trayectorias
Woman on the Beach de Hong Sang-soo: 8+
Más allá del espejo de Joaquín Jordá: MB
Fay Grim de Hal Hartley: I
State Legislature de Frederick Wiseman: E (no para todo el mundo)
Corazones de Alain Resnais: MB
Le Papier ne peut pas envelopper la braise de Rithy Panh: MB
It’s Winter de Rafi Pitts: 8+
Il Regista di matrimoni de Marco Bellochio: E
Qui loro incontri de Jean-Marie Straub y Daniéle Huillet: E
L’Udienza è aperta de Vincenzo Marra: 9
Hana de Kore-eda Hirokazu: MB
It’s Only Talk de Ryuichi Hiroki: I
Tarachime de Naomi Kawase: E
Juventude em marcha de Pedro Costa: 10
Syndromes and a Century de Apichatpong Weerasethakul: 10
I Don’t Want to Sleep Alone de Tsai Ming-Liang: 9+

La comedia independiente
Tales Of The Rat Fink de Ron Mann: MB
For Your Consideration de Christopher Guest: MB

La tierra tiembla
The Prisoner or: How I Planned to Kill Tony Blair de Petra Epperlein / Michael Tucker: MB
Day Night, Day Night de Julia Loktev: 9
Jesus Camp de Heidi Ewing / Rachel Grady: 8
My Country, My Country de Laura Poitras: MB

Diálogos
Belle de Jour de Luis Buñel 8
Belle toujours de Manoel de Oliveira 8
Dong de Zhang-ke Jia MB
Still Lifede Zhang-ke Jia E
La Chinoise de Jean-Luc Godard 10

Nocturna
Duelist de Lee Myung-se: MB
The Host de Bong Joon-ho: 10
The Twin Dragons de Ringo Lam / Tsui Hark: MB
Big Bang Love: Juvenile A de Takashi Miike: MB
Retribution de Kiyoshi Kurosawa: MB
Bakushi de Ryuichi Hiroki: I
Shortbus de John Cameron Mitchell: I

Música
Fabricando Tom Zé de Décio Matos Jr: 7+
Opera Jawa de Garin Nugroho: E
Princess Raccoon de Seijun Suzuki: 10
My name is Albert Ayler de Kasper Collin: 7+

Personas y Personajes
A casa de Alice de Chico Teixeira: 7+
The Journals of Knud Rasmussen de Norman Cohn / Zacharias Kunuk: E

Otras películas que no sé en qué sección están:

Copacabana, Martín Rejtman: MB

Lo que sé de Lola, Javier Rebollo: 9

PRÓXIMAMENTE: Festival de cine de Guadalajara; BAFICI+Mar del Plata; y desde el 15, publicación semanal de los estrenos de CBA.

PÁEZ: EL CINE Y LA MÚSICA

2007-03-05T16:55:00.000-03:00

Fito Páez: su mundo no cabe en una canción

por Roger Alan Koza

En poco tiempo se estrena su segundo largometraje, ¿De quién es el portaligas? Recientemente salió editado su última placa, El mundo cabe en una canción. Pero durante todo el mes de enero, Fito Páez, como acostumbra a hacerlo, descansó en la sierras de Córdoba, más precisamente en la localidad de La Cumbre. Quienes viven allí, saben que es un lugar elegido por artistas, y no causa sorpresa ver entonces a Páez tocando el piano del café La Gran Aldea en una noche de verano. Discreto aunque presente, Páez, que junto a Spinetta y García, comparte un concepto poético-musical que excede la mera idea de canción, es algo así como la nueva adquisición del elenco semiestable de La Cumbre. Y mientras descansa no deja de tantear nuevas cadencias para futuros temas, sin imaginar también algún plano secuencia posible para un filme no muy lejano en el tiempo. Páez, un noctámbulo confeso, combina sus secciones musicales después de la medianoche con La Salvaje lejanía azul de Herzog y otras películas que funcionan como nutrición simbólica para su oficio de cineasta. Muchos pensaron que Vidas privadas era el capricho de un músico exitoso. Pero para quienes supieron ver un valor estético y político en su primer filme descubrían allí a un posible realizador. En efecto, cine y música son los caminos elegidos por él como artista. De La Cumbre, del cine y, lógicamente, de la música, hablamos con él mientras se preparaba para su show que después hiciera en Villa María. El puntapié inicial de un año no desprovisto de desafíos y proyectos.

1¿Cómo entendés hoy el arte, cuál es su función, en búsqueda de que estás como artista?

Todos sabemos que el arte es una expresión inútil y ese es el motivo por el cual un montón de gente se interesa en él, aunque cada vez menos. En algún momento se pensó que podía modificar conductas sociales en gran escala, creo que es una gran falacia. Con un poco de suerte puede hacernos emocionar y darle sentido a todas las barbaridades que habitan nuestro corazón en un momento. Eso si, hay que estar predispuesto y preparado, te diría, para comprender y disfrutar las expresiones humanas, no vaya a ser cosa que ese día pase algo especialísimo en tu vida y después tuviste que escribir sobre la última de Almodóvar y decís que no te gustó. Vivimos por otro lado una democratización de las expresiones y eso hace que el concepto de arte se amplíe o desaparezca. Creo que hay algo allí que por lo menos me parece simpático. Es una buena época para que dejen de florecer los comisarios de todos los lenguajes y vuelvan los artistas. Gente lúcida, desprejuiciada, activa, sin miedos estéticos y que sacuda un poco la época. Eso si, creo que todos lo necesitamos ante tanta pasteurización. Nunca se sabe que se busca, pero si se busca algo, se busca algo que no se encuentra.

2- ¿Qué podés hacer con el cine que no podés hacer con la música? ¿Por qué el fotograma en vez del pentagrama? ¿Cómo se combinan dos prácticas estéticas, semejantes y diferentes, si se quiere? ¿Como te ves en el mapa del actual rock argentino? ¿Qué está pasando?

La música solo conlleva las imágenes del propio espíritu del oyente. La imagen funciona como una máquina mucho más ordenada y dictatorial. Todo tiene sus pros y sus contras. Las dos cosas invitan a la inteligencia, al placer y a contar el mundo, así que son dos drogas irresistibles. Con sus lenguajes bien específicos y diferentes, pero siempre hay algo de una disciplina que me hace pensar en la otra. La composición a la escritura, la dirección de arte a los arreglos, el montaje a la mezcla del álbum, la dirección de actores a la de los músicos, etc. En cuanto a la música popular argentina creo que hay un antes y un después de los 90. La música popular argentina ya es una tradición centenaria y de la más variopinta. En todas sus formas, las urbanas y rurales encontramos complejidad, belleza y precisión. Tanto en las palabras como en los aspectos rítmicos, melódicos y armónicos, que son los elementos específicos que hacen a la canción. Los devaneos sociales y políticos sacaron a los artistas populares de la barricada estética y los llevó directo a la barricada del discurso. La falta de proyecto colectivo hizo que pareciera más importante la urgencia de pertenecer a algo (lo que sea, llamémosle tribu), sin comprender que se estaba produciendo un vaciamiento estético histórico ligado a nuestra música popular. Es sencillo encontrar la conexión entre algunas orquestaciones de Salgan y Cuando me empiece a quedar solo de Charly. Es sencillo comprender los puntos en común entre la letra de Naranjo en Flor de Homero Expósito y Los libros de la buena memoria de Spinetta. Es sencillo conectar a Nebbia con algunas melodías gardelianas, El día que me quieras sin ir más lejos podría ser una música suya. Eso que sucede en los noventa es un cisma. La ingeniería del país entra en crisis, otra vez, solo que esta vez se iba a cargar a la música argentina. No digo que no haya autores e intérpretes de valor estético y por ende emocional. Sólo que otras épocas los hacía aparecer para hacerlos funcionar como la conciencia espirituosa del momento. En general gente valiente, lúcida, arriesgada y con un gran sentido del humor. Hoy cambiamos ser artistas por ser famosos y levantar el dedito de una ideología anacrónica berreta de izquierda (siempre ligada a las grandes causas) en vez de ir tres veces por semana a lo de la profesora de piano del barrio, para que nos enseñe los ladrillos fundamentales para construir una casa que en todo caso después nos encargaremos de rearmarla de las mil maneras posibles pero con amor a la música y a las palabras, que son también dos elementos ancestrales en la comunión humana. Y yo siento que acompaño a todo este gran movimiento, que me permite incluso participar como autor, intérprete y crítico. Me siento muy honrado de esta situación y sin duda alguna es y será uno de los centros de mi vida, un norte hacia el sur, hacia mi historia.

3. Tu relación con el cine viene de lejos. Habías participado en algunas películas de Solanas. Habías compuesto música para un film de Almodóvar. Pero, un buen día, decidiste dirigir. Tu primer film era una película ambiciosa, en el sentido que como pocas películas argentinas, mostraba lúcidamente cómo la historia social tenía efectos constatables en la vida privada. A la distancia, ¿cómo pensás hoy aquella película? Tu próxima película, además, es una comedia. ¿Qué buscas mostrar y contar con tu próximo film a estrenarse?

Mi relación con el cine comienza en Rosario con mi padre llevándome todos los sábados al cinematógrafo. Da allí a Vidas privadas hay un recorrido que ni siquiera lo puedo imaginar pero que habla de lo importante que fue la decisión de mi padre cuando me hizo habitué del cine el los años 70 porque fue su forma de decirme que el mundo era ancho y ajeno, que podía ser mío también. Que podía contar mis historias si yo quería. El cine era divertido pero también contaba el delirio humano. No recuerdo cuantas veces vi Papillon en el cine Radar o 2001 de Kubrick en el Monumental de la calle San Martín. Había algo allí que me fascinaba. Vidas privadas fue una de las experiencias más importantes de mi vida. No podía atravesar mi tiempo sin contar esto. Veía tanta hipocresía y tanta boludez en la Argentina posdemocrática, fue una imposición espiritual. No pude avanzar en otra dirección sino hasta haberla terminado. Fue muy doloroso y muy revelador. Pude ver dónde estaban los actores del drama, en realidad y confirmar, no sin dolor, que éramos nosotros mismos, que sólo sabíamos vivir en la analgesia y cualquier punto de vista que llevara a la idea de revisar el trauma iba a ser rechazada de antemano. Pero esto no es nada nuevo, nadie quiere ir al cine a que le digan que forma parte de una sociedad amoral. Por otro lado.... “los músicos de rock no filman películas serias, pibe ¡¡¡” De todas formas la peli nueva, ¿De quién es el portaligas? funciona por un lado como una antítesis de Vidas privadas porque tiene apariencia de comedia, pero por otro lado está el tema de la familia como tema central. La familia es el centro de las relaciones humanas y está la heredada y la que uno elige. La peli habla de estas posibles formas de comunión entre las personas y tiene un mensaje que no voy a revelar pero que se parace más a como me gustaría que fuera el mundo.

4. Se habla de un Nuevo Cine Argentino. ¿Te sentís parte de ese difuso movimiento? ¿Te interesa la obra de alguno de los nuevos directores de hoy?

Me apasiona el cine de Lucrecia Martel, por su extraordinaria sofistificación. Me recuerda a Silvina Ocampo, un cine de detalles, elegante, donde las perversiones están a la orden del día y no carente de sentido del humor. Creo que es la mejor. También en esa línea podríamos hablar de Luis Ortega, cuyas dos películas Caja negra y Monoblock nos muestran a un artista joven, pero consumado en sus convicciones. Una especie de niño viejo lleno de picardía, dolor y disparate. Adrian Caetano tambien me gusta. Conoce al dedillo el negocio de los hombres y tiene un cine noble y rugiente como su corazón, intuyo. Ahora, formar parte de algo, creo que no. El cine aunque no parezca es un arte muy atomizado. Creo que el nombre de Nuevo Cine Argentino está más referido a una necesidad de la prensa para poder englobar ciertas expresiones jóvenes de una época. Pero no podemos hablar de ésto como si se tratara de Cinema verite o Nouvelle Vague en relacion a los Cahiers du cinema. Posiblemente deberíamos aprender de esta gente y crear espacios propios de reflexión y producción de ideas y películas y entonces si, se podría hablar de un movimiento cuyo nombre podría ser tan ridículo como NO ME GUSTA QUE NADIE HABLE MAL DE MI Y MENOS EL CRITICO DEL JORNAL DEL BARRIO.. En ese aspecto creo que los artistas y críticos argentinos vivimos lo que hacemos de una forma muy acomplejada. No sentimos curiosidad por la obra del otro por todo lo que nos puede revelar de nosotros mismos que no sabemos y vivimos esto como un horror, no como lo que sin ninguna duda sería un privilegio y una forma de expandir ideas y materia para poder configurar un universo común.

5- En los últimos años has elegido La Cumbre como lugar de descanso y, tengo entendido también, como lugar de inspiración. ¿Por qué La Cumbre?

La Cumbre también me remite a mi infancia en el Valle de Punilla, hoy se ha transformado en un lugar de disfrute para toda mi familia. También es un lugar ideal para componer, escribir y comerse esos buenos chivitos en El Toboso y visitar amigos entrañables. Alguna noche en el Emir, donde el Rulo te recibe con espontánea hospitalidad, escuchar cantar a Martita Fernández en algún hotel recién inaugurado y verse en el cineclub algunas de las nuevas rarezas del cine mundial o una de Welles de los años 40. Comerse una buena pizza en el Búho acompañada de cerveza artesanal, hacer compras en el Cordiez y terminar con el mojito de Fabián en Kasbah.

ESTA ENTREVISTA SALIÓ PUBLICADA EN UNA VERSIÓN DISTINTA Y CON OTRO TÍTULO DURANTE EL MES DE FEBRERO DEL 2007 EN EL DIARIO LA VOZ DEL INTERIOR DE LA CIUDAD DE CÓRDOBA.

Copyleft 2000-2007/Roger Alan Koza

ALGUNOS ESTRENOS DE ENERO Y FEBRERO

2007-02-13T09:13:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valor

por Roger A. Koza.

Modos de ver

La vida secreta de las palabras, España, 2005.
Escrita y dirigida por Isabel Coixet

** Válida de ver

El nuevo filme de Coixet, comparado a la banalidad acostumbrada que se ven las salas semanalmente, puede parecer un gran film, aunque una mirada atenta confirma que el talento de la realizadora es innegable, incluso cuando se trata de una película trivial con pretensiones existenciales desmedidas.

El cine español es hoy un universo diverso: ¿qué liga la magistral Honor de caballería de Alberto Serra a Volver de Almodóvar, o El cielo gira de Mercedes Álvarez a una película firmada por Amenábar?

Isabel Coixet es catalana pero sus películas están habladas en inglés e interpretadas por actores anglosajones, y no por ello se parecen al cine hegemónico realizado en Los Angeles, pues Coixet intuye un mundo en donde lo extraño y extraordinario gobiernan, de lo que se predica un modo de verlo y filmarlo. Su cine es una indagación discreta sobre la percepción.

Quienes hayan visto Mi vida sin mí, una película mucho más consistente que La vida secreta de las palabras, habrán de reconocer una predilección por el drama intimista. Aquí, la excelente Sarah Polley interpreta a Hanna, una mujer solitaria y sorda, casi fóbica, que trabaja estoicamente en una fábrica de Irlanda del Norte. Su acento y su nombre indican que es extranjera, probablemente de alguna región de Europa oriental. Hace años que no toma vacaciones, y por presión del sindicato, su jefe le exige que tome descanso. ¿Mar, palmeras, sol? No, un lugar más frío, ideal para sujetos huraños.

Quizás su lógica íntima le exija trabajar para no pensar, ocuparse para no abdicar. Por eso, en pleno descanso toma un puesto como enfermera en una plataforma de petróleo en medio del mar. Allí tiene que cuidar a un hombre accidentado, momentáneamente ciego tras haberse quemado (Tim Robbins), mientras convive con un oceanógrafo, un cocinero, y otros hombres que trabajan en la plataforma. Es un microcosmos de solitarios en un paisaje determinado por la repetición.

Si bien el filme se define por el vínculo que se establece entre el convaleciente y la enfermera, en donde conversar es una terapéutica compartida y un método de conjura sobre experiencias pasadas atravesadas por un gran padecimiento personal e histórico en un caso, y en el otro por una tragedia de índole amoroso, Coixet insiste en explorar nuestros modos de ver, o cómo las palabras constituyen la forma de mirar; incluso, indirectamente, hasta dónde el cine necesita de palabras para mostrar.

En una pasaje aparentemente menor, Hanna inspecciona el cuarto de su paciente. En el escritorio hay un libro de John Berger, Modos de ver. Al finalizar la película, hay una doble dedicación, que incluye a Berger (y también a una organización internacional que lucha contra la tortura en el mundo). En ese hermoso libro se puede leer: “Yo creo que uno mira las pinturas en la esperanza de descubrir un secreto. No un secreto sobre el arte, sino sobre la vida. Y si lo descubre, seguirá siendo un secreto, porque, después de todo, no se puede traducir a palabras. Con las palabras lo único que se puede hacer es trazar, a mano, un tosco mapa para llegar al secreto”.

Tímidamente, el cine ilumina el secreto físico del mundo, y nosotros en él. Coixet captura ese secreto cuando no le impone excesivos parlamentos a sus criaturas, propios de un guión dispuesto a decirlo todo.

Posmodernidad animada

La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja, EE.UU., 2006).
Escrita y dirigida por Cory y Todd Edwards

* Tiene un rasgo redimible

Dragones: destino de fuego, Perú, 2006
Dirigida por Eduardo Schuldt. Escrita por Giovanna Pollarolo y Enrique Moncloe.

*Tiene un rasgo redimible

Dos películas muy distintas y de orígenes similes demuestran que la animación se posmoderniza a fuerza de citas pop, películas de los 90 y los mismos gestos que año tras año hacen del supuesto cine para niños un entrenamiento para una cultura globalizada.

Había una vez un tiempo en donde no había literatura para niños. Los cuentos populares se transmitían oralmente de generación a generación, y si bien oficiaban como legado simbólico a las futuras generaciones no eran prerrogativa de los infantes. Bajo el signo de Gutemberg, es decir ante la democratización del saber implícito en la invención de la imprenta, hubo quienes rescribieron aquellas historias. Charles Perrault primero en el siglo XVII, los hermanos Grimm después en el albor del siglo XIX, entre tantos títulos clásicos que compilaron y recrearon yacía Caperucita Roja.

Probablemente, los responsables de esta versión cinematográfica del cuento les importe un comino cómo adaptar una tradición oral determinada a la sensibilidad narrativa contemporánea. O quizás, los cuentos de hadas ya son incompatibles con la imaginación infantil del siglo XXI, y sólo se trata, entonces, de parodiar, ironizar y remixar los motivos literarios de antaño en una cultura masiva y agrafa, cuya función excluyente es el entretenimiento infinito.

Hija de Shrek, el dibujito posmoderno por excelencia, La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja arranca con la visualización literal de un libro que se abre y adquiere tres dimensiones. La historia la conocen todos, pero no lo que se puede leer entre líneas. El lobo, Caperucita, la abuela y el legendario leñador están ligados por un misterioso robo de recetas. De aquel mítico pasaje en el que un lobo travestido en anciana se está por comer a la niña el filme de Edwards deviene en un policial epistemológico en donde la verdad es una perspectiva. Un inspector rana y un oso pardo jefe de policía intentan esclarecer qué ocurrió previo a la escena de un crimen no cometido. Y para ello apelan a la versión de cada uno de los involucrados. ¿Un Rashomon para toda la familia? Increíble pero pertinente, la referencia al filme de Kurosawa no es caprichosa, aunque finalmente aquí todo se explique y un inesperado malhechor bastante parecido a Bugs Bunny sea el único culpable.

Pastiche posmoderno inocuo, esta versión de Caperucita es un notable síntoma cultural y cinematográfico. Se trata de tomar un cuento clásico como pretexto (bo)lúdico en donde el gag y las mil y una citas al universo pop se combinan a través de temas musicales y escenas que remiten a otras películas recientes (Matrix, Misión Imposible), de tal modo que se constituya una especie de historia mientras que la estética elegida la protege de su soberana insignificancia. El resultado final es un cuento clásico descafeinado, desprovisto de sustancia.

En efecto, la riqueza simbólica de Caperucita, sus alusiones oblicuas a la sexualidad, la moral, el paso a la madurez habrá que buscarla en otros cuentos animados. O simplemente pedir que Guillermo del Toro, el responsable de la excelente El laberinto del fauno, un ejemplo eximio de transposición del cuento de hadas al cine, se pase a la animación destinada a los más chicos. Seguro que el mejicano habrá leído a Bruno Bettelheim; seguramente, a diferencia de Edwards y los hermanos Weinstein, no subestimará el poder simbólico de los cuentos de hadas.

Madeinusa y Días de Santiago, dieron señales que desde la tierra de los Incas había un cine vital, uno que intentaba articular un discurso propio dentro de ese lenguaje universal, el cine, acaso nuestro esperanto audiovisual.

Hay casi una celebración acrítica respecto de Dragones: destino de fuego, en donde muchos críticos eligen el elogio chauvinista: en Latinoamérica también se puede hacer cine de animación. En efecto, es meritorio que por segunda vez Eduardo Schuldt insista con un filme realizado en 3D. Es bienvenido, también, que se conciba películas para niños todavía no expuestos al nihilismo pop de los Simpsons, es decir películas destinadas a un sector infantil en el que todavía se está articulando un ABC de cómo interpretar y valorar el mundo y quienes viven en él. Se supone, al menos en voz del autor, que este es un filme-vehículo de valores en tono regional, aunque es la tolerancia, la virtud pública por excelencia del liberalismo, el “mensaje” a transmitir.

¿Una historia de cóndores? ¿Un dragón en los Andes? Difícilmente existan dragones en la tradición mítica precolombina, ni siquiera Quetzacóalt puede identificarse como tal. Pero en este relato, los dragones viven en un reino subterráneo, mientras que hay en la selva y en las alturas otras comunidades de seres vivientes. Como en la mayoría de las películas made in usa, los animales hablan, y aquí, lógicamente, en castellano. Una familia de cóndores encuentra un huevo de dragón en una cueva perdida. El dragón que habrá de nacer, Sinchi, tendrá que sobrellevar su congénita diferencia. Mientras es el hazmerreír de sus hermanos, Sinchi será reconocido por una dragona como John John, el príncipe de los dragones. Y le espera cumplir una tarea profética: liberar a los suyos, un linaje de dragones libres y justos que han sido sometidos por otra casta, más proclive a la explotación y al uso de la fuerza como estilo de vida.

Madeinusa, Usnavy, Darling, son nombres propios que se usan en el Perú. Esta apropiación simbólica de la identidad andina es, por otros medios, el problema central de Dragones: destino de fuego, en donde la estructura narrativa y concepción cinematográfica repite a imagen y semejanza una idea de cine típico de gringos. Desde un entrenamiento físico musicalizado con la banda de sonido de Rocky, pasando por una lucha en la estética de Matrix, y el ya obligatorio eructo, soberanía del ogro verde que todos aman, el filme de Schuldt pretende ser un relato universal, sin advertir que ésta se articula a propósito de un motivo local o regional. Sentenciar, por ejemplo, “quien destruye a la naturaleza se destruye a sí mismo” es una declaración hueca sino se comprende la especificidad cultural de ese imperativo.

En ese sentido, filmes como Mi vecino Totoro y La princesa de Mononoke, de Miyazaki, o Kirikou y la hechicera, de Ocelot, son paradigmáticos de un cine lejos de la gramática de Disney y sus sucursales mediante, capaces de honrar la tradición a la que pertenecen sin dejar de ser legítimamente universales. Aunque a los chicos le gusta cualquier cosa, dicen.

Cuestión de gracia

Sálvese quien pueda, Reino Unido, 2005. Dirigida por Niall Johnson. Escrita por Richard Russo y N. Johnson.

* Tiene un rasgo redimible.

Otra comedia moralizante con grandes intérpretes pero íntegramente anodina, sin la inteligencia característica de la mejor tradición inglesa.

¿Una comedia negra? ¿Humor inglés en la tradición de El divino Ned o El jardín de la alegría? ¿Una película-meditación sobre la gracia en sentido teológico? ¿El regreso de Mary Poppins devenida en asesina serial? La presencia de Rowan Mr. Bean Atkinson no debe confundir, pues Sálvese quien pueda puede ser muchas cosas, pero no es otra excusa para que el talentoso comediante (y actor) Atkinson repita la formula de su célebre personaje enajenado y fóbico, una máquina gestual burlesca; Atkinson aquí no es Mr. Bean.

La comedia dirigida por Niall Johnson, a veces interesante, ocasionalmente cómica, y siempre sostenida en sus intérpretes, es un conglomerado de lugares comunes de todo lo que puede esperarse de un filme con acento británico: bellos paisajes naturales, una comunidad típica representante de una moral específica, problemas matrimoniales, un difuso examen sobre las costumbres, incluso alguna crítica a los norteamericanos, esos que hablan el mismo idioma pero son penosamente distintos.

En un pueblo remoto llamado Little Wallop, en donde viven 57 personas (al menos al inicio del relato), un vicario ensimismado en sus quehaceres parroquiales no puede ni advertir que su mujer está a punto de iniciar un affaire con su inescrupuloso profesor de golf yanqui, ni reparar que su hija es una ninfómana. Los feligreses, mientras tanto, viven una fe mecánica, aunque el eclesiástico no deja de cavilar sobre “los misteriosos caminos de Dios”, título de una conferencia que habrá de leer en una convención. Y Dios, efectivamente, al menos en la interpretación tardía del religioso, parece intervenir a través de su nueva ama de llaves, Grace, nombre propio que en inglés significa Gracia. Será esta mujer casi abuela quien alterará la vida de esta familia en crisis, cuyo pasado sombrío guarda un secreto inesperado.

Narrativamente predecible, el potencial humorístico del filme queda anulado desde un principio, cuando un flashback explica y presenta la propensión psicótica y homicida de uno de sus personajes centrales. Ni que decir de la pereza estética que sobrevuela cada fotograma, incluyendo el registro fotográfico respecto de una región objetivamente bella, en donde lo bello se ve como postal. Lo que no es previsible es la exégesis con la que se examina a la gracia, ni actual ni santificante, más bien diabólica. En ese sentido, Johnson retoma la problemática relación entre medios y fines, y le da un giro no exento de polémica.

Para una película que no tiene mucha gracia, ahora en un sentido profano, su insistencia por incorporar lo cómico al discurso religioso puede ser paradójica, aunque la sugerencia es justificada. Y si se trata de provocar, el pasaje en el que se cita El cantar de los cantares aporta lo suyo. Después de todo, hay una dosis de erotismo solapado en ciertos libros de las sagradas escrituras. Pero sus detalles polémicos y un elenco excepcional (incluido Patrick Swayze, capaz de humillarse voluntariamente a partir de su perfil nefasto de estadounidense patético) no alcanzan para redimir una película que pretende ser cómica, y que ni siquiera con su omnipresente apoyo musical propio del género, captura la gracia característica de lo cómico.

TODAS LAS CRÍTICAS HAN SIDO PUBLICADA
EN EL DIARIO LA VOZ DEL INTERTIOR DE LA CIUDAD DE CÓRDOBA -
DURANTE LOS MESES DE ENERO Y FEBRERO 2007

COPYRYLEF 2000-2007/ ROGER ALAN KOZA

CORTOMETRAJES ARGENTINOS DE LA TERCERA MUESTRA

2007-01-07T16:38:00.000-03:00

Mis pies, Matías Herrera Córdoba, Argentina, 2006: El realizador Ernst Lubitsch decía que si uno empieza filmando montañas quizás pueda después aprender a filmar personas. Consciente o no, Mis pies sigue al pie de la letra dicho procedimiento, pues el primerísimo plano de Liliana bailando llega a su debido tiempo, cuando sabemos que es la montaña una pieza de su identidad, y cuando el joven realizador Matías Herrera Córdoba ha establecido desde el inicio del metraje una dialéctica entre paisaje y subjetividad, montaña y rostro, panorámica y primero plano. En efecto, hay en estos 25 minutos de cine una meditación poética sobre la identidad que se desmarca felizmente del nacionalismo de bandera; se trata más bien de una aproximación al fenómeno apelando a dos coordenadas específicas, lo telúrico y lo político (he aquí el porque de la dedicación al gran Gleyzer). Liliana, quien trabaja como empleada doméstica en una ciudad de Catamarca, vuelve a su pueblo ante la proximidad de una celebración religiosa, pero su visita puede ser un regreso. El viaje de la protagonista no sólo implica una elección entre la supuesta riqueza de centro y la pobreza de la periferia, sino la comprobación de que ella pertenece a un movimiento migratorio que la trasciende, una contingencia sociológica que define en parte a quienes se ven obligados a desplazarse. A este nomadismo forzoso, parece sugerir Herrera Córdoba, se lo puede impugnar desde los pies, pisando con ellos el territorio, contradiciendo obstinadamente el consenso de que el único futuro yace en la gran ciudad, la polis de las mercancías. (Roger Koza)

Emiterio, de Diego Seppi y José Tabarelli, Argentina, 2005: El premiado cortometraje documental de Diego Seppi y José Tabarelli es un ejemplo virtuoso de cómo evitar lo pintoresco y lo turístico a la hora de explorar un pueblo y una cultura periférica y lejana, en este caso característico del norte argentino. Emiterio Gutiérrez, un tejedor, además de coplero y animador (así denominan a quienes reemplazan a los curas en las misas) es el anfitrión de la mirada de los jóvenes realizadores, que en menos de 30 minutos logran capturar un estilo de vida sin adulterar su naturalidad. Estéticamente elegante y antropológicamente honesta, Emiterio, a través de un conjunto de panorámicas, planos medios y primeros planos, devela las coordenadas simbólicas y materiales de los pobladores de San Isidro, Iruya, cordillera Oriental Salteña. La copla, el tejido, el paganismo yuxtapuesto al cristianismo, las tecnologías pretéritas combinadas con tecnología de avanzada, la transmisión de saberes tradicionales no del todo integrados al sistema de educación estándar, son parte del descubrimiento de este film, cuya prolijidad formal está al servicio de una inquietud antropológica legítima. (RK)

El regalo de Zapura, Cristóbal Braun Mesples, Argentina, 2005: legítimo ganador de Cortopolis, festival nacional de cortometrajes realizador en Córdoba, la película de Mesples es una sátira inteligente sobre la guerra en general y sobre el conflicto de soberanía con el gobierno chileno a propósito del canal de Beagle. Pero ese es el contexto y el subtexto, pues el texto de la película está centrado en el soldado Zapura, quien recibe un esférico mundialista firmado por el matador Mario Alberto Kempes. Debido al soberano hastío de esta compañía de frontera, todos quieren jugar con la pelota, pero Zapura se niega. No es un balón cualquiera. Y entre la tensión del deseo de sus compañeros, y la tensión política con el supuesto enemigo, la pelota de Zapura habrá de tener su protagonismo. Históricamente precisa, el humor del film sirve para ridiculizar el nacionalismo ramplón, sin dejar al azar una preocupación ostensible por el lenguaje cinematográfico. (RK)

Nueva dirección, Juan Diego Vélez Funes, Argentina, 2006: este cortometraje de Vélez Funes es formalmente formidable y conceptualmente interesante. La decisión de un joven respecto a su destino, irse o no a una ciudad, es ejemplificada por el realizador a través de un paralelismo entre el pasado y el presente de quien tiene que elegir, en un juego dialéctico entre el momento de la decisión y las consecuencias de las mismas. La virtud de Nueva dirección consiste en visualizar estos dos tiempos a través de un montaje ingenioso capaz de decir mostrando aquello que experimenta el personaje. Aquí el uso del travelling es la decisión y el viaje de la película, su nueva dirección. (RK)

Zappeando, Hugo Mayer, Argentina, 2005: ¿Cómo decir en dos minutos que somos lo que vemos? ¿Cómo sintetizar los efectos de una práctica cultural en un plano secuencia? Mayer lo hizo con este cortometraje sugestivo y muy divertido. (RK)

TERCERA MUESTRA DE CINE INDEPENDIENTE 2007 TODOS LOS LUNES, MARTES Y MIÉRCOLES / DEL 8 AL 31 DE ENERO BELGRANO 470, SALA LUIS BERTI, LA CUMBRE

2007-01-03T14:11:00.000-03:00

En una conferencia pronunciada en Sendai, Japón, Pedro Costa, uno de los directores menos conocidos pero más importante de la actualidad, decía: “Para mí, la función esencial del cine es hacernos sentir que no todo está bien”. Subscribo enteramente el veredicto, como programador y como crítico, y posiblemente con esta afirmación ya quedan excluidos muchos posibles espectadores. Es verano, es vacaciones, y en nuestro imaginario es tiempo de teatro de revistas, 007 y de películas para niños. En efecto, esta es una muestra de cine a contramano de los dictámenes del mercado y las modas, una que intenta, sin negar el placer legítimo y el humor característico del cine, retomar cierto espíritu inconformista, crítico e insolente respecto de la experiencia de ver una película.

Un espectador que siga esta programación habrá de obtener, tras un mes de seguirla, una imagen del mundo, un mapa conceptual de cómo se ama, se lucha, se crea, se ríe, se sufre, se alivia, se sueña, se resiste, se delira. Esta muestra intenta restablecer el vínculo entre cine e Ilustración, es decir concibe al arte cinematográfico como potencial ejercicio orientado a la emancipación. Ver para entender, mirar para saber que puede haber más libertad.

Películas como Lunes a la mañana, Viento de Tierra, Código desconocido, El sabor de la sandía, A Scanner Darkly, El caso Pinochet, ABC África, La Toma, Enron, Rize, ficciones y documentales diversos, dramas o comedias, sugieren por distintos medios la indudable capacidad de reinventar, develar y cuestionar un orden económico y simbólico establecido.

En esta edición hay una selección variada de comedias. Lo cómico como sustancia irreverente y fuerza del espíritu no domesticada. Chaplin y Tati están presentes. TL1, Salven al planeta verde, Soy un adicto al sexo, Conspiradores de placer y Yo, y vos y toda la gente que conocemos, son cómicas, pero todas, sin excepción, no confunden humor con cinismo.

Hay dos directores a descubrir o a redescubrir: Pialat, un desconocido para muchos, es uno de los realizadores más destacados y rigurosos del cine galo de fines de siglo XX. Herzog, el otro elegido para esta ocasión, está experimentando una renovación creativa que merece ser atendida. Ambos poseen concepciones del cine propias, bien desmarcadas del mainstream.

Entre los cortometrajes hay para todos los gustos. A Dottie le dan chirlos, del director de Lejos del paraíso, Todd Haynes, y Una vida afortunada, de Sokurov, que precede a la excelente Ebrio de pinturas y mujeres, son excepcionales, aunque lo mismo podría decirse de los cortos de Burton, Álvarez, Van Sant y Fassbinder. Y menciono también que se verán 5 cortos de realizadores argentinos, algunos de ellos ganadores en festivales nacionales e internacionales, y uno de ellos perteneciente a un realizador de La Cumbre, Nueva dirección, una elegante película de Juan Diego Vélez Funes que, como su título, busca una estética en la dirección.

Esta muestra es la condensación del trabajo anual que se hace en el cineclub. Es una muestra abierta a toda la comunidad de La Cumbre como a quienes nos visitan. Es una propuesta que apuesta a federalizar la cultura, no siendo ésta el privilegio de los grandes centros urbanos. Y escribo cultura sin apelar a la artificialidad del término, y sin la pretensión de una clase determinada que cree ser su exclusivo beneficiario. Cultura abierta a todo tipo público dispuesto a querer aprender junto al cine. Las películas esperan por ustedes. (Roger Alan Koza, programador.)

PRIMERA SEMANA

LUNES 8
21.45hs: Película de apertura
Madeinusa, de Claudia Llosa, Perú, 2005.
100 minutos / No recomendada para menores de 16 años Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Mis pies, de Martín Herrera Córdoba, Argentina, 2006 y Nueva dirección, de Juan Diego Vélez Funes, Argentina, 2006.
La opera prima de Llosa, una meditación libre y personal sobre el choque entre modernidad (clase media) y tradición (campesinos), es más una fantasía surrealista que un ejercicio predecible en el tan mentado realismo mágico característico de cierto cine latinoamericano. Más intuitiva que intelectualmente rigurosa, Llosa imagina un pueblo perdido en las montañas, en donde durante las pascuas sus habitantes son libres de experimentar todo tipo de pecados. Dios está muerto y pronto resucitará, y con ello, el retorno a las buenas costumbres. Madeinusa es el nombre de una joven, quien tras su encuentro con un gringo de Lima en plena festividad habrá de cambiar las coordenadas simbólicas de su vida, de lo que se predica una mirada política sobre la interacción entre dos culturas antagónicas. Este film ganó en muchos festivales (Rótterdam, Hamburgo), aunque la recepción en el Perú ha dividido la opinión del público y los especialistas. Visualmente elegante, Madeinusa es polémica por evitar el encomio y el desprecio respecto de una cultura específica, y deja en claro que el paganismo subyace siempre en la experiencia cristiana ortodoxa de un continente convertido por la fuerza. (Roger Koza, programador)

00.30hs: Documentales
Rize, de David LaChapelle, EE.UU., 2005.
84 minutos / Apta para todo público Antes de la película principal se proyectará el cortometraje La fiesta de la bofetada de los maricas, Guy Maddin, Canadá. 2003.
Exhibida en el festival de Mar del Plata, la opera prima de David LaChapelle fue unos de los títulos vistos a sala llena. El rumor decía que Rize era un documental visceral y sorprendente sobre algunas compañías de baile callejeras de los suburbios de Los Angeles. Pero Rize es, esencialmente, otra cosa. Aquí la danza ritual funciona como un desplazamiento creativo de una postergación social infinita. Estos bailarines son los hijos de Martin Luther King y las víctimas sociales de una sociedad polarizada por la diferencia de clase (y racial). Si no bailaran, lógicamente, asesinarían. En efecto, la pista de baile es una zona de guerra, y estos danzarines eligen ritualizar el suplicio de sus miserias en una expresión estética en donde el mismo cuerpo es la protesta y sus movimientos veloces la conjura de una bronca justificada. Bailan para vivir y no matar. Antes de que empiece la película una nota del realizador advierte que todo lo que se verá en la película no ha sido alterado en su edición. La aclaración es válida, pues estas coreografías sustraídas de la indignación son tan vertiginosas y veloces que no parecen ser reales. Un montaje pertinente al promediar la hora de película establece una genealogía entre estos estilos suburbanos denominados Clowning y Krumping con los pasos ancestrales bailados por pretéritas tribus del África. El vocablo inglés african american adquiere aquí una significación inesperada no exenta de connotaciones antropológicas y políticas. (RK)

MARTES 9
20.00hs: Documentales
ABC África, de Abbas Kiarostami, Irán, 2001.
83 minutos / Apta para todo público.
La película más accesible de Kiarostami hasta la fecha, aunque algunos han huido debido a su tema (injustificadamente en mi opinión): miles de niños de Uganda que han quedado huérfanos por el SIDA. De hecho, la mayor parte de este documental del 2001 realizado en video digital se circunscribe a mostrar a estos niños cantando y bailando. Pero una breve escena en un hospital y algunas entrevistas nos informan sobre los hechos atroces que necesitamos saber, mientras que la segunda parte de la película va más allá del documental convencional para convertirse en la típica indagación filosófica propia de Kiarostami. Una escena que transcurre en total oscuridad remite a El sabor de la cereza y El viento nos llevará, y otro set instalado en una casa en ruinas mientras llueve es tan agradable como cualquier escena de Y la vida continúa. Como la mayor parte de la obra madura del Kiarostami, este film se centra en tópicos que conciernen a la interacción entre un director de cine consagrado y la gente humilde, sin dejar de expresar admiración por la capacidad de resiliencia de quienes viven con muy poco. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader)

22.00hs: Película principal
Yo y vos y toda la gente que conocemos, de Miranda July, EE.UU., 2005.
91 minutos / No recomendada para menores de 16 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje George Lucas enamorado, de Joe Nassbaum, EE.UU., 1999.
La opera prima de Miranda July, que además escribió el guión e interpretó a uno de los personajes del film, es una auténtica comedia de cine independiente estadounidense con todos los temas tan caros y propios del género (familias disfuncionales, la incomunicación social, el sexo como último refugio del sinsentido, la mediocridad de la vida suburbana) aunque desprovista del cinismo y posmodernismo chato del indie. July está en las antípodas del cine de Solondz, por ejemplo. En efecto, Yo y vos y toda la gente que conocemos, destila ternura por todos sus personajes, sin dejar de postular una defensa irrestricta por el derecho a la excentricidad. Lo que une a un padre recién separado y sus dos hijos, una videoartista que trabaja como chofer de ancianos, unas adolescentes vírgenes, una solterona directora de un museo, es, precisamente, una visión utópica y transgeneracional sobre la libertad, bien correspondida por la estética del film, despojada y desmarcada de todos los convencionalismos característicos del cine hollywoodense. (RK)

00.15: Heterodoxias y provocaciones
El sabor de la sandía, de Tsai Ming Liang, Taiwán, 2005.
94 minutos / No recomendada para menores de 18 años. Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Sentimiento, de Todd Solondz, EE.UU., 1984.
Esta obra maestra del quizás mejor cineasta de la actualidad es una condensación de la totalidad de su obra, en donde todos los temas que le obsesionan están presentes: la soledad, la alienación, la falta de agua como sequedad espiritual, el sexo como mecanismo fugaz de satisfacción, el musical como consuelo. El reencuentro de los dos personajes centrales de Allí qué hora es lo muestra transformados y ahora sí enamorados pero no desprovistos de obstáculos para consumar el deseo de amor. Amar a un actor porno no es una prueba menor. Como siempre Tsai construye planos casi inmóviles, excepto por los números musicales magistrales y delirantes que funcionan como un contrapunto entre el humor y el dolor que sobrevuela la totalidad de la trama. Los últimos 20 minutos son una impugnación a la pornografía en sus propios términos, un verdadero tour de force en donde queda claro que el cuerpo pornográfico es la apoteosis del concepto de mercancía, es decir un cuerpo sin dignidad alguna. La película más ética y, paradójicamente, también más perturbadora de la muestra. (RK)

NOTA: este film contiene escenas que pueden dañar la sensibilidad del espectador.

MIÉRCOLES 10
20.00hs: Clásicos
El cuarto mandamiento, de Orson Welles, EE.UU., 1942. 88 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
La segunda película de Orson Welles es en muchos sentidos su película más personal y más contundente. Se trata de una adaptación fidedigna de la desestimada novela de Booth Tarkington acerca de la declinación inexorable de una familia rica del centro del Oeste ante el advenimiento de la industrialización, aunque Welles hace más poderosa la totalidad de la trama gracias a una extraordinaria puesta en escena y un nivel interpretativo eximio, del mejor que se puede ver en películas estadounidenses (Agnes Moorehead es un ejemplo). La sensación América a fines del siglo XIX y principios del XX es tan palpable que se puede casi saborear. (Dave Kehr, Chicago Reader)

21.45hs: Herzog en foco
El hombre oso, de Werner Herzog, Alemania-EE.UU., 2005.
104 minutos / No recomendada para menores de 13 años
Antes de la película principal se proyectará el mediometraje El gran éxtasis del escultor de madera Steiner, Alemania, Alemania, 1974.
Que Herzog es uno de los maestros indiscutibles del medio, es incuestionable. Que el director de Aguirre, la ira de Dios es además un gran documentalista, es también incuestionable. El hombro oso es un film típico y atípico. Típico porque el personaje central de este documental, Timothy Treadwell, bien podría haber sido un descendiente lunático de Klaus Kinski. Este conservacionista independiente y educador amateur, alguna vez alcohólico y depresivo, vivió durante los últimos quince veranos de su vida en compañía de osos salvajes en una reserva de Alaska. Atípico porque una gran parte de las imágenes de El hombre oso provienen del material audiovisual filmado por el propio Treadwell en sus expediciones solitarias, un recurso que Herzog no suele utilizar en sus documentales, aunque su inteligencia (y su ética) se verifica en aquello que decide mostrar y no mostrar respecto de lo “rodado” por Treadwell. Herzog fascinado por este hombre al que considera un extraño colega suyo, ofrece una meditación extraordinaria sobre los límites de la razón y la civilización, y la interacción impredecible entre la naturaleza y los hombres. Treadwell es curiosamente un alter ego del realizador, aunque sus concepciones respecto de la naturaleza de la naturaleza sean esencialmente opuestas. (RK)

00.15hs: Heterodoxias y provocaciones
TL-1: mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumiere, Argentina, 2005.
115 minutos / No recomendada para menores de 13 años Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Zappeando, de Hugo Mayer, Argentina, 2005.
La película argentina más bizarra de los últimos tiempos es una cruza entre Buster Keaton, Chaplin, y especialmente Ed Wood, pero también remite al universo televisivo de Chachacha (y Todo por dos pesos), aunque sin el difuso cinismo de aquel programa característico de los 90. TL-1 pertenece al género del mock-documentary, es decir, una suerte de documental biográfico falso y en joda sobre un personaje que se llama Tetsuo Lumiere (nombre artístico del realizador y guionista de esta película), cuyo único sueño es hacer una película sobre una invasión extraterrestre en la ciudad de Buenos Aires. Su modelo es La guerra de los mundos de Byron Haskin, aunque su pasión cinéfila remite al cine mudo característico de la primera década del siglo XX. TL-1 es un film lunático e impredecible, en el que todos los personajes intentan contar la historia de este prodigio del cine clase b, aunque TL-1 es, esencialmente, una película sobre la pasión desmedida de hacer algo que uno ama sin que nada lo pueda detener. Éxito en el MALBA de Buenos Aires durante el año 2006, el filme de Tetsuo Lumiere es un verdadero platillo volador en la constelación del cine argentino, aunque su humor y creatividad sobrepasan el contexto nacional. Cine clase b del mejor; cine legítimo, divertido, singular. (RK)

SEGUNDA SEMANA

LUNES 15
19.30hs: Pialat en foco
Bajo el sol de Satán, de Maurice Pialat, Francia, 1987.
93 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Esta adaptación exquisita de Georges Bernanos (cuya ficción en el pasado ha brindado el material de dos películas de Bresson) ganó el premio al mejor film en el festival de Cannes, en su edición de 1987, y que ocasionó una verdadera controversia. Literal y figurativamente un film oscuro, Bajo el sol de Satán cuenta la historia de la crisis espiritual del Padre Donissan (Gerard Depardieu) y su curioso vínculo con una mujer joven llamada Mouchette (Sandrine Bonnaire); el propio Pialat interpreta al padre superior. Enteramente rigurosa y áspera, este sobresaliente film no es para todos los gustos –aceptemos que el mundo de Bernanos no es un universo fácil-, pero es ciertamente una obra mayor de un realizador sustantivo, y ofrece además una de los mejores trabajos de Depardieu. (JR)

22.00hs: Película principal
Código desconocido, de Michael Haneke, Francia, 2000.
117 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje La disciplina de HF, de Gus Vant Sant, 1983. La mejor película de Michael Haneke, y su primera película rodada en Francia, está construida por largos planos secuencias que se cortan abruptamente, y que implica siempre un estímulo y una provocación a la percepción del espectador. Su tema, como el título y su primer escena lo indica, es la comunicación, más precisamente la construcción de un código común en una Europa que ha devenido socialmente multicultural y económicamente desigual. La segunda escena, magistral y teóricamente esencial, establece un lazo entre una actriz (Binoche), una rumana ilegal, un músico africano, un campesino francés, que llevará a seguir los derroteros de dichos personajes hasta indirectamente reunirlos en ese mismo lugar, una calle cualquiera de París. Desde ese inicio hasta el desenlace, Haneke construye una precisa y lúcida radiografía política y moral del viejo continente en el nuevo milenio, y hasta sugiere una discreta esperanza depositada en unos niños dispuestos a comunicarse, a pesar de las diferencias. Esta es una película que importa, un síntoma de nuestro mundo, y una exposición meridiana de qué puede hacer el cine. (RK)

00.30hs: Heterodoxias y provocaciones
Soy un adicto al sexo, de Caveh Zahedi, EE.UU., 2005.
90 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Freiheit, de George Lucas, EE.UU., 1966.
Este inteligente escrutinio y reconstrucción sobre la vida de un adicto posee la lucidez necesaria para señalar que lo importante en las adiciones no es el objeto elegido sino el sujeto que elige desenfrenadamente algo para satisfacerse. Aquí, como el mismo título lo indica, la cuestión es el sexo, y más precisamente la predilección del director (también protagonista de este documental) por las prostitutas. Y si esta adicción desmoronó los dos primeros matrimonios de Zahedi, el dicho popular, la tercera es la vencida aquí se cumple, pues el film empieza y culmina en la tercera boda del director, probablemente curado o al menos contenido. Aguda, siempre divertida, este documental que bien se alinea con films como Tarnation, bien podría haber sido realizado por Woody Allen. El género confesional, tanto en literatura como en el cine, ofrece posibilidades diversas. De las Confesiones de San Agustín, citado en el film, a este ensayo sobre los vínculos amorosos y los placeres sexuales, este género se actualiza según los tiempos. (RK)

MARTES 16
19.15: Documentales
Persona non grata, de Oliver Stone, Francia, 2003 y Buscando a Fidel, de Oliver Stone, España, 2004.
130 minutos / Apta para todo público
Antes de ambas películas se proyectará el cortometraje Hasta la victoria siempre, de Santiago Álvarez, Cuba, 1967.
Oliver Stone viene de realizar un bodrio irredimible como Las Torres gemelas, en donde su iracundia política parece haber sido amaestrada por el peor patriotismo que supo conjurar con sus pretéritas películas sobre Vietnam. Sin embargo, previo a este dislate nacionalista, Stone realizó un conjunto de documentales desparejos pero muy interesantes sobre algunos líderes políticos contemporáneos en tensión con su país. Persona non grata intenta retratar al recientemente fallecido líder palestino Yasser Arafat, mientras que Buscando a Fidel repite la fórmula de Comandante, el primer documental sobre el padre de la revolución cubana, aunque en esta oportunidad Stone es más crítico e incisivo. Poco se aprende de Arafat, aunque mucho se entiende de la dirigencia israelí, sus prejuicios, sus limitaciones, sus contradicciones, sus temores. Pero Buscando a Fidel es otra cosa. Allí se registra las tristes consecuencias experimentada por 75 disidentes, tres de ellos ejecutados a una semana de su detención. Stone llega a filmar un diálogo entre algunos detenidos, los jueces y Fidel, un extraño momento en el que lo mejor y lo peor de dicha experiencia política se revela ante una cámara. Lo que Saramago, entre otros, vio como imperdonable del régimen cubano, Stone lo ofrece en imágenes. Fidel da la cara. (RK)

22.00hs: Película principal
Ebrio de mujeres y pintura, Corea del Sur, 2002
117 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Una vida afortunada, de Alexander Sokurov, Rusia, 1996.
El veterano realizador Im kwon-taek ganó por esta película el premio a la mejor dirección en el festival de Cannes del 2002, y no es difícil entender por qué. Este biopic sobre la vida del artista plástico Jang Seung Up posee la suficiente maestría para apropiarse de una técnica excelsa de pintura y traducirla en imágenes, sin abandonar el contexto social y político en el que éste vivió: la Corea del siglo XIX, disputada por chinos y japoneses, gobernada por facciones conservadoras vernáculas. Jang fue un iconoclasta, cuya debilidad por las mujeres y el alcohol, y su total irreverencia respecto de las autoridades políticas y artísticas, además de sus orígenes humildes, le valió una reputación paradójica no exenta de admiradores y detractores. Misteriosamente, este lejano “pariente” de Jackson Pollock desapareció a los 54 años, aunque su obra permanece como un hito de la pintura oriental. Esta es una de las películas en donde la belleza gobierna, y en la que se recuerda por cada fotograma el sentido del arte popular: regalar consuelo a quienes no tienen tiempo para producir hermosura. (RK)

00.15hs: Heterodoxias y provocaciones
Santa sangre, de Alejandro Jodorowsky, México, 1989.
117 minutos / No apta para menores de 18 años
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Comida, de Jan Svankmajer, República Checa, 1993.
Experimental, compleja, bizarra, esta película del cineasta, escritor, maestro espiritual y mimo chileno, Alejandro Jodorowsky, es una película honesta sobre la locura, la castración, la violencia, experimentada por un niño testigo del asesinato de su madre y el suicidio de su padre, luego de joven encerrado en un hospicio tras devenir en un homicida. Así descrito, Santa Sangre puede confundirse con una de las tantas películas idiotas e inmorales que hacen de la violencia una acción sin consecuencias morales, y que celebran en la sangre un goce irrestricto. Pero el film de Jodorowsky, divertido y lunático, combina un poco de Freud con el surrealismo de Buñuel, y propone en el contexto pagano del México antes del cristianismo, con elementos provenientes del circo y el mimo, una narración casi onírica acerca de un drama edípico reconocible. Hay algo perverso y demoníaco, aunque también demasiado humano, en esta película que remite indirectamente a Freaks mientras hace un homenaje sincero a El hombre invisible. (RK)

NOTA: este film contiene escenas que pueden dañar la sensibilidad del espectador.

MIÉRCOLES 17
20.00hs: Clásicos
Día de fiesta, de Jacques Tati, Francia, 1947.
85 minutos / Apta para todo público
El primer largometraje de Jacques Tati, una comedia eufórica situada en un tranquilo pueblo, concebida como el primer film francés en color, fue rodada en 1947 con dos cámaras: una de color y otra en blanco y negro. Pero el nuevo sistema Thomson-Color falló a la hora de revelar el material obtenido, de tal modo que en 1949 la película tuvo su estreno en su versión en blanco y negro. Quince años más tarde, Tati estrenó una versión con otro montaje en la que algunos detalles fueron coloreados con lápices, siendo ésta, desde entonces, la que generalmente estuvo disponible. En verdad, hasta 1994, cuando Sofie, hija de Tati, y montajista profesional, junto al técnico cinematográfico Francois Ede, decidieron restaurar la versión original en colores. El trabajo meticuloso a manos de Ede y Sophi llevó más de un año, y lo que ha surgido de él es auténticamente maravilloso: una restauración a colores que luce como un film de 1947. Como en todas las películas de Tati, el argumento es mínimo: durante los festejos del día de la Bastilla, Francois (Tati), el cartero local, ve de casualidad un cortometraje sobre el efectivo sistema postal estadounidense e intenta adaptarse a él. Empero, el placer exquisito de esta obra maestra no radica en sus gags individuales (a pesar de que muchos de ellos son graciosos), sino en el excelente retrato de una interdependiente villa francesa después de la segunda guerra, una visión del paraíso pincelada de ternura y poesía. (JR)

22.00hs: Película principal
Viento de tierra, de Vincenzo Marra, Italia, 2004.
81 minutos / No recomendada para menores de 13 años
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje El regalo de Zapura, de Cristóbal Braun Mesples, Argentina, 2005.
Mi película preferida de la muestra es el segundo largometraje del joven y lúcido director italiano Vincenzo Marra, cuya historia sobre una familia de clase trabajadora napolitana, atravesada por una realidad socio-económica desprovista de toda esperanza, conmueve sin apelar jamás al sentimentalismo kitsch propio de un tipo de cine social. Neorrealismo del siglo XXI, aquí un joven intenta buscar un horizonte vital, mientras que sus opciones son plegarse a la mafia o traficar drogas. Y elige una posibilidad no menos cuestionable, la carrera policial y militar, institución bestial no exenta de peligros, algunos inimaginables. Drama seco y elegante, el título alude a un tipo de viento que aleja a los marineros de la costa, metáfora perfecta de cómo la alienación aleja a la gente de una vida digna. Indirectamente, esta película es la mejor exposición crítica sobre el efecto estructural del reinado de Berlusconi en la vida del pueblo italiano, y advierte además que las nociones de primer y tercer mundo ya se aplican al interior del llamado primer mundo. Puede gustar o no, pero como dice su realizador, nadie objetará su verdad. Un film, como diría Serge Daney, que te mira. (RK)

00.15: Heterodoxias y provocaciones
Muerto o vivo, de Takashi Miike, Japón, 1999.
105 minutos / No recomendada para menores de 18 años
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Daybreak express, de D.A. Pennebaker, EE.UU., 1953.
Es difícil decir de qué trata la primer película de esta trilogía delirante y asombrosa perteneciente a uno de los directores más prolíferos del cine japonés (ha realizado de 5 a 7 películas por año). Hay yakuzas, policías, animales; hay prostitución, drogas, tiros, cuchillos, y pasan tantas cosas que es difícil elegir una para dar una idea de qué va esta película. A primera vista, no hay límite moral alguno respecto de lo que se ve, aunque la ética de Miike consiste en jamás hacer llorar a un niño en la pantalla. Los primeros 7 minutos del film tienen un ritmo vertiginoso, que cualquier título del sobrevaluado Tarantino podría equipararse a uno de Tarkovski. Hay escenas para todos los gustos, incluyendo una que va más allá del mal gusto. Y el cierre del film posee un duelo tan absurdo como cómico, en el que Miike demuestra todo su talento y desparpajo. (RK)

TERCERA SEMANA

LUNES 22 19.00hs: Pialat en foco
Van Gogh, de Maurice Pialat, Francia, 1993.
155 minutos / No recomendada para menores de 00 años.
Una mirada revisionista de los últimos 67 días en la vida de Vicent van Gogh realizada por el talentoso guionista y director Maurice Pialat, con el compositor y cantante Jacques Dutronc, el “Bob Dylan de París”. Irónicamente, esta película de cine arte muestra la existencia del pintor, incluyendo su vida sexual, mucho más dichoso de lo que suele ser la versión oficial, más soleada, de hecho, que las películas de Minnelli o Altman sobre el artista holandés; sin dudas, es una obra personal (la reconstrucción de época de Jean Renoir y John Ford son la referencia). No aporta mucho sobre la pintura de van Gogh, aunque algunos pintores se han entusiasmado muchísimo con esta película. La puesta en escena y el sentido del tiempo histórico son sobresalientes. (JR)

22.00hs: Película principal
Lunes a la mañana, de Otar Iosseliani, Francia, 2002.
122 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará cortometraje Concierto de peticiones, de Krzysztof Kielowski, Polonia, 1968.
Esta obra maestra del realizador georgiano, un legítimo heredero de Jacques Tati y de Jean Renoir, puede ser cómica y dramática al mismo tiempo, y si este film funciona como una crítica impía al mundo del trabajo es también un llamado a la excentricidad y a la libertad. Planos secuencia formidables y una elaborada concepción de la banda sonora, componen el derrotero de un hombre que trabaja en una fábrica de químicos hasta que un día sin planificación alguna se va a viajar por el mundo (no como turista), principalmente Venecia. Mientras tanto, sus hijos, su madre, vecinos, amigos y esposa prosiguen con sus vidas, cada uno siguiendo sus propias tareas monótonas como sus deseos libertarios. El último plano de la película es un dictamen, y el conjunto de situaciones reconocibles aunque delirantes que constituyen este coreográfico relato coral operan como un gran argumento, uno que queda impugnado por ese plano general final, tan lúcido como temible. (RK)

00.30hs: Documentales
Rize, de David LaChapelle, EE.UU., 2005.
84 minutos / Apta para todo público Antes de la película principal se proyectará el cortometraje La fiesta de la bofetada de los maricas, Guy Maddin, Canadá. 2003. (Ver crítica más arriba)

MARTES 23
19.45: Documentales
La toma, de Avis Lewis, Canadá, 2004
87 minutos / Apta para todo público
La opera prima de Avis Lewis, escrita por su mujer Naomi Klein, autora del best-seller antiglobalización No logo, es menos agudo e intelectualmente poderoso que aquel libro pero posee la virtud de sintetizarlo e incluso insinuar un concreto pasaje a la acción capaz de contrarrestar la injusticia y “natural” evolución del Capitalismo. Por supuesto, el programa de acción que se ve en La Toma no es suficiente mas constituye un inicio. El punto de partida es el proceso por el cual una gran cantidad de obreros argentinos, perplejos y desesperanzados tras el cierre de cientos de fábricas, deciden tomarlas para recuperarlas demostrando que todavía son productivas. Si bien hay más de 200 casos en el país, Lewis muestra con detenimiento la historia de Forja San Martín, sin dejar de atender ejemplos paradigmáticos como el de las empresas Zanon y Bruckner. Como Lewis y Klein lo señalan, el camino tomado por los obreros bien puede ser catalogado como robo, aunque como insisten los protagonistas el procedimiento elegido podría significarse de otro modo: expropiación. Lo que está en juego es el viejo concepto marxista sobre el control de los medios de producción, y, por extensión, se predica una crítica sobre el concepto mismo de propiedad privada. Argentina, símbolo de los noventa de la política económica dictada por el FMI, como se sabe, llegó a ser paradójicamente la refutación más acabada de tal concepción ante el colapso de fines del 2001. Este es el contexto del film, aunque Lewis vincula tales acontecimientos con el zeitgeist político planetario de principio del milenio: la resistencia contra la globalización, ese impreciso y difuso movimiento que va más allá de la lucha de clases. La toma es, como la propia Klein sostiene en algún pasaje del making of de la película, un poco candorosa si se analiza el panorama político contemporáneo. Sin embargo, su autenticidad es inobjetable y su poder inspirador es incuestionable. Conmovedora y necesaria, La toma es una excelente introducción para radicalizar la imperfecta aunque loable invención griega conocida como democracia. (RK)

22.00hs: Película principal
Tres tiempos, de Hou Hsiao Hsien, Taiwán, 2005.
135 minutos / No apta para menores de 16 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje La cita del almuerzo, de Adam Davidson, EE.UU., 1990.
Los tres episodios del exquisito largometraje de Hou Hsiao-hsien, el mejor de los últimos años, están situados sin cronología en Taiwán, en 1966, 1911 y 2005; cada uno dura aproximadamente unos 40 minutos y los protagonizan Chang Chen y Shu Qi. La estructura puede dar la impresión de que se trata de un combinación de los grandes éxitos de Hou, aludiendo no sólo su trilogía sobre el siglo XX (La ciudad de la tristeza, El titiritero, Buenos hombres, buenas mujeres) sino también la nostalgia respecto de la adolescencia característica de Un tiempo para vivir, un tiempo para morir, el período estético de Flores de Shangai, y la escena contemporánea del club en Millennium Mambo (en la que también Shu tiene un protagónico). Pero es la intrincada relación formal y temática entre las tres partes lo que define la belleza del film y lo convierte en semejante meditación apasionada sobre la juventud, el amor y la libertad en estrecho vínculo con la Historia. El irónico título en chino se traduce como “Lo mejor de los tiempos”. (JR)

00.25: Heterodoxias y provocaciones
A Scanner darkly, de Richard Linklater, EE.UU., 2006.
100 minutos / No recomendada para menores de 16 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Vincent, de Tim Burton, EE.UU., 1982.
Richard Linklater retoma la estética animada de Despertando a la vida en esta adaptación de una novela distópica de ciencia ficción de Philip K. Dick sobre un slacker adicto y dobles agentes en un condado del futuro. El crítico Gary Indiana ha llamado a Linklater el Dostoyevsky de los diálogos cinematográficos, y ciertamente aquí los discursos exaltados pueden ser tan expresionistas como su estética visual. Comparado a Despertando a la vida, la técnica del rotoscoping de Bob Sabiston ofrece una imagen más estable y una mezcla más ambigua entre lo dibujado y lo filmado, y su incertidumbre se redobla debido a la presencia de estrellas (Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson, Winona Ryder). El resultado es deliberadamente confuso pero también deslumbrante y políticamente provocativo. (JR)

MIÉRCOLES 24
19.30hs: Clásicos
Un rey en Nueva York, de Charles Chaplin, EE.UU., 1947.
120 minutos / Apta para todo público
Una de las películas tardías menos vista y más criticadas de Chaplin, y a mi juicio, la más divertida del período sonoro. Rodada íntegramente en Inglaterra, Chaplin cuenta la historia de un rey que, tras una revolución, tiene que exiliarse en Nueva York. Su llegada al país de la libertad y su anhelo de ésta es contradicha por una cultura del espectáculo fascista, similar a la que Chaplin sufrió en ese país. De hecho, este film es un ajuste de cuentas. El niño que lee a Marx es uno de los hijos de Chaplin, y cómo dice el personaje: “¿si uno lee a Marx es comunista?” La sentencia es una refutación al pretérito macartismo imperante en aquella época. Pero lo que sorprende es la prognosis de Chaplin: hay aquí una crítica a la cultura del lifting, del entretenimiento y su colonización de la vida privada, y de la amenaza constante de que una sociedad instituya una policía del pensamiento. (RK)

22.00hs: Herzog en foco
La salvaje lejanía azul, de Werner Herzog, EE.UU., 2005.
81 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje La Soufriére, de Werner Herzog, 1977.
Una tesis: un planeta devastado, una civilización a la deriva. Más allá del discurso cosmológico y político del extraterrestre interpretado por Brad Chuckie Dourif, más importante es el lugar desde el que enuncia sus inverosímiles aunque poéticas hipótesis. La tierra es un baldío. La salvaje lejanía azul es un relato instructivo sobre el devenir destructivo de una especie, aunque su espíritu es incompatible con toda tendencia apocalíptica. El film de Herzog apuesta por el asombro; el universo es infinito, y es esta proposición el principal argumento contra todo pesimismo metafísico. Sin dudas, se trata de una fantasía de ciencia ficción, pero es también un test epistemológico sobre cómo interpretar cualquier registro audiovisual: ¿Son reales esas imágenes de la tierra desde el espacio? ¿Los astronautas son actores o científicos? ¿Están en Andrómeda o en un pasaje desconocido de la tierra? Los científicos son cosmólogos pero también son cómicos, y Herzog contextualiza sus teorías como ficciones verdaderas y/o conjeturas refutables. Desde ya que no hubo ninguna invasión extraterrestre, pero la perspectiva cosmológica de Herzog, de no ser alienígena, excede el arraigo de nuestra especie al perímetro imaginario de la biosfera. (RK)

00.25hs: Heterodoxias y provocaciones
TL-1: mi reino por un platillo volador, de Tetsuo Lumiere, Argentina, 2005.
115 minutos / No recomendada para menores de 13 años
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Zappeando, de Hugo Mayer, Argentina, 2005.

CUARTA SEMANA

LUNES 29
19.45: Pialat en foco
Nuestros amores, de Maurice Pialat, Francia, 1983.
93 minutos / No recomendada para menores de 18 años
Una chica de 15 años (Sandrine Bonnaire, extraordinaria) encuentra alivio de su conflictiva familia a través de encuentros sexuales ocasionales. El tema invita a una cierta condescendencia de los trabajadores sociales, pero la puesta en escena de Pialat no permite una distancia confortable respecto de sus personajes. Sus desordenados planos secuencia nos lleva directo a la acción y nos sostiene, como si nosotros, también, fuéramos combatientes de esta familia en guerra. Su construcción dramática heterodoxa reniega de una simetría clásica en el argumento, y la narración tiene un peculiar modo de que ciertas situaciones sorprendentes puedan ocurrir. Pialat interpreta al padre, y cuando desaparece del relato la acción se pone en movimiento y cuando reaparece hace que la misma explote. (DK)

22.oohs: Película principal
Keane, de Lodge Kerrigan, EE.UU., 2005.
90 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje A Dottie le dan chirlos, de Todd Haynes, EE.UU., 1993.
Después de Rosetta, de los hermanos Dardenne, Keane debe ser una de las pocas películas cuya historia mínima aunque vital y drásticamente humana impacta sensorial y físicamente en el espectador. Este tour de force dirigido por Lodge Kerrigan sigue en un primer plano casi constante la desesperación de un padre que ha perdido a su hija. Una y otra vez visita la estación en donde quizás fue secuestrada, aunque su desequilibrio psíquico puede sugerir también que su trauma pueda responder a una alucinación. Si el trauma por definición es la incapacidad de incorporar un evento doloroso a la propia historia de vida, Keane materializa magistralmente tal axioma, y ello se debe en cierta medida a la interpretación superlativa del ignoto Damian Lewis, cuya labor está por encima de las monerías y caracterizaciones de los últimos ganadores masculinos de Oscars. (RK)

00.30hs: Heterodoxias y provocaciones
Soy un adicto al sexo, de Caveh Zahedi, EE.UU., 2005.
90 minutos / No recomendada para menores de 18 años. Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Freiheit, de George Lucas, EE.UU., 1966.

MARTES 30
19.30hs: Documentales
Enron: los tipos más astutos del salón, Alex Gibney, EE.UU., 2005.
110 minutos / Apta para todo público
Como las catástrofes naturales que evidencian una alteración de la biosfera en su conjunto, los sismos económicos responden a una lógica global del Capitalismo tardío, a veces desarticulados en el análisis de la noticia pero unidos por un secreto hilo conductor de cómo se organiza la macroeconomía del planeta. Precedido por el 11/9, en diciembre del 2001 no sólo se escapaba el perverso y no tan idiota De la Rúa en helicóptero, sino que Enron, uno de los ejemplos del corporativismo triunfante quebraba tras año de ser un modelo exitoso de la nueva dinámica económica de la Globalización. El film de Gibney, una adaptación del libro de título homónimo, es un estudio cronológico y estructural del caso, que supera lo específico para evidenciar una estrategia universal de corrupción globalizada. Algunos pasajes hay que verlos para creerlos, como la manipulación del suministro de energía eléctrica del Estado de California para aumentar las ganancias en Wall Street, o cómo Arnold Terminator, actual gobernador de ese Estado, apelando a su fama infame protegió con su elección los intereses de una red de gángster disfrazados de políticos y empresarios. (RK)

22.00hs: Película principal
Memoria de un asesino, de Bong Joon-ho, Corea del Sur, 2004.
124 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Trampas de la tarde, de Maya Deren, EE.UU., 1943.
En las antípodas de un thriller sobre asesinos seriales a la estadounidense, en donde una psicología reduccionista explica siempre la conducta del psicópata a través de la novela familiar y el sucio secretito sexual que lo psicotiza, Memorias de un asesinato jamás muestra al homicida, y a penas se ven sus víctimas, pues el segundo film de Bong Joon-ho es un lúcido estudio sociológico sobre la violencia política reflejada en un pueblo de Corea en tiempos de dictadura militar. Narrativamente soberbia y ocasionalmente humorística, lo extraño y fascinante del filme reside en su humanismo secular, constatable en el retrato de todos sus personajes, desde los policías hasta los sospechosos. Bong explora el psiquismo de sus personajes a través de la estructura social, y encuentra allí rastros de autoritarismo, perversión y superstición concomitantes al período histórico en el que se desarrolla el relato. El verdadero asesino del filme no es precisamente el violador que permanece desconocido, en un justificado fuera de campo que denota la inteligencia cinematográfica de Bong. El criminal omnipresente aunque disperso en la vida cotidiana de esta comunidad es la virulenta dictadura coreana, que en 1986 estaba en su esplendor. Un filme ejemplar y maduro que respeta las convenciones del género sin por ello abandonar su compromiso histórico. (RK)

00.25hs: Heterodoxias y provocaciones
Conspiradores de placer, Jan Svankmajer, República Checa, 1996
83 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje El pequeño Caos, de R. W. Fassbinder, Alemania, 1963.
El maestro de animación del surrealismo checo dedica una película entera a legitimar la heterodoxia más delirante sobre los placeres corporales, y no tiene obstáculos moralistas a la hora de imaginar los métodos y prácticas de estos conspiradores. Un conjunto de personajes, fetichistas, sádicos, masoquistas y fóbicos, exploran cómo resolver los requerimientos propios de sus múltiples fantasías. Así dicho, el film puede parecer una apología digna de degenerados, pero la maestría de Svanjmayer, inspirado en Ernst, Buñuel, Freud y el Marques de Sade, se verifica en dotar de humanidad a sus personajes, siendo el humor y no la obscenidad, el modo elegido para contar esta historia que carece diálogos aunque pletórica de significados. Entre planos detalles, técnicas de animación y de marionetas, más una concepción elaborada de la banda de sonido, Svankmajer demuestra un conocimiento acabado de lenguaje cinematográfico, aquí al servicio de la libertad de sus personajes como el de su público. (RK)

MIÉRCOLES 31
19.45: Documentales
El caso Pinochet, de Patricio Guzman, España-Chile, 2003.
109 minutos / Apta para todo público
Guzman empezó a trabajar en este documental del 2001 después de enterarse de que el General Pinochet había sido arrestado en Londres para ser juzgado en España por varios crímenes cometido durante su régimen dictatorial en Chile. Simpatizantes y opositores marchan por las calles de Londres, y en una escena espeluznante Margaret Thatcher lo cataloga como el hombre “que le devolvió la democracia a Chile”. Pero el centro emocional de la película son los testimonios de los sobrevivientes torturados y los miembros de la familia de los desaparecidos, en donde ciertas técnicas comunes del cine son utilizadas de un modo extraordinario: mientras que un entrevistado habla la toma es embestida por un poder reconstituyente a medida que la cámara rota lentamente alrededor de quien habla, desafiando el intento del torturador de obliterar la identidad de la víctima. Guzman estructura su película como una búsqueda de evidencia irrefutable, ya sea el desentierro de restos humanos o fotografías del golpe militar de 1973 perpetrado por Pinochet contra Allende. También combina primeros planos de las víctimas, hablando orgullosamente de cómo sobrevivieron, con una imagen de Pinochet cubriéndose el rostro al salir de la corte. (Fred Camper, Chicago Reader)

22.00hs: Película de clausura
The tracker, de Rolf de Heer, Australia, 2003.
94 minutos / No recomendada para menores de 13 años
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Emiterio, de Diego Seppi y José Tabarelli, Argentina, 2006.
Desde que este western de Rolf de Heer fue exhibido como la joya de la apertura del festival de cine de Melbourne, ha permanecido en mi memoria como la mejor película australiana que he visto en años. El actor aborigen David Gulpilil (Walkabout) ofrece una interpretación memorable como un lector de huellas mientras que ayuda a tres policías montados a encontrar a un sospechoso de asesinato en 1922, y aunque el film puede remitir a Dead Man de Jim Jarmusch en su historia de persecución inexorable, su sentimiento poético respecto de la Historia y el paisaje, y la banda de sonido (escrita e interpretada por el músico aborigen Archie Roach), poseen una identidad propia. (Una de sus logros es utilizar pinturas de Peter Coad, especialmente concebidas para la película, para mostrar cada momento de violencia que se suscita en la trama). (JR)

00.25: Heterodoxias y provocaciones
Salven el planeta verde, de Jang Jun-hwan, Corea del sur, 2003.
118 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Terry Tate, de Rawson Marshall Thurber, EE.UU., 2003.
Esta película de género del guionista y director Jang Jun-hwan fracasó en su Corea del sur natal, en donde fue catalogada como una película anacrónica. Convencido de que la tierra está tomada por extraterrestres, un joven perturbador y su novia acróbata secuestran a un ejecutivo de una corporación debido a que sospechan de que es un agente encubierto alienígena y lo torturan en un refugio de montaña. Mientras un importante policía y un novato están al acecho del caso. Una estética punk y una cámara serpentina le dan un toque de vitalidad a la historia, que alternativamente es conmovedora, inquietante y oscuramente graciosas. (Andrea Gronvall, Chicago Reader)

TODAS LAS PELÍCULAS SE EXHIBEN EN FORMATO DVD

LISTA DE TODAS LAS PELÍCULAS VISTAS EN CINES O FESTIVALES EN EL 2006

2007-01-03T09:44:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valor

La lista a continuación excluye películas vistas en DVD o video, como también los títulos que he programado para los cineclubes o cursos que he dictado durante el año, muchas de ellas películas no estrenadas en el país. El fotograma (a la izquierda) pertenece a La muerte del Sr. Lazarescu, a mi juicio, la mejor película del año 2006. (ver balance anual próximamente). El **+, significa que es válida de ver y recomendada.

ABC África, Abbas Kiarostami, Irán, 2001. ***
Arrivederci amore ciao, Michele Soavi, Italia, 2005. •
Amigos con dinero Nicole Holofcener, EE.UU., 2005. **
Alice, Marco Martins, Portugal, 2005. ***
Ana y los otros, Celina Murga, Argentina, 2004. **+
Apocalypsur, Javier Meijia Osorio, Colombia, 2006. •
A tale of cinema, Hong Sang-soo, Corea del Sur, 2005. ***
A travers la foret, Jean Paul Civeyrac, Francia, 2005. **+
Agua, Verónica Chen, Argentina, 2006. ***
Alma Mater, Álvaro Buela, Uruguay, 2006. •
Amando a Maradona, Javier Vázquez, Argentina, 2006. •
Audition, Luc Picard, Canadá, 2005. **
Aviva, my love, Shemi Zarhin, Israel, 2006. *
Awaken, Renato M. Bautista Jr., Filipinas, 2005. *
Awakening from the dead, Milos Radivojevic, Serbia, 2004. **+
Bañeros 3, todopoderosos, Rodolfo Ledo, Argentina, 2006. •
Batalla en el cielo, Carlos Reygadas, México, 2005. ***
Bajos instintos 2, Michael Caton-Jones, EE.UU., 2006. *
Be with me, Eric Khoo, Singapur, 2005. **+
Black Brush, Roland Vranik, Hungría, 2005. **
Black sun, Gary Tarn, Reino Unido, 2005. ***
Bled number one, Rabah Ameur Zaimeche, Francia, 2006. **Bienvenido a casa, David Trueba, España, 2006. *
Bienvenidas al paraíso, Laurent Cantet, Francia, 2005. **+Border post, Rajko Garlic, Serbia, 2006. **
Buenas noches… y buena suerte, George Clooney, EE.UU., 2005. ***
Cabra-Cega, Toni Ventura, Brasil, 2004. ***
Ça brule, Claire Simon, Francia, 2006. **+
Café Transit, Kambozia Partovi, Irán, 2005. **
Cafuné, Bruno Vianna, Brasil, 2005. •
Cándido López, los campos de batalla, José Luis García, Argentina, 2005. ***
Capote, Bennett Millar, EE.UU, 2005. **
Capturando a los Friedman, Andrew Jarecki, EE.UU., 2005. ***
Cars, John Lasseter y Joe Ranft, EE.UU., 2006. *
Casanova, Lasse Hallström, EE.UU., 2006. *
Cease FIRE, Tahmineh Milani, Irán, 2006. *
Children, Ragnar Bragason, Islandia, 2006. **+
Cinema, aspirinas e urubus, Marcelo Gomes, Brasil, 2005. ***
Come early morning, Joel Lauren Adams, EE.UU., 2006. **
Commune. Jonathan Berman, EE.UU., 2005. **+
Conspiradores de placer, Jan Svankmayer, República Checa, 1996. ****
Crónica de una fuga, Israel Adrián Caetano, Argentina, 2006. **+
Crimen delicado, Beto Brant, Brasil, 2005. **+
Cuatro mujeres descalzas, Santiago Loza, Argentina, 2005. **
Day night day night, Julia Loktev, EE.UU., 2006. ***
Dave Chappelle’s Block Party, Michel Gondry, EE.UU., 2006. **
Detrás del mar, Raúl del Busto, Perú, 2005. •
DeNadie, Tin Dirdamal, México, 2005. **+
Delwende, léve-toi et marche, Burkina Faso, 2005. **+
Derecho de familia, Daniel Burman, Argentina, 2006. ***
Der fluss, Jarmo Lampella, Finlandia, 2001. *
Diario argentino, Guadalupe Pérez García, Argentina, 2006. **+
Dicen por ahí, Rob Reiner, EE.UU., 2005. *
Domicilio privado, Saverio Costanzo, Italia, 2004. ***
Dos por el dinero, D. J. Caruso, 2005. *
Dumplings Fruit Chan, China, 2005. ***
Du jour au lendemain, Philippe Le Guay, Francia, 2006. **
East of Paradise, Lech Kowalski, Francia, 2005. ***
Edmond, Stuar Gordon, EE.UU., 2005. ***
El boquete, Mariano Mucci, Argentina, 2006. *
El caimán, Nanni Moretti, Italia, 2006. **
El camino de San Diego, Carlos Sorín, Argentina, 2006. **
El crimen del padre Amaro, Carlos Cohelo Da Silva, Portugal, 2006. •
El custodio, Rodrigo Moreno, Argentina, 2006. **+
El hijo, Jean-Pierre y Luc Dardenne, Bélgica, 2003. ***
El ilusionista, Neil Burger, EE.UU., 2006. **+
El increíble castillo vagabundo, Hayao Miyazaki, Japón, 2005. ***
El laberinto del fauno, Guillermo del Toro, España, 2006. ***
El método, Marcelo Piñeyro, Argentina, 2006. *
El nuevo mundo, Terrence Malick, EE.UU, 2006. **+
El paraíso ahora, Hany Abu-Assad, Palestina, 2005. **+
El plan perfecto, Spike Lee, EE.UU., 2006. **+
El regreso de Peter Cascada, Néstor Montalbano, Argentina, 2006. **
El sabor del té, Katsuhito Ishii, Japón, 2005. **+
El señor de la guerra, Andrew Niccol, EE.UU., 2005. **+
El último bandoneón, Alejandro Saderman, Argentina, 2005. **
El viento que acaricia el prado, Ken Loach, Reino Unido, 2006. **+
El violín, Francisco Vargas, México, 2006. **+
Encuentro de amor, Sue Brooks, Australia, 2004. **
Enredos del corazón, Mike Binder, EE.UU., 2005. **
Eros, Wong Kar Wai - Michelangelo Antonioni - Steven Soderbergh, EE.UU., Italia, China, 2005. *
Escondido, Michael Haneke, Francia, 2005. ***
Ein freund von mir, Sebastián Schipper, Alemania, 2006. **
El Banate Dol, Tahani Rached, Egipto, 2006. **
El niño, Jean-Pierre y Luc Dardenne, Bélgica, 2005. ***
El taxista full, Jo Sol, Españ, 2005. ***
En el hoyo, Juan Carlos Rulfo, México, 2006. ***
Fantasma, Lisandro Alonso, Argentina, 2006. **+
Fast Food Nation, Richard Linklater, EE.UU., 2006. ***
Few of us, Sharunas Bartas, Lituania, 1996. ***
Figner, the end of a silent century, Nathalie Alonso Casale, Holanda, 2006. ***
Fireworks Wednesday, Asghar Farhadi, Irán, 2006. ***
Five, Abbas Kiarostami, Irán, 2003. ***
Flores rotas, Jim Jarmusch, EE.UU., 2005. ***
For Horowitz, Hyung Jin Kwon, Corea del Sur, 2006. *
Freedom, Sharunas Bartas, Lituania, 2000. ****
Fresh air, Agnes Kocsis, Hungría, 2006. **+
Gracias por fumar, Jason Reitman, EE.UU., 2006. ***
Hamaca paraguaya, Paz Encima, Paraguay-Argentina, 2006. ***
Hamburger Lektioen, Romuald Karmakar, Alemania, 2006. ****
Hierro 3, Kim Ki-duk, Corea del Sur, 2004. ***
Historias de familia, Noah Baumbach, EE.UU., 2006. ***
Homework, Abbas Kiarostami, Irán, 1989. ***
I’m a sex addict, Caveh Zahedi, EE.UU., 2005. **+
Imitations of Life, Mike Hoolboom, Canadá, 2003. *
Incautos, Miguel Bardem, España, 2006. *
Into great silence, Philip Gröning, Alemania, 2005. ***
Jeune Homme, Christoph Schaub, Suiza, 2006. *
Johnny & June: pasión y locura, James Mangold, EE.UU., 2005. *
Judíos en el espacio, Gabriel Lichtmann, Argentina, 2005. *
Junebug, Phil Morrison, EE.UU., 2005. **
Juventud em marcha, Pedro Costa, Portugal, 2006. ****
Katamaki, Claude Gagnon, Canadá, 2005. **
Keane, Lodge Kerrigan, EE.UU., 2005. ***
Komma, Martine Doyen, Francia-Bélgica, 2006. **
La búsqueda, Wim Wenders, EE.UU., 2005. **
La canción más triste del mundo, Guy Maddin, Canadá, 2003. ****
La cueva del perro amarillo, Byambasuren Davaa, Mongolia-Alemania, 2005. **
La comedia del poder, Claude Chabrol, Francia, 2006. ***
Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el ropero, Andrew Adamson, EE.UU., 2006. *
La dama boba, Manuel Borra, España, 2006. •
La dama en el agua, M. Night Shyamalan, EE.UU., 2006. *La desaparición de Madame Rose, Pascal Thomas, Francia, 2005. *
La historia del camello que llora Byambasuren Davaa y Luigi Falorni, Alemania-Mongolia, 2004. ***
La leyenda del tiempo, Isaki Lacuesta, España, 2006. **+
La marcha de los pingüinos, Luc Jacquet, Francia, 2005. *
La moustache, Emmanuel Carriere, Francia, 2005. ***
La muerte del señor Lazarescu, Cristi Puiu, Rumania, 2005. ****
La noche del cazador, Charles Laughton, EE.UU., 1955. ****
La perrera, Manuel Nieto, Uruguay, 2006. **
La prueba, John Madden, EE.UU., 2005. *
La nuit de la vérite, Burkina Faso, 2004. ***
La sagrada familia, Sebastián Campos, Chile, 2005. *
Last days, Gus Van Sant, EE.UU., 2005. ****
Las locuras de Dick y Jane, Dean Parisot, EE.UU., 2006. **
Las Torres Gemelas, Oliver Stone, EE.UU., 2006. *
Las tortugas también vuelan, Bahman Ghobadi, Irán, 2005. **
Les angels exterminateurs, Jean-Claude Brisseau, Francia, 2006. ***
Les états mordiques, Denis Cote. Canadá, 2006. **+
Les invisibles, Thierry Jousse, Francia, 2006. *
Lifting de corazón Eliseo Subiela, Argentina, 2006. •
Light in the disk, Aki Kaurismaki, Finlandia, 2006. **+
Look both ways, Sarah Watt, Australia, 2006. **
Los amantes regulares, Philippe Garrel, Francia, 2005. ****
Los infiltrados, Martin Scorsese, EE.UU., 2006. **
Lo más bonito y mis mejores años, Martín Boulocq, Bolivia, 2005. *
Los productores, Susan Stroman, EE.UU., **
Los próximos pasados, Lorena Muñoz, Argentina, 2006. ***
Los tres entierros de Melquíades Estrada, Tommy Lee Jones, EE.UU., 2005. ***
Lunacy, Jan Svankmayer, República Checa, 2005. ***
Luxury car, Chao Wang, China, 2006. **+
Madeinusa, Claudia Loza, Perú, 2005. **+
Manderlay, Lars von Trier, Dinamarca, 2005. *
Match Point, Woody Allen, EE.UU., 2005. **
Mars, Anna Meilkian, Rusia, 2004. **
Memorias de una geisha, Rob Marshall, EE.UU., 2005. *
Midnight sun, Nirihiro Koizumi, Japón, 2006. *
Mi otro yo, Francis Veber, Francia, 2005. *
Miró l’ altre, Pere Portabella, España. 1969. **+
Mi verano de amor, Pawel Pawlikowski, Reino Unido, 2005. **+
Miami Vice, Michael Mann, EE.UU., 2006. **+
Mientras tanto, Diego Lerman, Argentina, 2006. **
Misión: Imposible III, J. J. Abrams, EE.UU., 2006. *
Mondovino, Jonathan Nossiter, Canadá, 2005. ***
Monobloc, Luis Ortega, Argentina, 2005. **+
Monster House, la casa de los sustos, Gil Kenan, EE.UU., 2006. **
Munich, Steven Spielberg, EE.UU., 2005. **+
Nacido y criado, Pablo Trapero, Argentina, 2006. **+
Nafaka, Jasmin Durakovic, Bosnia y Herzegovina, 2006. **
Niños del hombre, Alfonso Cuarón, EE.UU., 2006. ***
Noticias lejanas, Ricardo Benet, México, 2006. **
Nuestra música, Jean-Luc Godard, Francia, 2004. ****
O fim e o principio, Eduardo Coutinho, Brasil, 2005. ***
On ne devrait pas exister, Hervé Pierre Gustave, Francia, 2006. •
Orgullo y prejuicio, Joe Wright, Reino Unido, 2005. **+
Orlando Vargas, Juan Pittaluga, Uruguay, 2005. **
Offside, Jafar Pahani, Irán, 2006. ***
OSS 117, Michael Hazanavicius, Egipto, 2006. ***
Pavee Lackeen: a Traveller Girl, Perry Orden, Irlanda, 2005. **+
Pacto infernal, Renny Harbin, EE.UU., 2006. . •
Páginas del diario de Mauricio, Manuel Perez Paredes, Cuba, 2006. ***
Palabras mágicas, Scott McGehee y David Siegel, 2005. *
Pequeña Miss Sunshine, Jonathan Dayton y Valerie Faris, EE.UU., 2006. ***
Piratas del Caribe: el cofre de la muerte, Gore Verbinski, EE.UU., 2006. **
Pont de Varsovia, Pere Portabella, España, 1989. ****
Porno, Homero Cirelli, Argentina, 2006. **
Poseidón, Wolfgang Petersen, EE.UU., 2006. *
Princesas Fernando, León de Aranoa, España, 2006. *
Red road, Andrea Arnold, Reino Unido, 2006. **+
Regresiones de un hombre muerto, John Maybury, EE.UU., 2005. *
Remake, Roger Gual, España, 2006. *
Rize, David ChaPelle, EE.UU., 2005. **+
Rosario Tijeras, Emilio Maillé, Colombia, 2006. *
Salvador, Manuel Huerga, España, 2006. *
Salvador Allende, Patricio Guzmán, Chile, 2005. ***
Sangre, Amat Escalante, México, 2006. **+
Samoa, Ernesto Baca, Argentina, 2005. **
Samsara, Pan Nalin, India, 2001. *
Secreto en la montaña, Ang Lee, EE.UU., 2005. **
Shadow, Naomi Kawase, Japón, 2006. ***
Since you’ve benn gone, Mohammad Bakri, Israel, 2006. **+
Sketches of Frank Gehry, Sydney Pollack, EE.UU., 2006. **+
Soldado anónimo, Sam Mendes, EE.UU., 2005. *
So I can, Abbas Kiarostami, Irán, 1975. **+
Sophie Scholl: Los últimos días, Marc Rothemund, Alemania, 2005. *
Sommer 04, Stefan Krohmer, Alemania, 2006. **+
Sonhos de peixe, Kirill Mihkanovsky, Brasil, 2006. **+
Stephen Tobolowsky’s birthday party, Robert Brinkmann, EE.UU, 2005. **
Superman regresa, Bryan Singer, EE.UU., 2006. *
Suriana, Stephen Gaghan, EE.UU., 2005. **
Svyato, Víctor Kossakovsky, Rusia, 2005. ***
Takeshis’, Takehi Kitano, Japón, 2005. *
Ten on ten, Abbas Kiarostami, Irán, 2004. ***
Ten skies, James Benning, EE.UU., 2004. ****
The Host, Bong Joon-Ho, Corea del Sur, 2006. ***
The Quenn, Stephen Frears, Reino Unido, 2006. ***
The Shoe Fairy, Lee Yun-chan, Taiwán, 2005. *
The Traveller, Abbas Kiarostami, Irán, 1974. ****
The Wild Blue Yonder, Werner Herzog, EE.UU., 2005. ***
The World, Jia Zhang-ke, China, 2004. ****
Three times, Hou Hsia-hsien, Taiwán, 2005. ****
Tierra fría, Niki Caro, EE.UU., 2005. *
Tierra negra, Ricardo Iscar Álvarez, España, 2004. **+
Toi et moi, Julie Lpos-Curvall, Francia, 2006. *
Transamérica, Duncan Tucker, EE.UU., 2005. **
Tres son multitud, Anthony y Joe Russo, EE.UU., 2006. *
Tristam Shandy, Michael Winterbottom, Reino Unido, 2005. ***
Turn down the music, Thomas Aíslan, Alemania, 1994. *
Two solutions for One Problem, Abbas Kiarostami, Irán, 1975. ***
Umbracle, Pere Portabella, España, 1972. **+
Una pareja perfecta, Nobihuro Suwa, Francia, 2005. ***
Un franco 14 pesetas, Carlos Iglesias, España, 2006. **
Una estrella y dos cafés, Alberto Lecchi, Argentina, 2006. *
V de Venganza, James McTeigue, EE.UU., 2006. ***
Viviendo con mi ex, Peyton Reed, EE.UU., 2006., **+
Volver, Pedro Almodóvar, España, 2006. **+
White palms, Szabolcs Hajdu, Hungría, 2006. **+
Yes, Rally Potter, Reino Unido, 2004. ***
¿Y tú qué @#!* sabes?, Mark Vicente, Betsy Chasse y William Arntz, EE.UU., 2005 . •
Yo presidente, Mariano Cohn y Gastón Duprat, Argentina, 2006. *
Yo y vos y toda la gente que conocemos, Miranda July, EE.UU., 2005. ***
Zemestan, Rafi Pitts, Irán, 2006. ***
Zathura - Una aventura fuera de este mundo, Jon Favreau. EE.UU. **
Zizek, Astra Taylor, EE.UU., 2005. **+

ALGUNOS ESTRENOS DE DICIEMBRE

2006-12-31T14:28:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valor

por Roger A. Koza.

PATOLOGÍA DE LA VIDA AMOROSA

Una pareja perfecta, Francia y Japón, 2005.
Escrita y dirigida Nobuhiro Suwa.

*** Hay que verla

La nueva película de Suwa, estrenada en DVD, es un exponente legítimo de cine moderno, una excelente oportunidad para reconfigurar el aparato perceptivo intoxicado por una lógica cinematográfica unidimensional que constriñe la mirada.

El amor, ese vocablo equívoco aunque irremplazable que todos repetimos sin saber exactamente qué decimos, creyendo que en esa palabra yace el misterio del universo. Sin duda, el título del filme de Nobuhiro Suwa, uno de los grandes maestros del cine japonés actual, pueda convocar a todos los militantes del corazón, pero Una pareja perfecta habrá de desmantelar el amor romántico hasta sus últimas consecuencias.

El relato es casi una anécdota, cómo se desarrolla el mismo es una experiencia. Con menos de 50 planos, la mayoría planos secuencia, Una pareja perfecta retrata la posible disolución de una pareja modelo, al menos esa es la percepción de quienes la rodean, los amigos cercanos. Es un vínculo crepuscular, el que una fotógrafa que no ejerce, Marie, y un arquitecto, Nicolás, sostienen mientras que visitan Paris, invitados a una boda.

Ocasión perversa para meditar sobre el destino sentimental, la fatiga domina, el resentimiento amenaza y la convivencia en un hotel es un ensayo de independencia. Cada uno tiene su cama, después su habitación, aunque como todas las parejas que reconocen su decadencia ejercitan los rituales característicos que contradicen una evidencia: un posible último coito, mostrar el cuerpo desnudo, seducir incluso antes de devenir en ausencia para el otro. No sabremos el por qué del agotamiento amoroso, pero en dos visitas sucesivas al museo de Rodin sí hay un indicio de parte de Marie: 15 años de matrimonio sin un vástago puede ser material de una profunda frustración.

Glacial y minimalista, Una pareja perfecta puede hastiar a quien esté desatento, y puede enseñar a quien esté dispuesto a aprender con su mirada. El filme de Suwa es formalmente prodigioso. Por lo general, la cámara está fija. Los intérpretes se desplazan por el cuadro y la cámara es una continuación exacta de los ojos de quien mira. Los planos son medios y generales, lo que implica una percepción distante, a contracorriente de un drama intimista.

Es una decisión estética que tiene efectos en la percepción. En ocasiones, Suwa utiliza primeros planos de los rostros, y ello altera la relación con el relato. El recurso del plano y contraplano, la regla del cine Hollywoodense para que dos personajes dialoguen, nunca es empleado, excepto una vez. En otras palabras, la verdadera pareja perfecta del filme es el maridaje entre forma y contenido, que alcanza su perfección en el claroscuro, concepción fotográfica ideal para mostrar algo que muere.

Admirador de la Nouvelle Vague, Suwa ya había explorado en 2 Dúo y M/Other las patologías de la vida amorosa en el contexto japonés; la novedad aquí reside en elegir a Francia como paisaje simbólico. E insiste en postular que el amor tiene fecha de vencimiento, y que amar sin desear es la genealogía universal de un pacto inconsciente entre los amantes que nada tiene que ver con el amor. Y sin embargo, en esa bellísima escena de despedida en una estación de tren, Suwa todavía cree en la pareja, obstinada elección de a dos para habitar la propia soledad.

EL CAMPO DE LOS SUEÑOS

Sin destino, Hungría, Alemania, Reino Unido, 2005.
Dirigida por Lajos Koltai.
Escrita por Imre Kertész

*** Hay que verla

Esta película sobre el Holocausto ofrece una perspectiva diferente del tema, y es ésa su mayor virtud, aunque algunos pasajes son propios de quien ha experimentado y no imaginado la vida en los campos.

El Holocausto, aunque todavía hay gente dispuesta a negarlo (y en eso el presidente de Irán no es el único) es la mácula del Siglo XX, el punto de inflexión que supera infinitamente el antisemitismo o toda política fundada en la intolerancia. La noción de crimen contra la humanidad, si bien puede ser aplicada a cualquier momento histórico en donde la crueldad y el asesinato son la regla, alcanza su formulación en 1945. El poder del cine es mostrar, dar visibilidad, insistir que el plano existe como evidencia. Las imágenes verdaderas interpelan al espectador, lo comprometen a mirar, a no huir. La luz del cine imputa. Dicho de otro modo: ¿cómo pensaríamos la exterminación sistemática y racional del pueblo judío perpetrada por los nazis si no hubiera existido el cine? Noche y niebla de Resnais y Shoah de Lanzmann son muchos más que películas: son intervenciones sobre la memoria histórica con una divisa específica: atrévase a mirar.

Es probable que el público decida ignorar olímpicamente Sin destino, la opera prima de Lajos Koltai, basada en la autobiografía del premio Nobel Imre Kertész y su compleja experiencia durante su adolescencia en varios campos de concentración. La taquilla dice que James Bond, ahora con un perfil más proletario, domina, aunque quienes vean este relato existencialista sobre el Holocausto podrán ver por unos minutos al nuevo 007 en un breve pasaje.

György es un adolescente judío, unos de los 800.000 que fueron tardíamente enviados a Auschwitz, Buchenwald u otros campos. Al ser Hungría un país aliado a las potencias del Eje, los judíos de dicha nacionalidad vivieron la humillación y su concomitante aniquilación bajo otra lógica, al menos en su inicio. Por eso puede confundir el hecho de que su padre se va para la guerra, o que György tiene que dejar la escuela para trabajar manualmente en función de ésta. Hasta que un día es arrestado por un gendarme y empieza la deportación. Después es el relato lúcido de un sobreviviente.

Lajos Koltai es un destacado director de fotografía. Como director se vale de su trayectoria para que la abyección tenga un color adecuado. El predominio paulatino del gris y los verdes amarillentos implican una estética subordinada a una ética, que también puede verificarse en los encuadres y movimientos de cámara. Véase las sesiones en donde los prisioneros formados en fila permanecen de pie por tiempo indefinido, pasajes alucinatorios en el que se revela la absurda aunque inevitable obstinación de vivir.

Sin destino evita el sentimentalismo y nunca pretende aleccionar. A veces el refuerzo musical es proclive a proteger al espectador ante la fuerza física de las imágenes, un paliativo sonoro ante la vergüenza de lo que pueden hacer los hombres. Pero los últimos 20 minutos, cuando György regresa a su Budapest pretérita, Sin destino impugna la interpretación bienpensante y se vuelve insolente. “No existe el infierno, sí los campos”, dice el púber. Y ante la mediocridad moral de sus coetáneos enuncia lo impensable, nostálgicamente: “la felicidad de los campos”. Reverso exacto de un mundo fantasma para un espectador desprotegido.

PLEGARIAS CORPORALES

Samsara, India, Italia, Francia, Alemania, 2001.
Dirigida por Pan Nalim. Escrita por P. Nalim y Tim Baker

* Tiene un rasgo redimible

Este film es un ejemplo de Budismo for export, aunque no por ello deja de ser preciso y crítico respecto a la milenaria sabiduría proveniente del viejo príncipe indio, quien fundó esta difusa y variopinta religión.

El Budismo, religión y filosofía polifacética, fascina al Occidente materialista. Su versión tibetana, la más cinematográfica por su esteticismo y exotismo, ha capturado recientemente la atención de tres maestros del medio: Bertollucci y su Pequeño Buda, Scorsese y su Kundun, Herzog y La rueda del tiempo. Aquí llega otro retrato contemporáneo del Budismo tibetano pero bajo la mirada vernácula de Pan Nalim, director indio, aunque las tribulaciones de un monje tibetano y su despertar sexual ejemplifiquen una experiencia ubicua en todas las religiones: la contienda entre la carne y el espíritu.

Al norte de la India, en la meseta tibetana, a 4.500m de altura sobre el nivel del mar, se encuentra Ladakh, región cuyos paisajes lunares y desérticos se confunden con un centenar de gompas (monasterios). Es una tierra de ensueño, casi detenida en el tiempo, aunque en la pequeña ciudad de Leh el mundo esté al alcance vía Internet.

En este lugar del mundo también llamado el último Shangri-La la vida monástica empieza muy temprano. Tashi (Shawn Ku), un joven lama que acaba de finalizar una extrema meditación en total aislamiento de tres años, ha sido monje durante toda su vida. Su reciente proeza ascética es coronada por su comunidad y el jefe espiritual de su orden. Sin embargo, durante el festival anual que se realiza en el Hemis Gompa, Tashi, interpretando a un demonio en la danza conocida como Padmasambhava, representación mítica de la lucha contra el mal, se distrae mirando un pezón materno. Es el inicio de una transformación. Tashi no sólo habrá de casarse y devenir en padre de familia y hombre de negocios, sino que también habrá de conocer la compleja lógica del deseo.

El término sánscrito Samsara significa el círculo o rondas de existencias, es decir, la peregrinación de encarnaciones repetitivas mientras que uno no se libera u obtiene el Nirvana, aunque no hay una interpretación consensuada sobre la relación entre el Samsara y el Nirvana. La misma duda de Tashi, abandonar el mundo o involucrarse en él y encontrar allí su libertad, remite a viejas pero vigentes disputas teóricas entre los budistas. Y Pan Nalim agrega, además, una relectura feminista y heterodoxa sobre la iluminación (y crueldad) del príncipe Siddhartha, el Buda histórico.

Samsara es una película de descubrimiento. Sus panorámicas registran la belleza de una geografía en donde la arquitectura y la montaña, la cultura y la naturaleza están coordinadas en una cosmovisión específica. En ese sentido, las escenas eróticas del filme también dan cuenta de una comprensión determinada respecto de los placeres corporales, en la que los planos detalles y la elección del encuadre delimitan una perspectiva cultural. De hecho, debe ser una de las pocas películas en la que nuestro imaginario erótico, colonizado por la pornografía, puede renovarse, al menos así lo sugieren algunos pasajes, en especial el que protagoniza una mujer hindú.

Desear o no desear, esa es la cuestión. El cuerpo y sus expresiones, aquello que todas las religiones intentan codificar para garantizar menos sufrimiento, también tiene sus plegarias.

TODAS LAS CRÍTICAS HAN SIDO PUBLICADA EN EL DIARIO LA VOZ DEL INTERTIOR DE LA CIUDAD DE CÓRDOBA DURANTE EL MES DE DICIEMBRE 2006

COPYRYLEF 2000-2006/ ROGER ALAN KOZA

ALGUNOS ESTRENOS DE OCTUBRE Y NOVIEMBRE

2006-12-04T19:13:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valor

por Roger A. Koza.

Los excéntricos Hoover

Pequeña Miss Sunshine, EE.UU., 2006.
Dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris. Escrita por Michael Ardnt.

*** Hay que verla

Imperfecta aunque libertaria, esta opera prima puede abusar de su ostensible esnobismo, aunque su elenco y su rabia libertaria alcanza para combinar risa, emoción y pensamiento en un mismo largometraje

Si el vínculo mítico entre padre e hijo es el tema característico del cine clásico estadounidense, la familia disfuncional es el tópico excluyente del cine independiente norteamericano. Efectivamente, se trata de un microcosmos social diverso pero con un patrón que se repite. Del retrato nihilista y perverso de los grupos familiares de Todd Solondz (Storytelling) a la versión humanista y extravagante de Wes Anderson (Los excéntricos Tenembaum), el cine indie del Norte confirma una evidencia sociológica, acaso universal: la familia es una institución inestable e históricamente maleable.

En Pequeña Miss Sunshine no existe un rol principal, sino una familia singular que funciona como protagonista, un ente colectivo y gestálgico al que hay que entender como un todo. El todo no es la suma de las partes, aunque hay suficientes rasgos reconocibles por cada miembro de los Hoover: un abuelo perteneciente a la generación flower power obsesionado por el sexo, un tío gay y suicida, especialista en Proust, además de un adolescente lector de Nietzsche que ha optado por hacer voto de silencio, un padre militante de la autoayuda y el éxito, y una niña de 7 años, cuyo único deseo es participar en un concurso de belleza regional. La madre los sustenta, una abnegación elegida más que padecida.

Un buen día toda la familia se sube a una vieja camioneta para acompañar a la más pequeña a concursar en el torneo que lleva el nombre de la película. Como en todo road-movie, el viaje es una metáfora de transformación; en efecto, del trayecto que va de Albuquerque a Redondo Beach, California, los Hoover ya no habrán de ser los mismos.

Esta opera prima dirigida por el matrimonio Dayton-Faris tiene su punto más alto en el equilibrio e idoneidad interpretativa de todo su elenco, que sostiene la totalidad del metraje. Alan Arkin y Abigail Breslin (abuelo y nieta) sobresalen en algunas escenas, aunque el virtuosismo discreto de Steve Carell (el tío) es prodigioso. Visualmente el film carece de grandes ambiciones, aunque el pasaje en donde el voto de silencio de Dwayne se pone en peligro se detecta una inquietud por la composición del plano. La narración es literalmente lineal, y en su desenlace y destino se justifica la totalidad de la película. Esencialmente, Pequeña Miss Sunshine es una película de personajes interesantes y diálogos inteligentes, una comedia insolente y nostálgica que postula al humor como un atributo del espíritu crítico. La risa como extensión de la lucidez; la comedia como potencial género inconformista y libertario.

Si bien Pequeña Miss Sunshine no tiene el calibre estético de Los excéntricos Tenembaum, película con la que comparte una defensa irrestricta por la excentricidad y el gusto por los vínculos transgeneracionales, el filme de Dayton-Faris tiene una virtud que el de Anderson carece: una crítica sesgada del sueño americano, filosofía social de una nación consumida por el consumo y el éxito, cuya ignorancia colectiva es el correlato exacto de la opulencia de una minoría ilustrada.

En el país de nunca jamás

Yo Presidente, Argentina, 2006

Dirigida por Mariano Cohn y Gastón Dupré. Escrita por Mauro A. Fernández.

* Tiene un rasgo redimible.

Este documental pertenece directamente al cacerolismo no ilustrado de la clase media argentina, y aunque su limitado análisis inofensivo poco agrega a comprender la decadencia política argentina, el poder de la cámara alcanza para obtener imágenes de un síntoma social que necesita visibilidad.

El británico John Grierson, en 1926, acuñó el término documental. Se trataba de un género en el que se debía aspirar a tratar creativamente los hechos, sin traicionar el objetivo de este tipo de cine: informar y educar. De aquellos obreros saliendo de una fábrica, los primeros sujetos filmados por los Lumière en la prehistoria del cine, la naturaleza del documental ha evolucionado, y en los últimos 10 años este género ha experimentado un ostensible renacimiento. Es probable que ante tanta ficción idiota, en el sentido original del término, muchos realizadores canalicen la exhortación de Vertov: “El drama cinematográfico es el opio del pueblo”.

En el 2006 se han estrenados documentales diversos. Los hubo sobre vinos, Maradona, pedófilos, presos, Bialet Massé, la Fuerza Área, física cuántica adulterada, hasta de un camello que llora. De los realizados en nuestro país, Cándido López: los campos de batalla, de José Luis García, es sin duda el mejor. Pero ahora llega esta pieza problemática, provocativa, sugestiva, llamada Yo presidente.

Temáticamente insolente y políticamente ingenua, el documental escrito y dirigido por Mariano Cohn y Gastón Duprat, y producido por Luis Majul, se propone desenmascarar el rostro del poder en tiempos democráticos. Los pretéritos presidentes Alfonsín, Menen, De la Rúa, Puerta, Camaño, Duhalde, son entrevistados, a veces en sus casas, en otras ocasiones en sus despachos. La ausencia de Rodríguez Saá se explicita mientras que el rostro Kirchner, aquí inescrutable y extenuado, cierra la película.

El método de trabajo parece azaroso, pues no hay un procedimiento de indagación discursivo preconcebido, excepto una recurrente pregunta envenenada: ¿Cuál fue su mayor error? Lo que sí ha sido meticulosamente premeditado es el registro, cuya concepción se predica de la supuesta espontaneidad de la cámara oculta. Mientras que los entrevistados creen que están preparándose para la toma a filmar éstos son capturados en el esplendor de sus poses, en esos simulacros que han sido la lógica de sus propias vidas. Cuando los directores dicen “cámara, acción”, los primeros planos de los rostros son recurrentes. ¿Qué hay detrás de estas caras-máscaras? Poco y nada, el Yo de los presidentes y sus expresiones verbales se agotan en la trivialidad característica del mediocre. Acaso el gran hallazgo de Yo presidente consiste en observar la incultura y el narcisismo primitivo de estas criaturas desvergonzadas, capaces de modelar la verdad histórica como convenga y enajenarse en placeres privados que van de la lectura de las sagradas escrituras hasta la caza de tiburones.

La limitación de este interesante documental no proviene solamente de su estética proclive a lo periodístico y televisivo, sino del lugar ideológico desde dónde se enuncia su análisis histórico y político. Yo presidente es una expresión fiel del “que se vayan todos”, una sentencia que impide pensar lo político, cuya impotencia se articula en un difuso cinismo cómico, correlato perfecto de la corrupción estructural de la que participaron los protagonistas de esta película. Por cierto, una película de violencia, desasosiego, delirio, en la que los presidentes son meramente síntomas de una podredumbre colectiva.

La decisión

Mientras tanto, Argentina, 2006.
Dirigida por Diego Lerman. Escrita por D. Lerman y Graciela Speranza.

** Válida de ver

La esperada segunda película de Diego Lerman resultó ser distinta que su opera prima, y aunque confirma el oficio del realizador habrá de ser la tercera la que confirme su evidente talento

Filmar y estrenar en Argentina no es fácil. Un realizador hace con suerte una película. Pero, ¿cómo continuar? Además, lo que viene después de una opera prima, exitosa o no, define en parte la talla de un director. Hay varias segundas películas estrenadas este año. Loza, Ortega, Chen, Fürth, Piñeyro y Muñoz presentaron sus respectivas películas. Lerman también.

Tan de repente , la opera prima de Lerman, como alguna vez la calificó el lúcido escritor y cineasta Edgardo Cozarinsky, era un filme impredecible, fresco, uno que abría las ventanas cerradas del vetusto cine argentino y le daba oxígeno. Un filme-pulmón, vivo, fundamentalmente vivo. Mientras tanto, una buena película, es otra cosa.

Más cercana al modelo cinematográfico de Magnolia de Anderson que a Las reglas del juego de Altman, el segundo largometraje de Lerman es una película coral. No hay un personaje a seguir, sino un conjunto de intérpretes que funcionan como ejemplos vivientes de un tópico específico que se quiere examinar. En las películas corales el protagonista es un concepto, una experiencia. Aquí, probablemente, se intenta meditar sobre las coordenadas existenciales que determinan una decisión de vida y el tiempo que ello conlleva. ¿Cómo se construye una decisión? ¿Qué puede decidirse? ¿Quién decide por nosotros? El dilema parece casi mítico, aunque siempre es vigente.

En Mientras tanto los personajes, la mayoría perteneciente a una generación y una clase social determinada, tiene que elegir, decidir: ¿Viajar al extranjero? ¿Separarse? ¿Acudir a la fertilización asistida? ¿Tatuarse? ¿Despedir a un empleado? ¿Enamorarse? Quien toma una decisión queda librado a la suerte, como lo sabe el pescador y el jugador, ambas figuras conscientemente aludidas. O, también, como lo sugiere Lerman, en uno de los escasos pasajes cómicos del filme, practicar una suerte de Aikido existencial; es decir, no ofrecer resistencia y utilizar la fuerza del contrario como la mejor autodefensa.

Como en la mayoría de las películas corales el entrecruzamiento entre personajes que se desconocen es proclive a la inverosimilitud, pero los elegantes planos secuencia elegidos por Lerman producen un efecto de continuidad entre éstos. Cuando uno de ellos abandona el cuadro inmediatamente otro personaje aparece; el modo de filmar provoca una ilusión de encadenamiento, de collage viviente. Y esto se redobla por la idoneidad del elenco, capaz de diluir el capricho de un guión en escenas que imitan la lógica dramática propia de la existencia. Valeria Bertuccelli, por ejemplo, ofrece un trabajo admirable.

Pero Mientras tanto no es Tan de repente. En esta ocasión, la pretensión y la ambición, el imperativo propio e impuesto que supone a una segunda película como una demostración categórica de un producto artístico canibaliza la insolencia creativa del Lerman de Tan de repente en una indiscutible pero desvitalizada solvencia profesional ostensible en Mientras tanto. Misteriosamente, el propio director está en la misma encrucijada de sus personajes; él también tiene que decidir: ¿Cómo hacer cine? ¿Qué significa ser un cineasta? Su tiempo, su decisión, el propio mientas tanto de un realizador valioso y talentoso.

Una especie en extinción

Fantasma, Argentina, Francia, Holanda, 2006.
Escrita y dirigida por Lisandro Alonso

*** Hay que verla

La tercer película de Lisandro Alonso es más una repitición de sus precedentes, aunque este film funciona más como un manifiesto estético, uno que necesita receptores y analistas más atentos para no creer que este film es sobre la Nada y Alonso

Hay una sorpresa para cualquier espectador argentino que partipe en el festival de Cannes, sin duda el más prestigioso del mundo. Si uno acude a una funcion de la sección conocida como La Quincena de los Realizadores, probablemente la sección más libre y menos condicionada por presiones extracinematográficas, podrá ver que previo a la exhibición de cadapelícula se proyecta una suerte de presentación de los talentos que la Quincena ha descubierto. Se leen nombres ya consagrados como Werner Herzog, Jean Austache, Hou Hsiao Hsien, Michael Haneke. Entre esos apellidos que condensan la historia del cine moderno aparece uno inesperado: Lisandro Alonso.

Sí, el joven director de La libertad y Los muertos ha inscripto su apellido en el canon de la modernidad cinematográfica. Puede parecer exagerado, puede que se trate de una provocación característica de la cinefilia francesa, pero lo cierto es que Alonso con dos películas ha ganado internacionalmente una reputacion inversamente proporcional a la que goza en Argentina, en donde elige ignorar la singularidad de su obra, su belleza, su incorruptible libertad. En efecto, el cine de Alonso es cine intempestivo, necesario, cine en estado puro, incompatible con el pochoclo y el glamour de las estrellas.

Fundamentalmente, se trata de una especie de cine que, como algunas bellas eirremplazables especies biológicas, se encuentra bajo el peligro de su extinción. He aquí un realizador que cree en un cine más allá de las palabras, un cine que se desmarca de su destino narrativo y que busca en la combinación de imágenes y sonidos una experiencia perceptiva en quien mira, un estado hipnótico pero lúcido capaz de repetir el deslumbramiento (en otrocontexto) casi metafísico de ver el mundo apresado en luz. El cine no es un argumento.

Fantasma, este bonustrack de sus dos películas precedentes (mientras que madura su cuarto film Liverpool), reúne al protagonista de Los muertos, Argentino Vargas, con Misael Saavedra, el personaje de La libertad, en un fantasmal Teatro General San Martín de la Capital Federal. Ambos deambulan por el centro cultural, aunque algunas otras almas errantes interactúan conellos. No se encuentran, aunque Vargas puede haberse encontrado a sí mismo, al menos cuando llega a la sala Lugones de la cinemateca del teatro para ver el estreno de Los muertos. Aquí, el teatro San Martín es un laberinto, aunque para Vargas probablemente sea una versión metropolitana de la selva.

El diseño de sonido parece música concreta, y bien acompaña los coreográficos planos secuencia característicos del director. Fantasma es un verdadero ejemplo de minimalismo narrativo. Su influencia ostensible es Goodbye Dragon Inn de Tsai Ming Liang, aunque carece de la nostalgia de aquélla. En verdad, Alonso va más allá de la muerte del cine y del fin de un modo de ver películas.

Un misterioso y prolongado fundido en negro anuncia en el inicio un posicionamiento estético, acaso también un grito traducido en imágenes. Es posible que el sentimiento dominante aunque indemostrable de la tercera película de Alonso sea la rabia, y no la nostalgia. El cine de Alonso es un cine que en la Argentina solo lo ven los fantasmas.

Volver al futuro

Regresiones de un hombre muerto, EE.UU.-Alemania, 2005.
Dirigida por John Maybury. Escrita por Mair Tajedin.

* Tiene un rasgo redimible

Este film pretencioso y por momentos experimental es un síntoma estético y político que muestra cuán esteril es el cine mainstream del planeta Hollywood.

Una de las características salientes de la guerra del golfo, la primera excursión imperialista norteamericana al territorio iraquí (1991), al menos en materia cinematográfica, es la alteración de la memoria. Ya son muchas las películas que proponen la tesis de que modificar la percepción del pasado es una cuestión de neurobiología; los contenidos del cerebro son químicamente maleables, una fantasía recurrente.

Regresiones de un hombre muerto, título nacional de un filme que originalmente se llama Camisa de fuerza, inicia su trama en Irak, en la mismísima “Tormenta del desierto”. El sargento Jack Starks (Adrien Brody) ve a un niño entre los enemigos ya rendidos en un combate. Cuando va en su ayuda el pequeño responde a su compasión con un tiro, una decisión del guión no exenta de significado político. Jack casi muere. De regreso a Vermont, el veterano de guerra queda ligado a un asesinato mientras viaja haciendo dedo por la ruta. Minutos antes había conocido en la carretera a una mujer alcohólica y su hija, quienes tendrán un papel relevante en su futuro. Jack es bueno y no tiene suerte. El juez dictamina que el acusado es inocente, pues padece trastornos psicológicos propios de un ex combatiente. Por tanto, el confinamiento de Jack se cumple en un hospital psiquiátrico y no en una penitenciaría. Allí el Dr. Becker experimenta con neurolépticos, combinando la medicación prohibida con recurrentes “visitas” claustrofóbicas a un nicho de la morgue del hospital. ¿Qué pretende curar? El miedo, la violencia, dice. Pero lo que no sabe es que esta cámara funcionará como una máquina del tiempo. En efecto, Jack viaja del 1993 al 2007 con la fluidez que un físico postrado como Hawking puede trasladarse en su imaginación a minutos previos del Bing-Bang. Pero Jack no conjetura, viaja, literalmente, al futuro, y con ello puede cambiar la historia de quienes lo rodean.

Regresiones postula una metafísica pueril a la hora de examinar la irreversibilidad del tiempo y la fantasía muy humana de desear intervenir sobre la lógica de los acontecimientos, ni qué decir de su concepción reduccionista del psiquismo. Esto no es ni 12 Monos de Gilliam (menos La jetee de Marker), ni Donnie Darko de Kelly, películas que comparten el subtexto político y una misma inquietud filosófica, y que pueden resultar narrativamente complejas pero fascinantes.

Quizás la pereza intelectual del film quede neutralizada por su deliberado experimentalismo formal. En El amor es el diablo, John Maybury había logrado trasladar la concepción de la estética del pintor Francis Bacon a la composición del plano cinematográfico. Pero este acólito del legendario realizador inglés Derek Jarman, por más que use y abuse del montaje frenético, de los planos detalle más enrevesados y de efectos de sonidos sofisticados, no consigue dar consistencia narrativa a una película que tiene un muy buen elenco y una ambición filosófica ostensible. A Regresiones la redimen la entereza de Brody, la profesionalidad de Leigh, la belleza de Knightley, y el rostro curtido de Kristofferson, cuyas arrugas desconocen el sortilegio perverso del botox, otra pretensión absurda de alterar el paso del tiempo.

TODAS LAS CRÍTICAS HAN SIDO PUBLICADA EN EL DIARIO LA VOZ DEL INTERTIOR DE LA CIUDAD DE CÓRDOBA DURANTE LOS MESES DE OCTUBRE Y NOVIEMBRE DE 2006

COPYRYLEF 2000-20006/ ROGER ALAN KOZA

CINECLUB VILLA GIARDINO: NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2006

2006-11-01T12:47:00.000-03:00

EN EL TEATRO CINE GIARDINO

Domingo 5 de noviembre a las 20.30hs:
La vida continúa, de Abas Kiarostami, Irán, 1992.
92 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Chaplin Today: Claude Chabrol explica Monsieur Verdoux.

Esta obra maestra de 1992 realizada por Abbas Kiarostami utiliza actores no profesionales para reconstruir eventos reales. Acompañado por un niño, un director de cine de Teherán va con su auto a una región montañosa del norte de Irán, recientemente devastada por un terremoto que ha matado a más de 50.000 personas. De una aldea a otra, el director va en búsqueda de dos niños actores que aparecían en ¿Dónde está la casa de mi amigo? (una película de Kiarsotami de 1987), pero lo que encuentra allí es más misterioso e insondable: un sentimiento de reparo y en algunos casos, el sorprendente optimismo de la gente reconstruyendo sus vidas, los bellísimos paisajes, y los puntos de vistas alternativos y yuxtapuestos del director y su hijo. Una narrativa picaresca colmada de un profundo sentido de lugar y compuesta de largos planos secuencias impregnados de una cierta cualidad filosófica que pueden remitir a Jacques Tati, este cautivante retrato sobre lo que ocurre y no ocurre a la gente cuando debe confrontar un desastre natural obtuvo el premio Rossellini en el festival de Cannes en 1992, y es una de las mejores películas iraníes de todos los tiempos. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader)

Domingo 12 de noviembre a las 20.30hs:
Días de santiago, de Josué Méndez, Perú, 2004.
Duración: 80 minutos/No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Mis pies, de Matías Herrera Córdoba, Argentina, 2006.
La opera prima de Méndez es un hito en el cine peruano, del mismo modo que Pizza, birra y faso lo ha sido para el cine argentino. La historia de un joven que deja la milicia e intenta reinsertarse social y económicamente permite entender los efectos psíquicos e históricos del Perú tras años de gobierno de Fujimori. La comparación con Taxi driver de Scorsese puede parece exagerada, pues Días de Santiago no cuenta ni con De Niro, ni con las piruetas estéticas del realizador de El aviador, aunque ambas películas conciben al taxi como un punto privilegiado de observación de las patologías sociales y al taxista como ejemplo cristalino de una conciencia colectiva alienada. Una película intensa e inteligente que sobrepasa el contexto peruano, pues Santiago podría conducir su taxi tanto en las calles de Buenos Aires como en las avenidas de Bogotá. (Roger Koza, programador)

Domingo 19 de noviembre a las 20.30hs:
Rize, de David LaChapelle, EE.UU., 2005.
84 minutos / Apta para todo público
ESTA PELÍCULA SERÁ EXHIBIDA EN LA MISMA BIBLIOTECA LEOPOLDO LUGONES DE VILLA GIARDINO. LA ENTRADA EN ESTA FUNCIÓN SERÁ LIBRE Y GRATUITA.
Recientemente exhibida en el festival de Mar del Plata, la opera prima de David LaChapelle fue unos de los títulos vistos a sala llena. El rumor decía que Rize era un documental visceral y sorprendente sobre algunas compañías de baile callejeras de los suburbios de Los Angeles. Pero Rize es, esencialmente, otra cosa. Aquí la danza ritual funciona como un desplazamiento creativo de una postergación social infinita. Estos bailarines son los hijos de Martin Luther King y las víctimas sociales de una sociedad polarizada por la diferencia de clase (y racial). Si no bailaran, lógicamente, asesinarían. En efecto, la pista de baile es una zona de guerra, y estos danzarines eligen ritualizar el suplicio de sus miserias en una expresión estética en donde el mismo cuerpo es la protesta y sus movimientos veloces la conjura de una bronca justificada. Bailan para vivir y no matar. Antes de que empiece la película una nota del realizador advierte que todo lo que se verá en la película no ha sido alterado en su edición. La aclaración es válida, pues estas coreografías sustraídas de la indignación son tan vertiginosas y veloces que no parecen ser reales. Un montaje pertinente al promediar la hora de película establece una genealogía entre estos estilos suburbanos denominados Clowning y Krumping con los pasos ancestrales bailados por pretéritas tribus del África. El vocablo inglés african american adquiere aquí una significación inesperada no exenta de connotaciones antropológicas y políticas. (RK)

Domingo 26 de noviembre a las 20.30hs:
ABC Africa, de Abbas Kiarostami, Irán, 2001.
83 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje El día del estreno de Close Up, de Nanni Moretti, Italia, 1992.
La película más accesible de Kiarostami hasta la fecha, aunque algunos han huido debido a su tema (injustificadamente en mi opinión): miles de niños de Uganda que han quedado huérfanos por el SIDA. De hecho, la mayor parte de este documental del 2001 realizado en video digital se circunscribe a mostrar a estos niños cantando y bailando. Pero una breve escena en un hospital y algunas entrevistas nos informan sobre los hechos atroces que necesitamos saber, mientras que la segunda parte de la película va más allá del documental convencional para convertirse en la típica indagación filosófica propia de Kiarostami. Una escena que transcurre en total oscuridad remite a El sabor de la cereza y a El viento nos llevará, y otro set instalado en una casa en ruinas mientras llueve es tan agradable como cualquier escena de Y la vida continúa. Como la mayor parte de la obra madura del Kiarostami, este film se centra en tópicos que conciernen a la interacción entre un director de cine consagrado y la gente humilde, sin dejar de expresar admiración por la capacidad de resiliencia de quienes viven con muy poco. (JR)

Domingo 3 de diciembre a las 20.30hs:
El cameraman, con Búster Keaton, de Edward Sedgwick, EE.UU., 1928.
78 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje El regalo de Zapura, de Cristóbal Braun Mesples, Argentiuna, 2006.
Film de 1928 de Buster Keaton sobre los problemas y las cuestiones principales a la hora de hacer cine. Dirigido por Edward Sedwick, la película sigue las aventuras de Keaton mientras intenta llegar a ser un camarógrafo para la compañía de noticias Hearst, e incluye algunos de los mejores detalles sobre las técnicas y la psicología implicadas en el hecho de hacer películas vistas en una película. En muchos sentidos, el film resume la carrera entera de Keaton, y es una excelente pieza de compañía del otro film de Keaton sobre la naturaleza de las películas, Sherlock Jr. (Don Drucker, Chicago Reader)

Domingo 10 de diciembre a las 20.30hs:
Más allá de…, de Nicolas Roeg, Reino Unido-Australia, 1971.
90 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Trampas de la tarde, Maya Daren, EE.UU., 1943.
Esta obra maestra imperfecta, valga la paradoja, del realizador inglés Nicolas Roeg transcurre íntegramente en el desierto australiano, o, más precisamente en el territorio de los nativos de aquellas tierras quienes viven todavía en el tiempo del sueño. Cuando un niño y su hermana mayor se ven obligados a vagar por lo inhóspito del desierto, un joven aborigen (el maravilloso David Gulpilil) será quien los protege en una travesía no exenta de amenazas naturales y de aprendizajes culturales. Roeg utiliza el encuentro de dos culturas radicalmente opuestas para meditar sobre las diferencias y semejanzas entre la vida moderna y la vida “primitiva", aunque más allá del apunte sociológico el poder de este cuento intercultural yace en demostrar el misterio habitualmente no percibido de la comunicación humana. Hipnótica y atmosférica, Más allá de o Walkabout remite a ciertos pasajes míticos de La noche del cazador, y bien anticipa el cine de Mallick, en especial Días de gloria, La delgada línea roja y El nuevo mundo; un film único, de esos que no se olvidan, pues aquello que recuerda uno de los personajes en la última escena de la película es precisamente lo que ocurrirá con el espectador. Sí, una película-experiencia, una película cuyo impacto atraviesa el orden simbólico hasta alcanzar lo más primitivo de nuestra especie. (RK)

CINECLUB EN LA CUMBRE / PROGRAMACIÓN NOVIEMBRE Y DICIEMBRE 2006

2006-10-25T12:34:00.000-03:00

SALA LUIS BERTI, BELGRANO 470

Miércoles 1 de noviembre a las 20.30hs:
Zona libre, de Amos Gitai, Israel, 2005
Duración: 90 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Variedades a las 20.10hs: Trampas de la tarde, Maya Daren, EE.UU., 1943.
Amos Gitai es probablemente uno de los directores israelíes más reconocidos en Occidente. Su obra es despareja aunque siempre interesante, y cuenta con algunas películas importantes (Kippour, 1999, Kadosh, 2000). Zona libre se inicia con un plano secuencia de 10 minutos de duración en el que Natalie Portman (actriz israelí, a pesar de ser reconocida como la niña del film de Besson, El profesional, y también hollywoodizada como la reina de la República de la segunda trilogía de Star Wars) mira por la ventana mientras llora, se calma y no deja por ello de sentir una tristeza infinita. Mientras tanto se escucha un tema musical que contextualiza el dolor de su pérdida amorosa en un espacio sociopolítico destinado a un interminable conflicto entre dos pueblos: el palestino y el judío. La escena es sencillamente magistral, y como en muchas otras películas de Gitai, deja constancia de que el realizador posee un indiscutible dominio del medio (véase aquí los elegantes fundidos encadenados, por ejemplo). Lo que viene después es una meditación sobre la tensión política que define la vida de estos pueblos y su sospechoso interlocutor global, aquí representados por tres mujeres (palestina, judía y estadounidense) que emprenden un viaje no exento de riesgos y misterios. (Roger Koza)

Miércoles 8 de noviembre a las 20.30hs:

ABC Africa, de Abbas Kiarostami, Irán, 2001.
83 minutos / Apta para todo público.
Variedades a las 19.45hs: Kiarostami: el arte de vivir, de Fergus Daly, Australia, 2003.
La película más accesible de Kiarostami hasta la fecha, aunque algunos han huido debido a su tema (injustificadamente en mi opinión): miles de niños de Uganda que han quedado huérfanos por el SIDA. De hecho, la mayor parte de este documental del 2001 realizado en video digital se circunscribe a mostrar a estos niños cantando y bailando. Pero una breve escena en un hospital y algunas entrevistas nos informan sobre los hechos atroces que necesitamos saber, mientras que la segunda parte de la película va más allá del documental convencional para convertirse en la típica indagación filosófica propia de Kiarostami. Una escena que transcurre en total oscuridad remite a El sabor de la cereza y a El viento nos llevará, y otro set instalado en una casa en ruinas mientras llueve es tan agradable como cualquier escena de Y la vida continúa. Como la mayor parte de la obra madura del Kiarostami, este film se centra en tópicos que conciernen a la interacción entre un director de cine consagrado y la gente humilde, sin dejar de expresar admiración por la capacidad de resiliencia de quienes viven con muy poco. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader)

Miércoles 15 de noviembre a las 20.30hs:

La quimera de oro, de Charles Chaplin, EE.UU., 1925.
80 minutos / / Apta para todo público.
FUNCIÓN ESPECIAL DE CICLO DE CINE EXPERIMENTAL: 19.00hs: Padre e hijo, de Alexander Sokurov, Rusia, 2003.
La quimera de oro no necesita presentación. ¿Quién no recuerda a Charlot haciendo ballet con dos tenedores y dos panes? ¿Quién no se descompuso de risa en esa mítica secuencia en la que una casa en la nieve queda literalmente colgando de un precipicio? ¿Quién no se asombró de ver cómo dos hombres hambrientos se comían sus zapatos hervidos y sus cordones correspondientes transformados en fideos? Y por las mencionadas escenas y mucho más: ¿quién no querría ver nuevamente este film que nunca envejece sobre la fiebre del oro en Alalska , a principio de siglo XX, que como toda la obra de Chaplin es una radiografía del Capitalismo y los restos humanos de la ya triunfante revolución industrial? El hombrecito de Chaplin, su desterrado vagabundo no es otra cosa que el representante de los hombres vencidos. El humor chaplinesco como la última defensa y resistencia del desposeído. (RK)

Sobre Padre e Hijo: si bien este poema visual y sonoro no está a la altura de esa obra maestra conocida como Madre e hijo, este estudio difuso sobre la masculinidad en general y sobre el vínculo no exento de dilatado erotismo entre un padre y su hijo, ambos militares, permite conocer otra obra de unos de los directores más originales del cine contemporáneo. Si bien Sokurov prosigue con su obsesión manierista de destruir las tres dimensiones en el plano, Padre e hijo se destaca por la concepción heterodoxa de su banda de sonido y por una elección poco frecuente en el realizador de elegir el montaje como modelo de composición de los planos. Como siempre hay dos o tres pasajes visualmente deslumbrantes, y aunque es un film más narrativo que otros del director, la atmósfera mítica y onírica del relato impide una interpretación inmediata y definitiva sobre lo que ocurre en el plano. (RK)

Miércoles 22 de noviembre a las 20.30hs:
Factotum, de Bent Hamer, EE.UU.-Suecia, 2005.
94 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Variedades a las 20.20hs: La disciplina de HF, de Gus Van Sant, 1983.
Este nuevo acercamiento a la obra y vida de Bukowski es mucho más interesante que algunos esfuerzos precedentes, pues evita el cliché del escritor oscuro y destructivo, y concede mayor protagonismo a la propia historia de cómo se llega ser un hombre de letras. La escritura aquí no está divorciada del trabajo manual, y tampoco es dicho oficio el privilegio de una clase social determinada. Matt Dillon es Henry Chinaski alias Bukowski, y su trabajo excepcional probablemente esté más a tono con la personalidad del escritor que, por ejemplo, el Bukowski de Mickey Rourke. Factotum es el (auto)retrato de un artista cuyo humor e ironía no se traducen en cinismo, y es esa la gran sorpresa de esta comedia ligeramente sórdida dirigida por un realizador sueco sobre un escritor mítico de la cultura popular estadounidense. (RK)

Miércoles 29 de noviembre a las 20.30hs:
El sacrificio, de Andrei Tarkovski, Rusia, 1986.
144 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
FUNCIÓN ESPECIAL: 19.00hs: Parapalos, de Ana Poliak, Argentina, 2004.
La última película de Tarkovski, ya padeciendo de cáncer, es entre muchas cosas, una elegía y una despedida perteneciente a un artista profundamente religioso y un maestro indiscutible del medio. El primer y el penúltimo plano, en donde se enuncia a través de una parábola una tesis respecto de la fe y el acto necesario por parte del creyente para cumplirla, es además un tour de force: dos planos secuencias de 10 minutos, hasta ese entonces de los más extensos de la historia del cine, en donde Tarkovski enseña su concepción del espacio cinematográfico. Que el bergmaniano Erland Josephson interprete a Alexander, un académico retirado a punto de festejar su cumpleaños junto con algunos amigos en su casa de campo cuando una catástrofe atómica es anunciada por la televisión y altera el comportamiento de todos los personajes, no es solo un reconocimiento de la admiración del ruso por Bergman, sino también una filiación estética (además de que la magistral fotografía pertenece a Sven Nykvist, otro miembro del staff del director de Persona). Atmosférica y onírica, El sacrificio es intempestivo por su religiosidad, sinceridad y abstracta metafísica; lamentablemente, ya casi no se hacen películas como ésta, aunque nombres como Bela Tarr y Sharunas Bartas puedan indicar que esta concepción del cine no ha muerto. Tarkovski ya no está, pero en sus películas prevalece una idea del cine digna de preservar. “Esculpir en el tiempo”, extraña y precisa definición de cine, eso que hace Tarkovski en su sacrificio, en El sacrificio. (RK)

Sobre Parapalos: Esta película de Ana Poliak ganó varios premios entre ellos mejor película en la competencia del BAFICI en el 2004. Por alguna razón (desconocida) nunca se estrenó comercialmente en Argentina. Esta historia sobre un joven del interior que viene a la capital y consigue trabajo en un bowbling es un ejercicio sutil de observación micropolítica sobre el mundo laboral más cercano a la marginación y quienes lo habitan. La inteligencia formal de la realizadora de La fe del volcán, un film menos accesible que éste, queda en evidencia en un pasaje extraordinario en el que el personaje principal sueña con otra vida posible. Parapalos goza de una autenticidad incuestionable que se percibe en los diálogos, especialmente los que mantienen un parador de palos pseudo hippie y amante del comic Nippur con el joven protagonista. Hay algo milagroso en esta película de Poliak, hay algo que sobrepasa el artificio y que convierte al cine en un espejo de verdad. (RK)

Miércoles 6 de diciembre a las 20.30hs:
Más allá de…, de Nicolas Roeg, Reino Unido-Australia, 1971.
90 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
ESPECIAL: junto al cierre de ciclo, sorteos, y palabras de despedida habrá un breve concierto de música aborigen australiana a cargo de Damián Wundheiler.
Esta obra maestra imperfecta, valga la paradoja, del realizador inglés Nicolas Roeg transcurre íntegramente en el desierto australiano, o, más precisamente en el territorio de los nativos de aquellas tierras quienes viven todavía en el tiempo del sueño. Cuando un niño y su hermana mayor se ven obligados a vagar por lo inhóspito del desierto, un joven aborigen (el maravilloso David Gulpilil) será quien los protege en una travesía no exenta de amenazas naturales y de aprendizajes culturales. Roeg utiliza el encuentro de dos culturas radicalmente opuestas para meditar sobre las diferencias y semejanzas entre la vida moderna y la vida “primitiva", aunque más allá del apunte sociológico el poder de este cuento intercultural yace en demostrar el misterio habitualmente no percibido de la comunicación humana. Hipnótica y atmosférica, Más allá de o Walkabout remite a ciertos pasajes míticos de La noche del cazador, y bien anticipa el cine de Mallick, en especial Días de gloria, La delgada línea roja y El nuevo mundo; un film único, de esos que no se olvidan, pues aquello que recuerda uno de los personajes en la última escena de la película es precisamente lo que ocurrirá con el espectador. Sí, una película-experiencia, una película cuyo impacto atraviesa el orden simbólico hasta alcanzar lo más primitivo de nuestra especie. (RK)

Agradecemos especialmente a la Municipalidad de La Cumbre, a su intendente Carlos Engel y a la secretaria de turismo, Marcela Medo. También nuestro reconocimiento a Lucy Pravia, Viviana Ollua, Leo Menna y Carolina Araya por la ayuda constante en llevar adelante este emprendimiento cultural.

CINECLUB LA CUMBRE: OCTUBRE

2006-10-03T08:41:00.000-03:00

Miércoles 4 de octubre a las 20.30hs:
Papá, de Maurice Barthelemy, Francia, 2005.
80 minutos / Apta para todo público.
Variedades a las 20.25hs: Vincent, de Tim Burton, EE.UU., 1983.
Este road movie filial que recorre distintos puntos rurales de Francia es un viaje literalmente lineal al hogar, aunque lo que verdaderamente importa no es tanto el periplo sino la transformación espiritual de quienes están de viaje, un padre y su hijo pequeño. Elegante y elíptica, este film no exento de humor y de una sensibilidad exquisita, no deja de poseer un secreto, uno que se devela casi al concluir la travesía, y que coincide con la sanación de los personajes. Un film aparentemente menor, y con una interpretación evidentemente mayor: la de Alain Chabat como el padre. (Roger Koza)

Miércoles 11 de octubre a las 20.30hs:
Agua, de Deepa Mehta, India, 2005.
117 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Variedades a las 20.25hs: Vincent, de Tim Burton, EE.UU., 1983.
La tercera no fue la vencida. Agua es él ultimo film de la trilogía de los elementos (Fuego, 1996; Tierra, 1998), películas de resistencia política y feminista contra el poder teológico hindú todavía vigente en la India contemporánea, esencialmente falocrático (de hecho, un grupo de fundamentalistas hindúes quemó literalmente el set de filmación atrasando por un par de años la finalización del film). Aquí se trata de cuestionar el destino de las viudas (niñas, jóvenes o viejas), cuya única opción, si no han de aceptar perecer con el cónyuge difunto, es vivir condenadas al encierro comunitario, acaso como espíritus en penitencia eterna con la cuestionable esperanza de reencarnar en un cuerpo masculino o simplemente liberarse de la rueda del Karma. Cuando el esposo todavía desconocido de una niña de 8 años muere repentinamente, la pequeña es enviada a un ashram de viudas en la ciudad sagrada de Varanasi. Allí conoce a otras mujeres en circunstancias similares, simpatizando especialmente con una bellísima viuda que se enamora de un joven progresista. El film transcurre a mediados de la década del 30 del siglo XX, momento en el que el modernismo de Gandhi no solo repelía al imperialismo inglés sino también al fundamentalismo religioso imperante en la India. Mehta elige un tiempo pretérito, pero su denuncia todavía es pertinente para el presente: detrás del discurso religioso hay siempre un interés económico. Y si bien Agua tiene una agenda política clara, su propuesta cinematográfica, sin apelar a un sentimentalismo kitsch y un exotismo de exportación, no reniega ni del placer visual, ni evita escenas de legítima felicidad, que compensan el fondo dramático de su trama. (RK)

Miércoles 18 de octubre a las 20.30hs:
Las vacaciones del Señor Hulot, de Jacques Tati, Francia, 1953.
86 minutos / Apta para todo público.
FUNCIÓN ESPECIAL DE CICLO DE CINE EXPERIMENTAL: 19.00hs: La libertad, de Sharunas Bartas, Lituania, 2000.
Dice Bazin, a propósito de Hulot, una encarnación metafísica del desorden: “Su personaje afirma, contra la imbecilidad del mundo, una informalidad incorregible; él es la demostración de que lo imprevisto siempre puede sobrevivir y perturbar el orden de los imbéciles, transformando un neumático en una corona funeraria y un entierro en una placentera excursión”. Esta pieza de música concreta, al menos la concepción general del sonido del film así lo sugiere, es tá compuesta por un conjunto de gags y secuencias en donde un involuntario y travieso Hulot, siempre en secreta complicidad con los niños, va desbaratando el descanso de los turistas en una zona de vacaciones. Tati, aquí ya preanuncia una concepción compleja del cine, una que es fundamentalmente imagen y sonido, en donde el diálogo y lo narrativo pertenecen a un segundo plano, siendo además este film de 1953 un adelanto y un bosquejo de esa obra maestra llamada Playtime. (RK)

Sobre La libertad:
En una entrevista con Jean Michel Frodon, Bartas sentenció: “las palabras parasitan las imágenes”. En efecto, el cine de Bartas es sonido e imagen, también silencio, oscuridad y luz, desprovisto de diálogos, sin un fin narrativo específico, acaso una propuesta sensorial y negativamente mística. El cine de Bartas también como testimonio del pesimismo poscomunista del Este, lejos del consuelo de la igualdad entre los hombres y de la ya desencantada promesa de una nueva libertad. Este filme del 2000 sobre unos traficantes varados en la costa occidental de Marruecos, tras un fallido viaje ilegal en el mar, condensa el estilo minimalista de su obra. Predominio de planos generales, ocasionales primeros planos de rostros entristecidos y curtidos, una compleja noción y utilización del sonido aplicado al fuera de campo, y una cámara fija que espera por el movimiento en el plano. El mar y el desierto, esos espacios más allá de lo civilizatorio, definen, paradójicamente, el título da la película, pues si los hombres no se igualan a las gaviotas, los cangrejos, las moscas, las lagartijas, es decir en la medida que no reduzcan la conciencia humana a una condición esencialmente animal, habrá sufrimiento. El fin del nihilismo es el fin del hombre, o dicho de otro modo: las palabras parasitan la libertad”. (RK).

Agradecemos por la copia del film de Bartas al Sr. Juan José Gorrasurreta, Cineclub La Quimera y los chicos del cineclub El avispón verde.

Miércoles 25 de octubre a las 20.30hs:
Las amargas lágrimas de Petra Kant, de Raine W. Fassbinder, Alemania, 1972., Francia, 1967.
125 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
FUNCIÓN ESPECIAL: 18.30HS: La ley del más fuerte, de Rainer W. Fassbinder, Alemania, 1975.
Un triángulo amoroso lésbico que se convierte en un esquema sexual de poder es el tema de la película más estilizada y significativa de Rainer Werner Fassbinder. La acción se circunscribe a un solo set, el departamento de una diseñadora de moda, Margit Carstenses, cuyo hogar está decorado con maniquíes disecados y una pintura significativamente extraña, en donde los tres personajes (uno de ellos mudo) se intrigan, se cuestionan y se intentan seducir. (Dave Kehr, Chicago Reader)
Sobre: La ley del más fuerte: Fassbinder, en su único papel protagónico en una de sus películas, interpreta a Fox, un reciente desempleado. Trabajando dentro del marco del melodrama hollywoodense (aunque la película está parcialmente basada en una idea de sus entonces amante Armin Meier, a quien el film está dedicado), un evento impredecible como ganar la lotería termina siendo la devastación de Fox, una vez que es elegido y sistemáticamente explotado por un grupo de homosexuales de clase media con problemas financieros. La película es notable por su entonces controversial aunque ahora revelador retrato de las relaciones entre gays, mostrando la semejanza con los vínculos amorosos heterosexuales, además de la interpretación convincente y magistral de Fassbinder como Fox, un hombre sin suerte (Joe Ruffell, Senses of Cinema)

CINECLUB V.GIARDINO: SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2006

2006-09-09T11:58:00.000-03:00

EN EL CINE TEATRO GIARDINO

Domingo 10 de septiembre a las 20.00hs:
La toma, de Avis Lewis, Canadá, 2004
87 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Hasta la victoria siempre, de Santiago Alvarez, Cuba, 1967.
La opera prima de Avis Lewis, escrita por su mujer Naomi Klein, autora del best-seller antiglobalización No logo, es menos agudo e intelectualmente poderoso que aquel libro pero posee la virtud de sintetizarlo e incluso insinuar un concreto pasaje a la acción capaz de contrarrestar la injusticia y “natural” evolución del Capitalismo. Por supuesto, el programa de acción que se ve en La Toma no es suficiente mas constituye un inicio. El punto de partida es el proceso por el cual una gran cantidad de obreros argentinos, perplejos y desesperanzados tras el cierre de cientos de fábricas, deciden tomarlas para recuperarlas demostrando que todavía son productivas. Si bien hay más de 200 casos en el país, Lewis muestra con detenimiento la historia de Forja San Martín, sin dejar de atender ejemplos paradigmáticos como el de las empresas Zanon y Bruckner. Como Lewis y Klein lo señalan, el camino tomado por los obreros bien puede ser catalogado como robo, aunque como insisten los protagonistas el procedimiento elegido podría significarse de otro modo: expropiación. Lo que está en juego es el viejo concepto marxista sobre el control de los medios de producción, y, por extensión, se predica una crítica sobre el concepto mismo de propiedad privada. Argentina, símbolo de los noventa de la política económica dictada por el FMI, como se sabe, llegó a ser paradójicamente la refutación más acabada de tal concepción ante el colapso de fines del 2001. Este es el contexto del film, aunque Lewis vincula tales acontecimientos con el zeitgeist político planetario de principio del milenio: la resistencia contra la globalización, ese impreciso y difuso movimiento que va más allá de la lucha de clases. La toma es, como la propia Klein sostiene en algún pasaje del making of de la película, un poco candorosa si se analiza el panorama político contemporáneo. Sin embargo, su autenticidad es inobjetable y su poder inspirador es incuestionable. Conmovedora y necesaria, La toma es una excelente introducción para radicalizar la imperfecta aunque loable invención griega conocida como democracia. (Roger Koza, programador)

Domingo 17 de septiembre a las 20.00hs:
Playtime, de Jacques Tati, Francia, 1967.
125 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje La disciplina de HF, de
Gus Van Sant, 1983.
Mi película favorita de todos los tiempos, esta comedia francesa de 1967 del director y actor Jacques Tati casi con certeza ostenta la puesta en escena más intrincada de la totalidad del cine. Esta versión restaurada, con sus cuatro canales de sonido DTS, expande las posibilidades de perderse en los planos de Tati para luego nuevamente reencontrarse. Su visión de Paris construida en estudio se inicia durante el día, una ciudad enloquecedora, regimentadas por líneas derechas y ángulos rectos hasta llegar a la noche en donde giros accidentales aunque celebratorios permiten que la gente pueda instintivamente encontrarse. El punto más alto es una extraordinaria secuencia, situada en un restaurante que paulatinamente se desintegra, que dura casi la mita del film: una vez que un par de músicos empiezan a actuar, la mirada del espectador sigue inevitablemente a los clientes en una especie de danza improvisada, recolectando y yuxtaponiendo detalles y situaciones cómicas y simultáneas. Los años pasan y la película todavía me enseña a entender específicamente cómo vivir en las ciudades, cómo comprender conjuntos de signos visuales y auditivos disconexos aquí orquestados y agrupados cómicamente. En este paisaje de alienación cualquiera es un turista, pero Tati sugiere que una vez que nos podemos encontrar unos con otros, nos pertenecemos. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader).

Domingo 24 de septiembre a las 20.00hs:
¿Dónde está la casa de mi amigo?, de Abbas Kiarostami, Irán, 1987.
83 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará el mediometraje El arte de vivir: Kiarostami, de Fergus Daly, Australia, 2005.
Es posible y no se exagera al decir que Abbas Kiarostami, quien ha estado haciendo películas en Irán por más de tres décadas, es el más grande de los cineastas vivos en la actualidad. El problema no es que sus películas sean esotéricas, simplemente son diferentes a la que se hacen en el mundo occidental, incluso en Irán, en el modo en que están construidas (no suele haber un guión que las vertebre y en la mayoría de los casos no cuentan con actores profesionales), en el modo en el que interpelan a la audiencia, y en lo que Kiarostami incluye y excluye de la narración. ¿Dónde está la casa de mi amigo? De 1987, una de sus obras más populares en Irán, es una suerte de épica en miniatura, acerca de un niño que intenta devolverle el cuaderno de clase a uno de sus compañeros de división. Debido a que está indirectamente vinculada a La vida continúa (1992) y a Detrás de los olivos (1994), ambas rodadas en la misma región del norte de Irán, este film es parte de una constante meditación sobre los paisajes singulares de Koker y el modo en que la gente común vive allí; se trata también de una búsqueda obsesiva que puede ser vista también como una fábula; un tipo de indagación condensada que formula más preguntas que respuestas; y es también un poema cómico y cósmico. Finalmente, ¿Dónde está la casa de mi amigo? es un film sobre el descubrimiento y la devoción que habita en el mundo. (JR)

Domingo 1 de octubre a las 20.00hs:
Lunes a la mañana, de Otar Iosseliani, Francia, 2002.
122 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará cortometraje Copyshop, de Virgil Widrich, Austria, 2001.
Esta obra maestra del realizador georgiano, un legítimo heredero de Jacques Tati y de Jean Renoir, puede ser cómica y dramática al mismo tiempo, y si este film funciona como una crítica impía al mundo del trabajo es también un llamado a la excentricidad y a la libertad. Planos secuencia formidables y una elaborada concepción de la banda sonora, componen el derrotero de un hombre que trabaja en una fábrica de químicos hasta que un día sin planificación alguna se va a viajar por el mundo (no como turista), principalmente Venecia. Mientras tanto, sus hijos, su madre, vecinos, amigos y esposa prosiguen con sus vidas, cada uno siguiendo sus propias tareas monótonas como sus deseos libertarios. El último plano de la película es un dictamen, y el conjunto de situaciones reconocibles aunque delirantes que constituyen este coreográfico relato coral operan como un gran argumento, uno que queda impugnado por ese plano general, tan lúcido como temible. (RK)

Domingo 8 de octubre a las 20.00hs:
Hermanos, Susanne Bier, Dinamarca, 2005.
110 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Noche de elecciones, de Anders Thomas Jensen, Dinamarca, 1998.
Es evidente, al menos por la cinematografía reciente, que no todo está bien en Dinamarca. Aquella sociedad (in)felizmente decadente de la que se reía, ironizaba y criticaba Los idiotas de Lars von Trier puede sentirse en cada película proveniente del país de Kierkegaard. El relato aquí se circunscribe a los derroteros de una familia atravesada por acontecimientos inesperados que desestabiliza el orden familiar (y burgués). No obstante, Hermanos es un film con dos agendas simultáneas y yuxtapuestas: la primera, ofrecer un relato de la institución familiar correspondiente a la clase media. En segundo lugar, postular los efectos colaterales de las intervenciones armadas en el extranjero por parte de las potencias occidentales. Como es frecuente en el cine danés, las interpretaciones son descollantes. La dirección de Susanne Bier opta por un registro poético allí en donde un realizador masculino hubiera quizás adoptado un tono netamente trágico. Finalmente, el humanismo raso de Hermanos se impone como verosímil, pues evita tanto la catarsis como la sensiblería en pos de explorar la contingencia de la identidad y la labilidad de los vínculos. (RK)

Domingo 15 de octubre a las 20.00hs:
Rize, de David LaChapelle, EE.UU., 2005.
84 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje El hombre sin cabeza, de Juan Solanas, Francia, 2003.
Recientemente exhibida en el festival de Mar del Plata, la opera prima de David LaChapelle fue unos de los títulos vistos a sala llena. El rumor decía que Rize era un documental visceral y sorprendente sobre algunas compañías de baile callejeras de los suburbios de Los Angeles. Pero Rize es, esencialmente, otra cosa. Aquí la danza ritual funciona como un desplazamiento creativo de una postergación social infinita. Estos bailarines son los hijos de Martin Luther King y las víctimas sociales de una sociedad polarizada por la diferencia de clase (y racial). Si no bailaran, lógicamente, asesinarían. En efecto, la pista de baile es una zona de guerra, y estos danzarines eligen ritualizar el suplicio de sus miserias en una expresión estética en donde el mismo cuerpo es la protesta y sus movimientos veloces la conjura de una bronca justificada. Bailan para vivir y no matar. Antes de que empiece la película una nota del realizador advierte que todo lo que se verá en la película no ha sido alterado en su edición. La aclaración es válida, pues estas coreografías sustraídas de la indignación son tan vertiginosas y veloces que no parecen ser reales. Un montaje pertinente al promediar la hora de película establece una genealogía entre estos estilos suburbanos denominados Clowning y Krumping con los pasos ancestrales bailados por pretéritas tribus del África. El vocablo inglés african american adquiere aquí una significación inesperada no exenta de connotaciones antropológicas y políticas. (RK)

Domingo 22 de octubre a las 20.00hs:
Monsieur Verdoux, de Charles Chaplin, EE.UU., 1947.
119 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Vincent, de Tim Burton, EE.UU., 1984.
Una película de elegancia serena y de una aguda crítica, la obra maestra de Charles Chaplin fue recibida en su estreno con una violenta hostilidad, y contribuyó fuertemente a su exilio político en los '50. Chaplin dejó por un rato su personaje de Charlot o el vagabundo (the tramp) interpretando entonces a un delicado caballero francés que sostiene económicamente a sus amados hijos e inválida esposa casándose con viudas ricas para posteriormente asesinarlas. La moraleja –“si la guerra es la extensión lógica de la diplomacia, pues entonces el asesinato es la extensión lógica de los negocios" tiene un tono de dureza e ingenio Brechtiano, aunque el estilo es suave, seductor, elegíaco. Evidentemente Chaplin ama al monstruo que ha creado, y cuando el andar de Charlot reaparece por un instante mientras Verdoux se encamina al patíbulo, vemos la muerte bajo un sonriente rostro humano. (Dave Kehr, Chicago Reader)

Domingo 29 de octubre a las 20.00hs:
La vida continúa, de Abas Kiarostami, Irán, 1992.
92 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Chaplin Today: Claude Chabrol explica Monsieur Verdoux.
Esta obra maestra de 1992 realizada por Abbas Kiarostami utiliza actores no profesionales para reconstruir eventos reales. Acompañado por un niño, un director de cine de Teherán va con su auto a una región montañosa del norte de Irán, recientemente devastada por un terremoto que ha matado a más de 50.000 personas. De una aldea a otra, el director va en búsqueda de dos niños actores que aparecían en ¿Dónde está la casa de mi amigo? (una película de Kiarsotami de 1987), pero lo que encuentra allí es más misterioso e insondable: un sentimiento de reparo y en algunos casos, el sorprendente optimismo de la gente reconstruyendo sus vidas, los bellísimos paisajes, y los puntos de vistas alternativos y yuxtapuestos del director y su hijo. Una narrativa picaresca colmada de un pr
ofundo sentido de lugar y compuesta de largos planos secuencias impregnados de una cierta cualidad filosófica que pueden remitir a Jacques Tati, este cautivante retrato sobre lo que ocurre y no ocurre a la gente cuando debe confrontar un desastre natural obtuvo el premio Rossellini en el festival de Cannes en 1992, y es una de las mejores películas iraníes de todos los tiempos. (JR)

ALGUNOS ESTRENOS DE AGOSTO 2006

2006-09-05T16:09:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valor

por Roger A. Koza.

La sabiduría a 52 millas de distancia

La búsqueda, EE.UU., 2006.
Dirigida por Wim Wenders. Escrita por Sam Shepard.
* Tiene un rasgo redimible

La última película de Wenders utiliza y no ahonda el mito cinematográfico clásico por excelencia de la tradición del cine estadounidense, la relación entre el padre y el hijo, aunque su imperfección constatable no disminuye la belleza de sus imágenes.

Dice a propósito de Wenders, el lúcido Serge Daney: “Existe también el placer de recibir un film como si fuera una carta. La estampilla –llamemos a esto el “estilo”- no está allí más que para dar fe de que el autor de la carta es nuestro contemporáneo”. Se estrena un film de Wenders, y uno entonces tiene la esperanza de abrir la carta y dar con quien fue responsable de Alicia en las ciudades y Las alas del deseo , por citar ejemplos notables. La estampilla, al decir de Daney, se reconoce desde un inicio. El ojo de Wenders es prodigioso, y el primer plano del filme ya denota ese placer que la tradición del Western supo extraer del Oeste como concepto de lo infinito, o el paisaje metafísico previo a la civilización y sus leyes. Hay esperanza en esa primera escena que remite al universo visual de John Ford.

La búsqueda, bautismo vernáculo de quienes distribuyen este filme cuyo título original es Don’t Come Knocking , a propósito de un tema musical que se escucha en la película, promete mucho en sus primeros 20 minutos de metraje. Pero lo que parece un regreso al universo melancólico y lírico de París, Texas queda interrumpido por una narración desalineada acerca de un viaje mítico (o un escape) de un célebre actor de westerns en busca de sus orígenes y sus descendientes, itinerario que finaliza ante una señalización misteriosa: una milla para Dividido; 52 millas para La Sabiduría.

El escritor Sam Shepard, aquí responsable como también hace más de veinte años del guión de París, Texas, interpreta a este hombre Marlboro, Howard Spence, que un buen día se manda a mudar en plena filmación de un western, Fantasma del Oeste . Se va a caballo, luego en tren, después en coche. El primer destino es visitar a su madre (Eva Marie Saint), a quien no ve hace 30 años. Allí se entera de que tiene un hijo, consecuencia de un amor pretérito durante una filmación en Montana. Y mientras que un investigador de seguros (Tim Roth), contratado por la compañía de la película de la que se ha fugado, le sigue sus pasos, el cowboy solitario va al encuentro de su primogénito, aunque habrá más sorpresas en materia de linaje.

Visualmente admirable, La búsqueda se impone si uno deja de tomar en serio su historia y se concentra en sus encuadres. Véase, por ejemplo, el contraste en el cielo de Elko y su casino iluminado, una panorámica que bien sintetiza la tensión entre naturaleza y cultura, una elección estética propia de Wenders. El efecto de extrañamiento que obtiene en toda la escena dentro del casino es de lo mejor de la película, efecto que se repite cuando Howard queda a la espera de su hijo sentado en un sofá en el medio de la calle. La búsqueda es una película que estimula el placer de mirar.

Llegó otra carta de Wenders, llegó su última película. No es el Wenders de antaño, pero su cámara sigue viva, y alcanza para recordar que hubo un tiempo en el que las imágenes desconocían los efectos especiales. A eso se le llamaba cine, aunque la sabiduría todavía esté lejos.

Los números y el alma

La prueba, EE.UU., 2005
Dirigida por John Madden. Escrita por David Auburn y Rebecca Miller.
* Tiene un rasgo redimible

La nueva película de Madden es más bien una obra de teatro filmada con pocas ideas cinematográficas, pero alcanza para sentirse menos infantil en un multiplex mientras se ve una película.

Desde la fundación de la academia platónica, hace ya casi dos milenios y medio, los números han sido una cuestión propia del alma. Quien estaba dispuesto a conocerse a si mismo, al menos para Platón y sus discípulos, tenía que saber geometría, una admisión intempestiva para quien posea hoy alguna pretensión esotérica. Probablemente, al director de la sobrevaluada Shakeaspeare enamorado le importe poco la prehistoria de las matemáticas y su conexión con el conocimiento interior, pero su película, La prueba, bien establece el lazo entre el dígito y el espíritu.

Basada en una exitosa pieza teatral de título homónimo, La prueba , cuyo guión fue escrito por el propio autor de la obra, David Auburn, con la ayuda de Rebecca Miller, se inicia con una escena típicamente freudiana, acaso el mejor pasaje del filme. Un padre dialoga con su hija de 27 años (Anthony Hopkings y Gwyneth Paltrow) en el día de su cumpleaños sobre la locura. ¿Puede un loco reconocer su locura? Consciente o no, su hija no puede entender cómo su padre, un matemático consagrado, es capaz de argumentar respecto de un padecimiento que no le es ajeno. Catherine, también matemática, cuida de su padre enloquecido hace años. ¿Es un sueño? ¿Está delirando?

El centro narrativo de la película de Madden, la X a resolver, se predica de examinar si Catherine ha heredado el genio matemático de su padre o la propensión al desvarío mental. O quizás ambas tendencias. “Hasta tu depresión es matemática”, le dice en algún momento su padre. Tras la muerte del padre, quienes están allí para juzgar la normalidad de la heroína son su hermana Claire (la excelente Hope Davis) y un joven discípulo del padre, quizás pretendiente, Harold (Jake Gyllenhaal, más cerca de su papel en Cielo de Octubre que de Secretos en la montaña). Una tesis revolucionaria sobre los números primos habrá de ser la evidencia más confiable para probar la sanidad de Catherine, o en su defecto, la de su padre, aunque quienes tienen que determinarlo no estén del todo en su sano juicio. En efecto, el mismo comportamiento obsesivo de Claire es una toda una objeción respecto del siempre sospechoso concepto de normalidad.

Más teatral que cinematográfica, La prueba, es una de las tantas películas sobre gente inteligente que es menos inteligente que sus criaturas. Mucho se dice, poco se muestra, y el ostensible compromiso de sus intérpretes no se cristaliza en una película rigurosa, pues Madden no confía en las imágenes como portadoras de significado y debe valerse entonces en el subrayado del texto, frecuentemente apoyado por una omnipresente banda de sonido. Sin embargo, el noble material de este drama abstracto, cuyas únicas referencias al contexto social son comparar la paranoia de Catherine con el control de pasajeros en los aeropuertos y la superioridad del café de Nueva York respecto al de Chicago, compensa su poco ingenio cinematográfico. Después de todo, esta es una película sobre individuos y no superhéroes, un honesto aunque limitado intento de esclarecer la madeja del pensamiento.

OTROS ESTRENOS

Cándido López: los campos de batalla, Argentina, 2005.
Escrita y dirigida por José Luis García.
*** Hay que verla
“Hubo una vez en Sudamérica. Cuando los límites entre los países eran aun imprecisos. Una guerra que apenas figura en los libros de historia”. El consistente y necesario film de José Luis García materializa en imágenes lo que el historiador Tulio Halperín Donghi denomina el orden poscolonial, es decir el período histórico en donde se constituyeron los Estados-Naciones del Sur de América Latina a mediados del siglo XIX. Y el medio de reconstrucción del tiempo pretérito es la pintura de Cándido López, el artista y militar manco que a través de sus cuadros registró la sangrienta guerra contra el Paraguay perpetrada por la Triple Alianza. García parece entender su película como un viaje exploratorio, aunque más apropiado sería pensar a Cándido López como un trabajo de arqueología simbólica. En efecto, en su periplo el joven realizador espiga entre los desechos de la historia y encuentra que el pasado todavía proyecta su herencia en el presente. El imperialismo, la deuda externa, los efectos del vetusto orden poscolonial siguen vigentes, cuyo ejemplo más evidente es la proscripción del guaraní como lengua oficial del Paraguay, medida tomada tras la derrota en 1870, cuya validez caducó en 1992, más de ciento veinte años después. Si los combatientes carecen de ojos en los cuadros de Cándido López, y solo los muertos tiene el derecho a poseer un rostro y una mirada, García les presta al espectador unos lentes poderosos para escrutar la historia que poco se sabe aunque muy a menudo se repite.

Paradise Now, Palestina, 2005.
Escrita y dirigida por Hany Abu Assad.
*** Hay que verla
En el pasado festival internacional de cine de Hamburgo escuché declarar a Assad que la película que más le había emocionado como director era Rosetta, de los hermanos Dardenne. Inmediatamente me propuse ver su película sobre dos jóvenes palestinos que deciden inmolarse para luchar por la libertad de su pueblo oprimido. El resultado fue más que satisfactorio, pues el film de Assad no sólo es un efectivo thriller político, menos sangriento que Munich aunque tan humanista como el film de Spielberg, sino que además es un retrato y una genealogía de la intimidad del “terrorista” palestino, cuyo desesperado fanatismo se predica de una vida humillada e injusta, desprovista de todo rasgo de dignidad humana. Como Munich, Paradise Now en el paraíso no se llevó ningún Oscar, lo que habla a favor suyo. El último plano del film es el rostro del Otro, ese Otro que el filósofo judío Levinas ha acuñado para sobrepasar el odio irracional.

Mi verano de amor, de , Reino Unido, 2005.
Dirigida y escrita por Pawel Pawlkovski
** Válida de ver
Esta bellísima e inteligente película ha sido vendida como la versión inglesa y feminista de El secreto de la montaña. Quizás. No se trata del amor entre cowboys sino entre dos mujeres jóvenes en un medio rural inglés en donde la vida social está regulada por una ética conservadora y una existencia anodina. Pero el film del polaco Pawlkovski es en verdad otra cosa: un estudio minucioso de cómo se obtiene la maduración psíquica y la autoestima en el complejo pasaje de la adolescencia a la vida adulta, y cómo ello no es ajeno a la pertenencia de clase.

Copyleft 2000-2006/Roger Alan Koza

* Tanto la crítica del film de Wenders como el de Madden fueron publicadas durante el mes de agosto por el diario La Voz del Interior de la ciudad de Córdoba.

TE DOY MIS OJOS: EL PÚBLICO, LA CRÍTICA Y EL CINE

2006-08-28T11:58:00.000-03:00

Por Roger Alan Koza

Un amigo mío llevó irreflexivamente a su hijo a ver Bañeros 3. Me comenta que se durmió pero que su hijo, al menos cuando él estaba despierto, se reía durante la película. Discutimos sobre la mistificación del cine popular en manos de este producto, de su retórica reaccionaria disfrazada de entretenimiento familiar. Días después, mi amigo me llama para contarme una declaración de su hijo. Sin ser inducido por su padre, el niño vio en DVD El cameraman, con Búster Keaton. Y sentenció: “Papá, ésta está mucho mejor que la de los bañeros”.

La anécdota puede ser la prueba de una tesis, el indicio de que el film de Ledo, efectivamente, sobrestima (y desprecia) la inteligencia popular. Pero en verdad, va más allá de ese caso particular. En efecto, el caso mencionado sirve para descifrar la brecha entre los criterios de los críticos cinematográficos y el gusto del público.

Hace un mes atrás el crítico del New York Times, A.O. Scott intentaba pensar esa distancia cada vez mayor entre quienes escriben sobre películas y quienes asisten a verlas, y procuraba explicar y justificar el oficio del crítico. El crítico, decía, trabaja para el espectador, e intenta resguardar para él o ella una concepción del cine entendido como arte, sin negar desde ya su incuestionable costado de entretenimiento popular. Scott no es, precisamente, un crítico radical, alguien capaz de defender un film de Kiarostami a expensas de uno de Scorsese, pero en su artículo bien delimita el problema.

Partamos de esta afirmación de un exponente excelso de esa tradición literaria menor denominada crítica cinematográfica, Siegfried Kracauer: “Un buen crítico sólo puede ser concebido como un crítico de la sociedad”. La afirmación puede parecer exagerada, pues muchos críticos cinematográficos limitan su análisis al placer que le proporciona una película determinada. El gusto del crítico es uno de los tantos criterios a la hora de ejercer el oficio pero no es ni el único, ni el definitorio. Ver una película para juzgar si ésta coincide o no con el gusto de quien escribe es convertir el trabajo del crítico en mero narcisismo ilustrado. Un crítico, más que nadie, debería interpelar su gusto, ampliarlo, cuestionarlo, pues para aprender sobre una película se debe saber que el gusto es proclive al cambio. De lo que predica una función de la crítica: suministrar conceptos pertinentes para la constitución del juicio (estético) del lector y posible espectador, que le permita expandir su gusto. El límite del placer es proporcional al límite respecto de la capacidad de ver.

Pero ¿qué podemos ver? ¿Hay acaso un hilo secreto entre lo que se puede ver y lo que gusta? Un crítico deberías saber: lo que se puede ver regularmente en una sala de estrenos semanales corresponde a un 30% de lo que se puede ver del cine que se realiza en el mundo. Un crítico debería dejar constancia de que existe otro cine fuera de Hollywood. Un crítico, además, debería reconocer que, cuando él redacta su análisis, su mirada está influenciada por una cantidad de películas que el público no ha tenido acceso, y que por tanto habrá de juzgar una película bajo un parámetro comparativo desconocido por muchos de sus lectores.

Pero la descripción anterior corresponde a un crítico ideal, acaso perteneciente a una minoría. Muchos colegas tampoco tienen el privilegio de ver películas fuera del canon que consagra anualmente el mercado, y que Hollywood celebra en su festín obsceno de la noche de los Oscar. En efecto, existe un anónimo pero omnipresente seleccionador que va paulatinamente confeccionando un espectador y también un tipo de crítico, un dictador difuso que impone sus reglas sobre qué es el cine, el placer, la denuncia, la reconstrucción histórica, el amor en la pantalla. Su aforismo predilecto es “lo que el público quiere ver”; su método pedagógico la repetición publicitaria; su triunfo comercial puede verificarse en la irrefutable prueba empírica de que su preferencia es la de todos: los números de taquilla así lo confirman. Sí, nuestro gusto es el gusto diseñado por la lógica del mercado, ese juego perverso y dominante en el que se inventa una necesidad y un placer en el nombre de la libertad del consumidor, del espectador (o el crítico) que supuestamente elige lo que quiere ver. En efecto, si el cine fuera un supermercado de alimentos la oferta se reduciría a alimentos saturados en grasas con escaso valor nutritivo. Todo lo que se puede adquirir en ese gran mercado del cine, lo que hoy se puede ver en una sala, equivale a una dieta monocorde de embutidos, carne picada y alguna ingesta ocasional de proteínas ligeramente saludables. En ese sentido, no debe sorprender que el negocio de las cadenas de exhibición cinematográfica sea, precisamente, la venta de comida chatarra. Hay un misterioso correlato ideológico entre el fast-food y el cine devenido en espectáculo de masas. La ideología siempre está expuesta.

Y es peligroso, también, glorificar el asentimiento masivo de un film como dato que explica su calidad, su verdad estética, aquello que responde al deseo colectivo sobre qué cine se quiere ver. Los números no son un argumento. La verdad (estética) no es una cuestión de consenso. Si hay algún momento rescatable en Manderlay, segundo film de la trilogía sobre Estados Unidos en manos del provocador profesional conocido como Lars von Trier, es el pasaje en donde su angelical protagonista les regala la democracia a los ya negros libres, ayer esclavos, ahora listos para deliberar el destino de su pueblo. La primera gran decisión tomada en conjunto consiste en linchar a un traidor, miembro de la misma comunidad. Dicho de otro modo: las miles de entradas pagadas para ver un film como Bañeros 3 no significa que la verdad pertenece a la mayoría, que si el público responde es porque solamente gusta, y que ese es el cine que se quiere ver. La respuesta masiva es un síntoma de otra cosa: ello denota un momento histórico cultural en el que la experiencia de pueblo se disuelve en la de masa, y ésta como tal implica un debilitamiento de las facultades racionales del individuo, quien carece de una protección y reacción intelectual capaz de hacer frente al poder ominoso y eficaz de la publicidad. Si el cine es una industria de entretenimiento masivo, la publicidad constituye a fuerza de repetición un deseo masivo de consumo. Es un círculo irrespirable aunque admirable en su funcionamiento. ¿Cómo liberar entonces el deseo? ¿Cómo retomar la identidad obnubilada bajo la seducción del marketing? ¿Cómo conocer lo desconocido?

Un crítico de cine, entonces, podría ejercer un rol específico: devenir en crítico social, si se entiende por crítica el acto de desenmascarar qué se dice con una película y desde dónde se enuncia aquello que se dice y muestra, sin dejar de advertir, desde ya, de qué forma un director elige construir las escenas que conforman su película. ¿Por qué en Luna de Avellaneda, por ejemplo, el personaje de Darín jamás cruza el riachuelo para buscar a la niña de clase obrera que aprende danza en el club al que él pertenece? En la próxima película de Oliver Stone sobre los atentados de las torres gemelas, los dos héroes del relato son netamente estadounidenses, aunque las 2.749 personas asesinadas el 11 de septiembre pertenecían a 87 países distintos; una tragedia humana travestida en tragedia nacional. Y ¿por qué la iconografía dominante en el regreso de Superman remite a un cristianismo mesiánico? Curiosa coincidencia respecto de la retórica política de un país, cuyo universo simbólico evoca inescrupulosamente a las cruzadas medievales. Las películas son síntomas del mundo, fantasías colectivas o expresiones de un imaginario social definido. Un crítico debería hacer un esfuerzo por leer el inconsciente de las películas, hacer hablar lo que ellas muestran sesgadamente.

Por eso quien escribe crítica cinematográfica debería tener en cuenta aquellas películas que aportan otras miradas, otros discursos, otros modos de estar en el mundo. A veces son películas que se ven en festivales, y que darles visibilidad en la discusión pública puede significar su posible estreno comercial. Hay que defender las buenas películas, pues de que éstas puedan ser vistas depende de que se forme un buen público. Y es allí que un crítico puede ser el centinela y testigo de que hay algo valioso que el mercado execra por una supuesta rentabilidad deficitaria. ¿Quién sino el crítico puede anunciar y enunciar la importancia de una película desconocida, una capaz de transmitir otra mirada sobre cómo vivimos, resistimos, creamos, amamos? No se trata de devenir en un especialista que pontifica desde las alturas de un suplemento cultural o desde una cátedra para pocos. Se trata más bien en convertirse en un intercesor entre aquellas obras artísticas, populares o de vanguardia, que todavía no encuentran su lugar de exhibición, y su público, propenso a elegir como propio algo que se le impone. Un crítico intercesor escribe sobre películas fantasmas, películas intempestivas aunque necesarias para visualizar algo fundamental de la estructura básica de nuestro mundo. Hay películas que hacen hablar zonas mudas de nuestra experiencia del mundo. ¿Qué fueron acaso Ladrón de bicicleta, Día de fiesta, Noche y niebla? El crítico intercesor puede espigar entre los tesoros del pasado y recordar a un público embotado de novedades de que existe, por ejemplo, un cómico popular llamado Búster Keaton. Pero el crítico intercesor también necesita detectar las películas del futuro, y traducir rápidamente para su público un código desconocido pletórico de posibilidades. Intercesor, vocero, hermeneuta, incluso geógrafo de las imágenes, el crítico debería buscar las películas que abren el horizonte simbólico de sus espectadores, aquellas que estimulan el instinto utópico de la platea.

Hay muchas películas que son explosiones de esperanza, títulos que se extinguen en la infatigable selección artificial del mercado. Un crítico debería vociferar la existencia de un film como Rosetta, de los hermanos Dardenne, de El mundo, de Jia Zhanke, de Juventud em marcha, de Pedro Costa (foto), películas que ennoblecen el séptimo arte y reconstituyen su poder libertario y emancipador. Ese fue el credo de Chaplin, Tati, Keaton; es también la fe innegociable que sostienen todavía realizadores como Godard, Haneke, Cronenberg, Érice, Tarr, Kiarostami. El crítico, en verdad, presta sus ojos al lector. Convertirse en lupa y telescopio de quien no tiene el tiempo de hacer de una pasión una profesión, en eso consiste la deontología del crítico. El crítico ya no solo como artista, la bellísima apología concebida por Oscar Wilde para esta profesión siempre cuestionada, sino también la legitimación de una nueva figura, la del crítico como un obdusman de los derechos estéticos (y políticos) del público por ver imágenes del mundo.

COPYLEFT 2000-2006 / Roger Alan Koza
* Este artículo fue publicado en la sección cultural del matutino La Voz del Interior, del jueves 24 de agosto, 2006.

CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS: CAPILLA DEL MONTE AGOSTO-NOVIEMBRE 2006

2006-08-07T11:08:00.000-03:00

SALA POETA LEOPOLDO LUGONES, DEÁN FUNES 536

Este segundo cuatrimestre cinematográfico no es menos ambicioso que el precedente. Un estreno provincial: Cándido López, el necesario film de José Luis García, ganador del premio del público en la competencia oficial de Festival de Cine Independiente de Buenos Aires 2005; hasta ahora estrenado en el MALBA de Buenos Aires, y autorizado especialmente por García para ser exhibido en este cineclub. Además: Emiterio, el premiado cortometraje realizado en Córdoba; una retrospectiva mínima con 5 cortometrajes de Peter Greenaway. Y también la conmovedora Keane, la provocadora Conspiradores del placer, la perturbadora Buenos días, noche. Y lo último e inédito de Kiarostami, Winterbottom y Wenders, sin dejar de nombrar esa obra maestra llamada Playtime de Jacques Tati. Es decir: cine del mejor, del que no se estrena, del que no se consigue en los videoclubes, y el único que puede destituir el cinismo festejado masivamente por películas en la que se celebra la banalidad de unos bañeros infames que se burlan y subestiman la inteligencia popular. Bienvenidos al cine, bienvenidos al respeto por los espectadores todavía dispuestos a creer en el séptimo arte.

Roger Koza, programador.

Martes 8 de agosto a las 21.00hs:
Emiterio, de Diego Seppi y José Tabarelli, Argentina, 2006.
29 minutos / Apta para todo público.
*El director Diego Seppi estará presente en la función.
El premiado cortometraje documental de Diego Seppi y José Tabarelli es un ejemplo virtuoso de cómo evitar lo pintoresco y lo turístico a la hora de explorar un pueblo y una cultura periférica y lejana, en este caso característico del norte argentino. Emiterio Gutiérrez, un tejedor, además de coplero y animador (así denominan a quienes reemplazan a los curas en las misas) es el anfitrión de la mirada de los jóvenes realizadores, que en menos de 30 minutos logran capturar un estilo de vida sin adulterar su naturalidad. Estéticamente elegante y antropológicamente honesta, Emiterio, a través de un conjunto de panorámicas, planos medios y primeros planos, devela las coordenadas simbólicas y materiales de los pobladores de San Isidro, Iruya, cordillera Oriental Salteña. La copla, el tejido, el paganismo yuxtapuesto al cristianismo, las tecnologías pretéritas combinadas con tecnología de avanzada, la transmisión de saberes tradicionales no del todo integrados al sistema de educación estándar, son parte del descubrimiento de este film, cuya prolijidad formal está al servicio de una inquietud antropológica legítima. (RK)
Seguido de

Martes 15 de agosto a las 21.00hs:
Yo y vos y toda la gente que conocemos, de Miranda July, EE.UU., 2005.
91 minutos / No recomendada para menores de 16 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Pequeño Caos, de R.W. Fassbiinder, Alemania, 1966.
Recientemente exhibida en el BAFICI, la opera prima de Miranda July, que además escribió el guión e interpretó a uno de los personajes del film, es una auténtica comedia de cine independiente estadounidense con todos los temas tan caros y propios del género (familias disfuncionales, la incomunicación social, el sexo como último refugio del sinsentido, la mediocridad de la vida suburbana) aunque desprovista del cinismo y posmodernismo chato del indie. July está en las antípodas del cine de Solondz, por ejemplo. En efecto, Yo y vos y toda la gente que conocemos, destila ternura por todos sus personajes, sin dejar de postular una defensa irrestricta por el derecho a la excentricidad. Lo que une a un padre recién separado y sus dos hijos, una videoartista que trabaja como chofer de ancianos, unas adolescentes vírgenes, una solterona directora de un museo, es, precisamente, una visión utópica y transgeneracional sobre la libertad, bien correspondida por la estética del film, despojada y desmarcada de todos los convencionalismos característicos del cine hollywoodense. (RK)

Martes 22 de agosto a las 21.00hs:
La toma, de Avis Lewis, Canadá, 2004
87 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Hanoi, Martes 13, de Santiago Alvarez, Cuba, 1967.
La opera prima de Avis Lewis, escrita por su mujer Naomi Klein, autora del best-seller antiglobalización No logo, es menos agudo e intelectualmente poderoso que aquel libro pero posee la virtud de sintetizarlo e incluso insinuar un concreto pasaje a la acción capaz de contrarrestar la injusticia y “natural” evolución del Capitalismo. Por supuesto, el programa de acción que se ve en La Toma no es suficiente mas constituye un inicio. El punto de partida es el proceso por el cual una gran cantidad de obreros argentinos, perplejos y desesperanzados tras el cierre de cientos de fábricas, deciden tomarlas para recuperarlas demostrando que todavía son productivas. Si bien hay más de 200 casos en el país, Lewis muestra con detenimiento la historia de Forja San Martín, sin dejar de atender ejemplos paradigmáticos como el de las empresas Zanon y Bruckner. Como Lewis y Klein lo señalan, el camino tomado por los obreros bien puede ser catalogado como robo, aunque como insisten los protagonistas el procedimiento elegido podría significarse de otro modo: expropiación. Lo que está en juego es el viejo concepto marxista sobre el control de los medios de producción, y, por extensión, se predica una crítica sobre el concepto mismo de propiedad privada. Argentina, símbolo de los noventa de la política económica dictada por el FMI, como se sabe, llegó a ser paradójicamente la refutación más acabada de tal concepción ante el colapso de fines del 2001. Este es el contexto del film, aunque Lewis vincula tales acontecimientos con el zeitgeist político planetario de principio del milenio: la resistencia contra la globalización, ese impreciso y difuso movimiento que va más allá de la lucha de clases. La toma es, como la propia Klein sostiene en algún pasaje del making of de la película, un poco candorosa si se analiza el panorama político contemporáneo. Sin embargo, su autenticidad es inobjetable y su poder inspirador es incuestionable. Conmovedora y necesaria, La toma es una excelente introducción para radicalizar la imperfecta aunque loable invención griega conocida como democracia. (RK)
Martes 29 de agosto a las 21.00hs:
El viento nos llevará, Abbas Kiarostami, Irán, 1999.
120 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará El día del estreno de Primer plano, de Nani Moretti, Italia, 1992.
El viento nos llevará, otra obra maestra del iraní Abbas Kiartostami, film que transcurre en una aldea de Kurdistán, consigue extraer de la singularidad de esta comunidad y su cultura una suma de tópicos universales que sirven como un espejo viviente de la humanidad. El minimalismo de su historia, un hombre -quizás ingeniero, quizás cineasta aunque también periodista- tiene que esperar un evento único y propio de esa cultura; ello está relacionado con la muerte de una anciana y su concomitante ceremonia. Mientras él y el grupo de asistentes que lo acompañan (a quienes escuchamos pero jamás vemos) esperan, Kiarostami descubre un pueblo, sus costumbres y estilos de vida. Como en otros films del realizador se puede constatar una sensibilidad ética y política reflejada habitualmente en la relación que se establece entre personajes de clase media intelectual de Teherán y gente perteneciente a la clase trabajadora, por lo general, campesinos. Aquí, el pueblo es una metáfora del mundo y su diversidad, en donde ciertos contrastes estructurales como la tensión y oposición entre lo sagrado y lo profano, lo banal y lo sublime, lo singular y lo universal encuentran una expresión directa y particular. El viento nos llevará es una extensa poesía visual acerca de la impermanencia de los objetos y los sujetos, una meditación no desprovista de humor y suspenso (el film posee el mejor gag cinematográfico sobre los teléfonos celulares, y la construcción de su trama no está muy lejos del suspenso hitchcockteano) sobre el mundo en el que vivimos, aún cuando la comunidad retratada sea un exponente del supuesto “eje del mal”. No se exagera si se afirma que el cine iraní se define por una ética y un humanismo casi extintos en otras cinematografías, cuyas bases transcienden los versos del Corán y la confusa situación política del país. (RK)
Martes 5 de septiembre a las 21.00hs:
Tristram Shandy: la historia del gallo y el toro, de M.Winterbottom, Reino Unido, 2005.
91 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el pasaje titulado Primos, perteneciente a la película Cafés y cigarrillos, de Jim Jarmusch, protagonizado por Steve Coogan y Alfred Molina.
Esta adaptación cinematográfica del magistral libro acaso inadaptable La vida y las opiniones de Tristram Shandy de Laurence Sterne, ícono de la literatura anglosajona del siglo XVIII, es tan divertida e inteligente como 24 Party Hour People, película anterior del prolífico y versátil Michael Winterbottom. Más accesible y universal que aquel film sobre la historia de Manchester y su música de la década del 70, Tristram Shandy es más una película sobre una película que intenta adaptar un libro imposible de llevar al cine. El excelente comediante Steve Coogan es Tristram, su padre y él mismo, y su locuacidad sostiene el tono cómico y filosófico que define la identidad de la película. Tras una primera media hora brillante el resto del metraje quizás no contenga ni el ritmo, ni la sagacidad de su inicio, pero el film de Winterbottom está por encima de las comedias con piloto automático que pululan en cine contemporáneo. (RK)
Martes 12 de septiembre a las 21.00hs:
Tierra de abundancia, de Win Wenders, EE.UU.-Alemania, 2005.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Copyshop, de Virgil Widrich, Austria, 2001.
A cinco años del atentado de las torres gemelas, Hollywood ya decretó el fin de una interdicción: representar cinematográficamente el desastre, de lo que se predica un supuesto final de una etapa del Capitalismo global. Y mientras varios blockbusters patrióticos esperan por inmortalizar una lectura de la catástrofe, el desapercibido film del católico de izquierdas Wenders logra capturar el mayor impacto posterior al 11 de septiembre: la alteración colectiva del psiquismo de una nación, sus efectos sobre la conducta cívica y política. Al menos esta historia menor que involucra el reencuentro de una joven misionera cristiana con su tío, excombatiente de Vietnam, funciona como una gran alegoría de un país, muy lejos de su tradición libertaria y democrática, y muy cerca de una difusa dictadura administrada a través de una política del miedo infinito. (RK)
Martes 19 de septiembre a las 21.00hs:
Ebrio de mujeres y pintura, de Im kwon-taek Corea del Sur, 2002
117 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Una vida afortunada, de Alexander Sokurov, Rusia, 1996.
El veterano realizador Im kwon-taek ganó por esta película el premio a la mejor dirección en el festival de Cannes del 2002, y no es difícil entender por qué. Este biopic sobre la vida del artista plástico Jang Seung Up posee la suficiente maestría para apropiarse de una técnica excelsa de pintura y traducirla en imágenes, sin abandonar el contexto social y político en el que éste vivió: la Corea del siglo XIX, disputada por chinos y japoneses, gobernada por facciones conservadoras vernáculas. Jang fue un iconoclasta, cuya debilidad por las mujeres y el alcohol, y su total irreverencia respecto de las autoridades políticas y artísticas, además de sus orígenes humildes, le valió una reputación paradójica no exenta de admiradores y detractores. Misteriosamente, este lejano “pariente” de Jackson Pollock desapareció a los 54 años, aunque su obra permanece como un hito de la pintura oriental. Esta es una de las películas en donde la belleza gobierna, y en la que se recuerda por cada fotograma el sentido del arte popular: regalar consuelo a quienes no tienen tiempo para producir hermosura. (RK)
Martes 26 de septiembre a las 21.00hs:
Keane, de Lodge Kerrigan, EE.UU., 2005.
90 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Water Wrackets, de Peter Greenaway, Reino Unido, 1978.
Después de Rosetta, de los hermanos Dardenne, Keane debe ser una de las pocas películas cuya historia mínima aunque vital y drásticamente humana impacta sensorial y físicamente en el espectador. Este tour de force dirigido por Lodge Kerrigan sigue en un primer plano casi constante la desesperación de un padre que ha perdido a su hija. Una y otra vez visita la estación en donde quizás fue secuestrada, aunque su desequilibrio psíquico puede sugerir también que su trauma pueda responder a una alucinación. Si el trauma por definición es la incapacidad de incorporar un evento doloroso a la propia historia de vida, Keane materializa magistralmente tal axioma, y ello se debe en cierta medida a la interpretación superlativa del ignoto Damian Lewis, cuya labor está por encima de las monerías y caracterizaciones de los últimos ganadores masculinos de Oscars. (RK)
Martes 3 de octubre a las 21.00hs:
Playtime, de Jacques Tati, Francia, 1967.
125 minutos / Apta para todo público.
Variedades a las 20.10hs: Intervals (1973) y H is for house (1976), de Peter Greenaway, Reino Unido.
Mi película favorita de todos los tiempos, esta comedia francesa de 1967 del director y actor Jacques Tati casi con certeza ostenta la puesta en escena más intrincada de la totalidad del cine. Esta versión restaurada, con sus cuatro canales de sonido DTS, expande las posibilidades de perderse en los planos de Tati para luego nuevamente reencontrarse. Su visión de Paris construida en estudio se inicia durante el día, una ciudad enloquecedora, regimentadas por líneas derechas y ángulos rectos hasta llegar a la noche en donde giros accidentales aunque celebratorios permiten que la gente pueda instintivamente encontrarse. El punto más alto es una extraordinaria secuencia, situada en un restaurante que paulatinamente se desintegra, que dura casi la mita del film: una vez que un par de músicos empiezan a actuar, la mirada del espectador sigue inevitablemente a los clientes en una especie de danza improvisada, recolectando y yuxtaponiendo detalles y situaciones cómicas y simultáneas. Los años pasan y la película todavía me enseña a entender específicamente cómo vivir en las ciudades, cómo comprender conjuntos de signos visuales y auditivos disconexos aquí orquestados y agrupados cómicamente. En este paisaje de alienación cualquiera es un turista, pero Tati sugiere que una vez que nos podemos encontrar unos con otros, nos pertenecemos. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader).

Martes 10 de octubre a las 21.00hs:
Walt Mart, el alto costo de los precios más bajos, de Robert Greenwald, EE.UU., 2005.
93 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Comida, de Jan Svankmajer, República Checa, 1991.
Este documental sobre la explotación sistematizada de la empresa Wal Mart es consistente y metódico. Greenwald como cineasta es tan rudimentario y honesto como Michael Moore, pero carece del narcisismo (y el humor) de este último. Su película permite ver cómo funciona estructuralmente el negocio del precio más bajo y su filiación ideológica, que afecta tanto a simpatizantes de la derecha como de la izquierda, como a empleados de Estados Unidos, China y Honduras (lamentablemente, el film no tiene en cuenta a las filiales argentinas, aunque no es muy difícil imaginar qué puede ocurrirle a un cajero de Wal Mart en nuestro país). No hay duda que el nuevo villano cinematográfico es la corporación como institución. La exposición de este caso abyecto y obsceno debería detener ese acto inconsciente y político de ir de compras a estos engendros concebidos para la exterminación de cualquier economía a escala humana. (RK)
Martes 17 de octubre a las 21.00hs:
Buenas días, noche, de Marco Bellocchio, Italia, 2003.
105 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Hasta la victoria siempre, Santiago Alvarez, Cuba, 1969.
El lúcido director de La sonrisa de mi madre suspende su anticlericalismo cómico para explorar audazmente las contradicciones de la izquierda radical italiana de la década del ’70. El caso en cuestión: el secuestro y el posterior asesinato del primer ministro y líder del partido Demócrata Cristiano Aldo Moro, por parte de las Brigadas Rojas en 1978. Onírico y político, Bellocchio retrata una época, y elige el vínculo de la única mujer del grupo con el prestigioso mandatario para exigir coherencia en la militancia, sin eludir el interés legítimo de querer comprender la extraña fascinación experimentada frecuentemente entre secuestradores y rehenes. Absorbente, estimulante, Buenas días, noche es otra prueba de la estatura del realizador que en Italia, junto a Nanni Moretti, cree todavía en un cine capaz de movilizar el instinto utópico (RK)
Martes 24 de octubre a las 21.00hs:
Conspiradores de placer, Jan Svankmajer, República Checa, 1996
83 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Dear phone (1976) y Windows (1974), de Peter Greenaway, Reino Unido.
El maestro de animación del surrealismo checo dedica una película entera a legitimar la heterodoxia más delirante sobre los placeres corporales, y no tiene obstáculos moralistas a la hora de imaginar los métodos y prácticas de estos conspiradores. Un conjunto de personajes, fetichistas, sádicos, masoquistas y fóbicos, exploran cómo resolver los requerimientos propios de sus múltiples fantasías. Así dicho, el film puede parecer una apología digna de degenerados, pero la maestría de Svanjmayer, inspirado en Ernst, Buñuel, Freud y el Marques de Sade, se verifica en dotar de humanidad a sus personajes, siendo el humor y no la obscenidad, el modo elegido para contar esta historia que carece diálogos aunque pletórica de significados. Entre planos detalles, técnicas de animación y de marionetas, más una concepción elaborada de la banda de sonido, Svankmajer demuestra un conocimiento acabado de lenguaje cinematográfico, aquí al servicio de la libertad de sus personajes como el de su público. (RK)
Martes 31 de octubre a las 21.00hs:
Moloch, de Alexander Sokurov, Rusia, 2003.
94 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Naturaleza viva, de Mónica Silberstein y Andrés Morales, Argentina, 2005.
*La directora Mónica Silberstein estará presente en la función.
La película más progresista de Sokurov resulta ser también la menos abstracta, aunque su admirable propensión en convertir el cine en pintura en movimiento sigue presente. Después de los acordes de Parsifal de Wagner, contemplar a Eva Braun desnuda bailando por los recovecos de un castillo de fin de semana, bien sugiere la estética de Leni Riefensthal, la cineasta del führer. Puede parecer paradisíaco, aunque quienes descansan en la mansión son los ciudadanos ejemplares de la ignominia y la más alta estirpe de la crueldad. Es 1942. Hitler, Adi, le llama Eva, Goebbels y su mujer, y otros miembros del partido nazi, son los personajes patéticos de este primer episodio de una trilogía destinada a retratar dictadores del siglo XX. El Hitler de Sokurov es, esencialmente, banal y delirante, a tal punto que en sus meditaciones caprichosas roza con la caricatura chaplinesca, aunque aquí la locura del dictador vegetariano alcanza una dimensión física. Moloch está construida como si su estética fuera en sí la representación material del psiquismo caótico y distorsionado de Hitler, sin por ello renunciar también a componer escenas que bien compiten con un cuadro de Rembrandt o Friedrich. (RK)
Martes 7 de noviembre a las 20.45hs:
ABC Africa, de Abbas Kiarostami, Irán, 2001.
83 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará el mediotraje Kiarostami,
La película más accesible de Kiarostami hasta la fecha, aunque algunos han huido debido a su tema (injustificadamente en mi opinión): miles de niños de Uganda que han quedado huérfanos por el SIDA. De hecho, la mayor parte de este documental del 2001 realizado en video digital se circunscribe a mostrar a estos niños cantando y bailando. Pero una breve escena en un hospital y algunas entrevistas nos informan sobre los hechos atroces que necesitamos saber, mientras que la segunda parte de la película va más allá del documental convencional para convertirse en la típica indagación filosófica propia de Kiarostami. Una escena que transcurre en total oscuridad remite a El sabor de la cereza y Al viento nos llevará, y otro set instalado en una casa en ruinas mientras llueve es tan agradable como cualquier escena de Y la vida continúa. Como la mayor parte de la obra madura del Kiarostami, este film se centra en tópicos que conciernen a la interacción entre un director de cine consagrado y la gente humilde, sin dejar de expresar admiración por la capacidad de resiliencia de quienes viven con muy poco. (JR)
Martes 14 de noviembre a las 21.00hs:
Película sorpresa: ¿una sobre Bukowski con Matt Dillon? ¿Shara, de Kawase, quizás la mejor película japonesa de esta década? (Foto) ¿Un film tailandés, chamánico y ultramoderno? ¿La vida del Dalai Lama vista por Scorsese?

Agradecemos especialmente a la Municipalidad de Capilla del Monte, en especial al Sr. Sergio Luziani, director del área de cultura, cuya amabilidad e interés permiten que el cineclub Con los ojos abiertos funcione en la sala poeta Leopoldo Lugones de Capilla del Monte.

Bono contribución: 3 pesos

TODAS LAS PELÍCULAS SE EXHIBEN EN FORMATO DVD

CINECLUB EN LA CUMBRE: PROGRAMACIÓN AGOSTO -SEPTIEMBRE 2006

2006-08-01T09:39:00.000-03:00

CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS EN LA CUMBRE / SALA LUIS BERTI, BELGRANO 470

Este bimestre no es menos ambicioso que los anteriores. Un estreno provincial: Cándido López, el necesario film de José Luis García, ganador del premio del público en la competencia oficial de Festival de Cine Independiente de Buenos Aires 2005; hasta ahora estrenado en el MALBA de Buenos Aires, y autorizado especialmente por García para ser exhibido en este cineclub. Además: Emiterio, el premiado cortometraje realizado en Córdoba; una retrospectiva con 5 cortometrajes de Peter Greenaway y el inicio del ciclo de Fassbinder. Y también la conmovedora Keane, la provocadora Batalla en el cielo, la perturbadora Buenos días, noche. Y lo último de Godard, Winterbottom y Wenders, sin dejar de nombrar esa obra maestra llamada Playtime de Jacques Tati (primera foto). Es decir: cine del mejor, del que no se estrena, del que no se consigue en los videoclubes, y el único que puede destituir el cinismo festejado masivamente por películas en la que se celebra la banalidad de unos bañeros infames que se burlan y subestiman la inteligencia popular. Bienvenidos al cine, bienvenidos al respeto por los espectadores todavía dispuestos a creer en el séptimo arte.

Roger Koza, programador.

Miércoles 2 de agosto a las 20.30hs:
Tristram Shandy: la historia del gallo y el toro, de M.Winterbottom, Reino Unido, 2005.
91 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
FUNCIÓN ESPECIAL: 19.00hs: Nuestra música, de Jean-Luc Godard, Francia, 2004.
Esta adaptación cinematográfica del magistral libro acaso inadaptable La vida y las opiniones de Tristram Shandy de Laurence Sterne, ícono de la literatura anglosajona del siglo XVIII, es tan divertida e inteligente como 24 Party Hour People, película anterior del prolífico y versátil Michael Winterbottom. Más accesible y universal que aquel film sobre la historia de Manchester y su música de la década del 70, Tristram Shandy es más una película sobre una película que intenta adaptar un libro imposible de llevar al cine. El excelente comediante Steve Coogan es Tristram, su padre y él mismo, y su locuacidad sostiene el tono cómico y filosófico que define la identidad de la película. Tras una primera media hora brillante el resto del metraje quizás no contenga ni el ritmo, ni la sagacidad de su inicio, pero el film de Winterbottom está por encima de las comedias con piloto automático que pululan en cine contemporáneo. (RK)

Nuestra Música: El último film de Jean Luc Godard es uno de los más accesible del maestro suizo, acaso el cineasta más importante vivo en actualidad. Sin dudas el siglo XX es impensable sin el cine, o, dicho de otra manera, el cine es precisamente la condensación de lo más novedoso y singular del siglo pasado. Es Godard el mejor intérprete de dicha tesis, y en esta meditación sobre la guerra como práctica general de nuestra especie, precisa cinematográfica y filosóficamente cómo explorar y quizás contrarrestar el embrutecimiento colectivo a escala global. Divida en tres capítulos a la clásica usanza de la Divina Comedia de Dante, el film se centra en una conferencia sobre literatura organizada en Sarajevo en la que Godard es uno de los tantos oradores. Su lección sobre la diferencia entre texto e imagen, y su argumento respecto de que Israel es ficción y Palestina documental, son indiscutiblemente originales. Como siempre sobrevuela el humanismo del Otro hombre de pensador judío Levinas, aunque el sentido cómico de Godard, impropio de dicho filósofo, le permite imaginar un paraíso custodiado por policías militares estadounidenses. (RK)
AGRADECEMOS LA COPIA DE NUESTRA MÚSICA A JUAN JOSÉ GORRASURRETA, PROGRAMADOR DEL CINECLUB LA QUIMERA Y SUS COLABORADORES DEL CINECLUB EL AVISPÓN VERDE

Miércoles 9 de agosto a las 20.30hs:
Emiterio, de Diego Seppi y José Tabarelli, Argentina, 2006.
29 minutos / Apta para todo público.
*El director Diego Seppi estará presente en la función.
El premiado cortometraje documental de Diego Seppi y José Tabarelli es un ejemplo virtuoso de cómo evitar lo pintoresco y lo turístico a la hora de explorar un pueblo y una cultura periférica y lejana, en este caso característico del norte argentino. Emiterio Gutiérrez, un tejedor, además de coplero y animador (así denominan a quienes reemplazan a los curas en las misas) es el anfitrión de la mirada de los jóvenes realizadores, que en menos de 30 minutos logran capturar un estilo de vida sin adulterar su naturalidad. Estéticamente elegante y antropológicamente honesta, Emiterio, a través de un conjunto de panorámicas, planos medios y primeros planos, devela las coordenadas simbólicas y materiales de los pobladores de San Isidro, Iruya, cordillera Oriental Salteña. La copla, el tejido, el paganismo yuxtapuesto al cristianismo, las tecnologías pretéritas combinadas con tecnología de avanzada, la transmisión de saberes tradicionales no del todo integrados al sistema de educación estándar, son parte del descubrimiento de este film, cuya prolijidad formal está al servicio de una inquietud antropológica legítima. (RK)
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Cándido López: los campos de batalla, de José Luis García, Argentina, 2005.
102 minutos / Apta para todo público.
“Hubo una vez en Sudamérica. Cuando los límites entre los países eran aun imprecisos. Una guerra que apenas figura en los libros de historia”. El consistente y necesario film de José Luis García -materializa en imágenes lo que el historiador Tulio Halperín Donghi denomina el orden poscolonial, es decir el período histórico en donde se constituyeron los Estados-Naciones del Sur de América Latina a mediados del siglo XIX. Y el medio de reconstrucción del tiempo pretérito es la pintura de Cándido López, el artista y militar manco que a través de sus cuadros registró la sangrienta guerra contra el Paraguay perpetrada por la Triple Alianza. García parece entender su película como un viaje exploratorio, aunque más apropiado sería pensar a Cándido López como un trabajo de arqueología simbólica. En efecto, en su periplo el joven realizador espiga entre los desechos de la historia y encuentra que el pasado todavía proyecta su herencia en el presente. El imperialismo, la deuda externa, los efectos del vetusto orden poscolonial siguen vigentes, cuyo ejemplo más evidente es la proscripción del guaraní como lengua oficial del Paraguay, medida tomada tras la derrota en 1870, cuya validez caducó en 1992, más de ciento veinte años después. Si los combatientes carecen de ojos en los cuadros de Cándido López, y solo los muertos tiene el derecho a poseer un rostro y una mirada, García les presta al espectador unos lentes poderosos para escrutar la historia que poco se sabe aunque muy a menudo se repite. (RK).
Miércoles 16 de agosto a las 20.30hs:
Buenas días, noche, de Marco Bellocchio, Italia, 2003.
105 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Variedades a las 20.10hs: Dear phone (1976) y Windows (1974), de Peter Greenaway, Reino Unido.
El lúcido director de La sonrisa de mi madre suspende su anticlericalismo cómico para explorar audazmente las contradicciones de la izquierda radical italiana de la década del ’70. El caso en cuestión: el secuestro y el posterior asesinato del primer ministro y líder del partido Demócrata Cristiano Aldo Moro, por parte de las Brigadas Rojas en 1978. Onírico y político, Bellocchio retrata una época, y elige el vínculo de la única mujer del grupo con el prestigioso mandatario para exigir coherencia en la militancia, sin eludir el interés legítimo de querer comprender la extraña fascinación experimentada frecuentemente entre secuestradores y rehenes. Absorbente, estimulante, Buenas días, noche es otra prueba de la estatura del realizador que en Italia, junto a Nanni Moretti, cree todavía en un cine capaz de movilizar el instinto utópico (RK)
Miércoles 23 de agosto a las 20.30hs:
Playtime, de Jacques Tati, Francia, 1967.
125 minutos / Apta para todo público.
Variedades a las 20.10hs: Intervals (1973) y H is for house (1976), de Peter Greenaway, Reino Unido.
Mi película favorita de todos los tiempos, esta comedia francesa de 1967 del director y actor Jacques Tati casi con certeza ostenta la puesta en escena más intrincada de la totalidad del cine. Esta versión restaurada, con sus cuatro canales de sonido DTS, expande las posibilidades de perderse en los planos de Tati para luego nuevamente reencontrarse. Su visión de Paris construida en estudio se inicia durante el día, una ciudad enloquecedora, regimentadas por líneas derechas y ángulos rectos hasta llegar a la noche en donde giros accidentales aunque celebratorios permiten que la gente pueda instintivamente encontrarse. El punto más alto es una extraordinaria secuencia, situada en un restaurante que paulatinamente se desintegra, que dura casi la mita del film: una vez que un par de músicos empiezan a actuar, la mirada del espectador sigue inevitablemente a los clientes en una especie de danza improvisada, recolectando y yuxtaponiendo detalles y situaciones cómicas y simultáneas. Los años pasan y la película todavía me enseña a entender específicamente cómo vivir en las ciudades, cómo comprender conjuntos de signos visuales y auditivos disconexos aquí orquestados y agrupados cómicamente. En este paisaje de alienación cualquiera es un turista, pero Tati sugiere que una vez que nos podemos encontrar unos con otros, nos pertenecemos. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader).
Miércoles 30 de agosto a las 20.30hs:
Keane, de Lodge Kerrigan, EE.UU., 2005.
90 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Variedades a las 20.10hs: Water Wrackets, de Peter Greenaway, Reino Unido, 1978.
Después de Rosetta, de los hermanos Dardenne, Keane debe ser una de las pocas películas cuya historia mínima aunque vital y drásticamente humana impacta sensorial y físicamente en el espectador. Este tour de force dirigido por Lodge Kerrigan sigue en un primer plano casi constante la desesperación de un padre que ha perdido a su hija. Una y otra vez visita la estación en donde quizás fue secuestrada, aunque su desequilibrio psíquico puede sugerir también que su trauma pueda responder a una alucinación. Si el trauma por definición es la incapacidad de incorporar un evento doloroso a la propia historia de vida, Keane materializa magistralmente tal axioma, y ello se debe en cierta medida a la interpretación superlativa del ignoto Damian Lewis, cuya labor está por encima de las monerías y caracterizaciones de los últimos ganadores masculinos de Oscars. (RK)
Miércoles 6 de septiembre a las 20.30hs:
Ebrio de mujeres y pintura, de Im kwon-taek, Corea del Sur, 2002
Duración: 117 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Variedades a las 20.10hs: Una vida afortunada, de Alexander Sokurov, Rusia, 1996.
El veterano realizador Im kwon-taek ganó por esta película el premio a la mejor dirección en el festival de Cannes del 2002, y no es difícil entender por qué. Este biopic sobre la vida del artista plástico Jang Seung Up posee la suficiente maestría para apropiarse de una técnica excelsa de pintura y traducirla en imágenes, sin abandonar el contexto social y político en el que éste vivió: la Corea del siglo XIX, disputada por chinos y japoneses, gobernada por facciones conservadoras vernáculas. Jang fue un iconoclasta, cuya debilidad por las mujeres y el alcohol, y su total irreverencia respecto de las autoridades políticas y artísticas, además de sus orígenes humildes, le valió una reputación paradójica no exenta de admiradores y detractores. Misteriosamente, este lejano “pariente” de Jackson Pollock desapareció a los 54 años, aunque su obra permanece como un hito de la pintura oriental. Esta es una de las películas en donde la belleza gobierna, y en la que se recuerda por cada fotograma el sentido del arte popular: regalar consuelo a quienes no tienen tiempo para producir hermosura. (RK)
Miércoles 13 de septiembre a las 20.30hs:
Tierra de abundancia, de Win Wenders, EE.UU.-Alemania, 2005.
123 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Ciclo de cine experimental a las 19.10hs: Nubes, de Marion Hänsel, Bélgica, 2001.
A cinco años del atentado de las torres gemelas, Hollywood ya decretó el fin de una interdicción: representar cinematográficamente el desastre, de lo que se predica un supuesto final de una etapa del Capitalismo global. Y mientras varios blockbusters patrióticos esperan por inmortalizar una lectura de la catástrofe, el desapercibido film del católico de izquierdas Wenders logra capturar el mayor impacto posterior al 11 de septiembre: la alteración colectiva del psiquismo de una nación, sus efectos sobre la conducta cívica y política. Al menos esta historia menor que involucra el reencuentro de una joven misionera cristiana con su tío, excombatiente de Vietnam, funciona como una gran alegoría de un país, muy lejos de su tradición libertaria y democrática, y muy cerca de una difusa dictadura administrada a través de una política del miedo infinito. (RK)

Nubes: A mitad de camino entre la obra maestra de James Benning, Diez cielos y uno de los tantos ensayos cinematográficos naturalistas nueva era de la década de los ’80, en la tradición de Koyaanisqatsi, este film sobre nubes de todo tipo está matizado por un conjunto de cartas (leídas en esta versión por Charlotte Rampling) de una madre a su hijo. Finalmente, el ingenioso deseo de entender la volatilidad de las nubes como un acertijo existencial que refleja la impermanencia de la vida como tal, incluye una exploración menor sobre la pintura no exenta de interés estético, aunque Hánsel, inteligentemente, no impone un sumo y numinoso artífice respecto de la belleza pluralista de las nubes. El cielo es una creación sin creadores, un puro devenir de formas y colores independientes de leyes que lo gobiernen. Las nubes como pintura del azar, como arte involuntario de la atmósfera. (RK)
AGRADECEMOS LA COPIA DE NUBES A LOS MIEMBROS DE LA REVISTA KANE

Miércoles 20 de septiembre a las 20.30hs:
Batalla en el cielo, de Carlos Reygadas, México, 2004.
94 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Variedades a las 19.45 hs: mediometraje sobre Werner Fassbinder, seguido de entrevista a Win Wenders sobre Tierra de abundancia.
La película del mejicano Carlos Reygadas abrió el penúltimo festival de Cannes, y desde ya fue un escándalo: sexo, paganismo, cristianismo, rencor de clase, todo ello concatenado en un film en donde el chofer casado de un general mantiene un secreto amor por la hija de su patrón, quien a su vez se prostituye por diversión. Así descrito puede parecer un banal melodrama, pero Reygadas es un realizador prodigioso, y transforma este material en un ensayo poético y filosófico sobre las pulsiones del cuerpo y la codificación del mismo en la tradición cristiana. Los planos secuencias y el trabajo sobre la banda de sonido confirman la idoneidad y el rigor del director de Japón, cuyo cine todavía está en un período de evolución. (RK)
* Batalla en el cielo contiene escenas de sexo explícito que pueden dañar la sensibilidad del espectador.

Miércoles 27 de septiembre a las 20.30hs:
Todos amamos a Alí, de Werner Fassbinder, Alemania, 1979.
93 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Variedades a las 20.10hs: El pequeño caos, de Werner Fassbinder, Alemania, 1963.
Rainer Werner Fassbinder se apropia del melodrama hollywodense All That Heaven Allows, de Douglas Sirk y lo lleva más allá de su límite: se convierte en un romance de mayo a diciembre entre un trabajador marroquí y una mujer mayor que trabaja como limpiadora. El estilo visual es casi enteramente el de Sirk, pues enfatiza artificial y festivamente los colores primarios y aprisiona cada plano en el siguiente, aunque el distante, desecado, aunque finalmente apasionado estilo interpretativo es puro Fassbinder. Este film de 1974 se mantiene como uno de sus logros más enérgicos, situado entre sus austeras películas de bajo presupuesto y el manierismo de su último período. (Dave Kehr, Chicago Reader).

Agradecemos especialmente a la Municipalidad de La Cumbre, a su intente Carlos Engel y a la secretaria de turismo, Marcela Medo. También nuestro reconocimiento a Lucy Pravia, Viviana Ollua, Leo Menna y Carolina Araya por la ayuda constante en llevar adelante este emprendimiento cultural.

CANNES 2006: PEDRO Y LOS LOBOS

2006-07-20T13:56:00.000-03:00

¿Lo viste a Pedro? Esa fue la pregunta dominante desde mi regreso de Cannes. Para la gente de mi generación Almodóvar es un ícono de trasgresión y buen cine. Veinte años atrás, quizás. La experiencia del realizador de Mujeres al borde de un ataque de nervios en Cannes no es del todo satisfactoria. Todo sobre mi madre, la gran favorita en 1999, con justicia y necesidad, era desplazada por Rosetta, esa obra maestra de los Dardenne que el presidente del jurado David Cronenberg bautizó como cine del futuro.

En esta edición número 59 del festival, Almodóvar se ancló en la Costa Azul con medio palmar bajo el brazo, aunque otro veterano, más político y menos célebre que él, Ken Loach, se quedó con el honor y el reconocimiento. Pedro nunca dejó de sonreír, pues las celebridades son impunes e invulnerables ante ese banal gran Otro anónimo que las consagra. Volver, acaso su película más convencional, llevó algún que otro premio, y la aprobación general del público.

Pero ni Loach, ni Almodóvar, son parte de ese linaje al que Cronenberg denominó cine del futuro. De la competencia oficial, ningún otro nombre excepto uno: Pedro. ¿Almodóvar? No, Costa, Pedro Costa. El director portugués era la anomalía, la objeción al prosaísmo revestido de glamour que caracteriza la corte y la muchedumbre reunidas en la famosa Croisette; Costa fue el solitario militante de la sensatez y la rabia, el aval de lo Real.

Tal vez había señales de ese cine del futuro en alguna selección paralela. Tanto en Una Cierta Mirada como en las muestras paralelas de la Quincena de los realizadores y la Semana de la Crítica, se podía verificar ese dialecto minoritario de un cine destinado a protestar y contrarrestar una lógica unidimensional de la imagen. Pedro contra Pedro.

Fast Food Nation, de Richard Linklater, quizás no sea cine del futuro, pero sí intenta cuestionar el presente. Esta adaptación del reciente best-seller escrito por Eric Schlosser de título homónimo, fue acaso unas de las películas menos valoradas de la competencia oficial. Fast Food Nation no tiene la elegancia de Antes del atardecer, o la innovación formal de Despertando a la vida (que Linklater repite en su thriller político basado en una pieza de Philip Dick, A Scanner Darkly, visto en Una Cierta Mirada). Pero es una película ambiciosa que intenta pensar estructuralmente el orden económico y simbólico de una nación patológica, la estadounidense. Fast Food Nation es una versión madura y verdaderamente política de Supersize me, aquel documental simpático sobre un tipo que decide comer comida chatarra por un mes. Aquí, el gerente de una compañía, muy parecida a Burger King, descubre que su hamburguesa tiene gusto a mierda, e inicia una pesquisa sobre la totalidad del proceso de elaboración de la misma. Linklater ensambla una narración coherente que intenta demostrar el conjunto de los factores políticos y sociológicos involucrados en la producción de alimentos, de lo que se predica no solo una dietética específica sino una ética determinada. En efecto, una hamburguesa conlleva una historia secreta de explotación: obreros mejicanos ilegales, cinismo corporativo, resentimiento de clase y una insatisfacción social generalizada que come literalmente mierda. Somos los que comemos, dicen los macrobióticos.

La guerra fue unos de los tópicos determinantes en Cannes. Flandres, de Dumont, El viento que mueve la cebada, de Loach, Indìgenes, de Bouchareb, daban cuenta de ello. Pero si la guerra es la política por otros medios, Southland Tales, de Richard Kelly era el film a analizar. Por compromisos laborales no pude ver el film del director de la excelente Donnie Darko, aunque la apreciación de algunos colegas indicaba que Kelly seguía siendo confiable; Jim Hoberman, del semanario Village Voice, llegó a comparar el segundo film de Kelly con El camino de los sueños de David Lynch.

Lo que sí pude ver mientras seguía fielmente mi apretada agenda diseñada por la gente del festival de Hamburgo fue El caimán de Nanni Moretti. Tras mucho tiempo de ausencia, el regreso de Moretti es un regreso sin gloria, y bien se explica a partir de la propia naturaleza de su película. El caimán, ante todo, es una película, no como Fahrenheit 9/11 de Moore, un panfleto audiovisual contra otro cocodrilo más peligroso que Berlusconi. La diferencia entre el film de Moretti y el de Moore reside en que el de Moretti llega tras la derrota del magnate, y por tanto padece, misteriosamente, de cierto anacronismo. Formalmente convencional, Moretti cede su lugar en el papel principal a Silvio Orlando, quien interpreta un productor de películas clase b en decadencia profesional y familiar. Su vida cambia cuando recibe un nuevo proyecto artístico: un film sobre Berlusconi. El caimán es más un film sobre un film de Berlusconi, uno que nunca llega a materializarse por completo. A diferencia de Aprile, el material familiar y político no se combina de tal modo que puedan ofrecer un retrato convincente de la Italia de Berlusconi. Más allá de su trama, el film de Moretti en sí es el mejor comentario respecto del régimen: un creador, un verdadero artista como él, no ha quedado inmune. El fascismo mediático esteriliza las potencias creativas de un pueblo y de sus artistas.

Crónica de una fuga, del uruguayo Adrián Caetano, representaba a Argentina. Es cierto, fue muy aplaudida, aunque la recepción de la crítica no fue del todo homogénea. Mientras que estaba en Cannes me preguntaba: “si Caetano gana algo, ¿quién festeja? ¿Los uruguayos o los argentinos?” A la controversia de las papeleras había que sumarle el posible litigio sobre el mérito de un premio cinematográfico. Y para colmo, en Argentina, a propósito de un proyecto delirante (el poder siempre delira) se discutía si la bandera argentina tenía que aparecer o no antes de cualquier producción cinematográfica nacional.

El film de Caetano es prolijo, consistente, y bien transmite lo que Elaine Scarry denomina deshacer un mundo, o la tortura como ejercicio de debilitamiento de las coordenadas simbólicas que sostienen la identidad. Humillar, tan sólo humillar es el placer de quien castiga. La historia real de Claudio Tamburrini, ayer arquero de fútbol, hoy filósofo exiliado en Suecia, quien junto a otros tres detenidos lograron escapar del centro de detención clandestina conocido como la Mansión Seré, tiene todos los elementos para que Caetano transforme un acto de supervivencia en material propio de un film de género. Crónica de una fuga es estéticamente impecable: los encuadres y los movimientos de cámara son virtuosos, a tal punto que ni se llega a ver los genitales de los detenidos. Y es en su exagerada perfección formal, precisamente, en donde el film de Caetano neutraliza cierto recelo de radicalizar su cuento de libertad, a pesar de señalar intrépidamente el disenso entre los militantes detenidos. Mas cuando se compara el film de Caetano, penúltimo en la programación de la competencia oficial, con El laberinto del fauno, de Guillermo Del Toro, último de la lista, la irrespirable perfección con presupuesto del film mejicano convierte al film de Caetano en un austera y loable propuesta de cine de género. En efecto, este nuevo intento por parte del realizador de El espinazo del diablo, de combinar relato fantástico con meditación política se diluye en su fidelidad a un género más propio para le paganismo pop de la saga Harry Potter, en donde las consecuencias fascistas de la guerra civil española devienen en mera caricatura. Y sin embargo, es preferible el cine de Del Toro que el existencialismo globalizado de su compatriota Iñárritu, cuya Babel obtuvo las genuflexiones literarias de Variety y Hollywood Reporter. El cine de Iñárritú pesa exactamente 21 gramos, incluso con un palmar en la mano.

En verdad, los ecologistas de las papeleras deberían venir a protestar a Cannes. Aquí su causa sería incuestionable. Toneladas de papel se gastan día a día para vender películas geniales o mediocres, además de los gratuitos ejemplares de esas revistas vulgares de cine que circulan como material de lectura dispensable. Es que Cannes es esencialmente un gran negocio. Vincent Cassell, así lo sentenció en la ceremonia de clausura, y la estructura del festival, incluso la orientación en su selección está organizada por un criterio, no exclusivo pero dominante, propio de una racionalidad económica. Así, la meta-sección conocida como El mercado de las películas, en donde se programan cientos de películas provenientes de todo el mundo, es el corazón de Cannes, su Wall Street. Y en su oferta se refleja las economías del mundo. Los japoneses, los europeos, los estadounidenses, señorean. En efecto, hay un orden de continuidad entre el estadio industrial de una nación y su cine. El caso es que Brasil, Argentina y México constituyen las excepciones de Latinoamérica, continente empobrecido, subdesarrollado, devastado. Esas impersonales funciones del Marche du Film, en donde programadores de festivales, distribuidores, y todo tipo de gente relacionada con la industria del cine, salen y entran de una función a otra como si se tratara de la oferta de un prostíbulo, alcanzan para comparar el material informativo de un film argentino, por ejemplo, con uno cubano; ni que decir cuando la película en ciernes es coreana o japonesa. Viendo la coreana For Horowitz, una película horrible muy parecida a Together de Chen Caige, me regalaron el CD con la música del film antes de entrar a la sala. Pero en esas mismas funciones pude ver dos películas que compensaron días de sequía audiovisual: la fantástica y onírica Klimt, sobre la vida del artista plástico interpretado por John Malkovich, de Raoul Ruiz (quien sigue siendo un desconocido para muchos, incluso para algunos programadores a los que le sugerí hacer una retrospectiva mientras que intuía que no sabían de quién estaba hablando; Ruiz es un realizador cuya sofisticación y genio develan cuanto queda por inventar respecto del lenguaje cinematográfico, y que no todos le conozcan hablan de un estado de cosas). La otra película fue Offside, de Jafar Pahani, film sobre la pasión futbolera de las mujeres iraníes, pasión incompatible con la política de Estado y de estadios, pues si se pertenece al género “débil” no se tiene el derecho de ver un partido de fútbol en una cancha.

En la sección Una Cierta Mirada había películas interesantes. Tenía especial interés por ver Il regista di matrimoni, de Bellocchio, Ten canoes, de Rolf de Heer, y la otra de Linklater, pero, nuevamente, mi deseo iba a contramano de las obligaciones de trabajo. Y por mis deberes de programador tuve la suerte de asistir a un momento menor pero histórico: la presentación de la película de Paz Encina, Hamaca paraguaya, primer film de Paraguay y hablado íntegramente en guaraní. Minimalista y abstracta, el film de Encina supone estar situado en 1935, pero bien podría ser hoy, o incluso un impreciso tiempo mítico. Cándida y Ramón esperan por su hijo que se ha ido a la guerra, quizás muerto, quizás sobreviviente. Extrañamente narrativa, el film de Encina se caracteriza por su planificada lentitud y encuadres detallados. Un film que evita los primeros planos y que utiliza la voz en off como la conciencia parlante de su relato, no muy lejos del estilo de La delgada línea roja, de Terence Mallick. Antibelicista aunque pesimista, Hamaca paraguaya, producida por Lita Stantic, recibió una ovación en su presentación, y molestó a más de uno de los que sostienen que este tipo de película latinoamericana se hacen para los festivales extranjeros, argumento inválido que dice más sobre la conducta del espectador vernáculo y los canales de exhibición en nuestro país.

El otro film latinoamericano en esta sección era El Violín, del mejicano Francisco Vargas. Su inicio no promete, más bien asusta: una escena de tortura demasiado estetizada y justo en el límite de lo tolerable. Pero después el relato se fortalece, gana en honestidad, y Vargas demuestra que entiende muy bien lo que está en sus manos. Aquí el contexto es la guerrilla mejicana, y como en el film de Encina, el tiempo histórico es vago, a pesar de que supone ser contemporáneo. Políticamente, el film se circunscribe a la lucha por la justicia, sin aportar elementos de juicios capaces de analizar las contradicciones económicas y sociales que se predican del antagonismo tangible de su historia. El pacifismo de Vargas (y el de la mayoría de los filmes exhibidos en Cannes), circunscribe su retórica a postular un humanismo de mínimas. Aquí la música y su aprendizaje, o cómo un militar embrutecido reconoce que tocando el violín humaniza su obediencia castrense, fundamento de su crueldad.

Y el humanismo hasta puede llegar a ser peligroso, al menos cuando sirve para despolitizar el conflicto social. Salvador, del español Manuel Huerga, retrata la vida del joven militante del Movimiento Ibérico de Liberación, Salvador Puig Antich, ejecutado cruelmente el 2 de marzo de 1974. Sin dudas, el sadismo de Franco tenía su expresión más pura en el garrote, ejecución perversa si las hay. Sin embargo, Salvador, logra en su retrato humanista de Puig Antich (interpretado estoicamente por el germano Daniel Brühl en un perfecto castellano y catalán) traicionar, o al menos debilitar los fundamentos de una lucha política. El procedimiento consiste en enfatizar la personalidad, no sus ideas. Salvador, al igual que Diario de una motocicleta, más allá de las buenas intenciones, catoliza la indignación política, hace del revolucionario un mártir. El problema principal es que películas como Salvador canonizan un tipo de nuevo biopic político, en el que el individuo está por encima de lo social, y en el que la historia se simplifica en favor del heroísmo individualista.

Luxury Car, de Wang Chao, fue la ganadora de esta sección. También humanista, aunque políticamente lúcida, el film de Chao es menos emotivo que su anterior obra, El huérfano de Anyang, pero como en aquella ocasión muy bien sintetiza el actual devenir capitalista de China. La puesta en escena es exacta, y los intérpretes y sus vínculos dan cuenta de una alteración sustancial en el estilo de vida. La historia mínima de su trama, un maestro rural en búsqueda de su hijo que no ve en años mientras visita a su otra hija que oficia de scort en Wuham, es suficiente para reflejar la historia de una nación perpleja. Wang Chao no es Jia Zhanke, pero comparten una sensibilidad, una inquietud común.

Si hay riesgo estético en Cannes hay que buscarlo en la Quincena de los Realizadores o en La Semana de la Crítica. De seguro, sexo había en todas las muestras. El cine del sexo, categoría que remite a El imperio de los sentidos, y que implica una concepción de cine de autor con escenas o temáticas sexuales, sigue vigente y en plena forma. Basta hacer memoria y corroborar Batalla en el cielo de Reygadas en la edición anterior. El director del festival de Hamburgo, Albert Wiederspiegel, mi jefe, me decía que el sexo siempre interesa, y si nada interesante se tiene para decir una buena erección siempre llama la atención, incluso hasta puede propiciar un escándalo, excelente argumento de ventas.

Los ángeles exterminadores venía precedido de un verdadero escándalo: la demanda de una actriz por abuso sexual por parte de su director, Jean-Claude Brissau. El realizador de Cosas secretas elabora oblicuamente la demanda que lo llevó a juicio, en una película extravagante y metafísica sobre un director de cine a punto de realizar una película sobre los placeres femeninos y sus tabúes. La mayor parte de Los ángeles exterminadores gira en torno al casting del film en cuestión, el que consiste en masturbarse frente a cámara. Una vez elegidas las tres actrices éstas comienzan a vivir una suerte de terapéutica dramática y erótica, en donde el director cumple casi el rol de un analista. La película es muy divertida e inteligente, y sus escenas sexuales de lesbianismo son sobresalientes, pues evitan el cliché pornográfico como la estetización ridícula del placer sexual. Brissau y sus actrices estaban presentes durante la función. Finalizada la película la gente aplaudía de pie. Pensar tal situación en Argentina era intimidante, imposible. Las chicas felices; el público también.

Y había un argentino en la Quincena de Realizadores. Lisandro Alonso, presentaba su tercera película, Fantasma. No hay en el extranjero, al menos entre directores de festivales y críticos, quien no estime a Los muertos como una obra maestra. Fantasma reúne al protagonista de aquel film, Argentino Vargas, con Misael Saavedra, el personaje de La libertad, en un fantasmal Teatro General San Martín de la Capital Federal. Ambos deambulan por el centro cultural, aunque algunas otras almas errantes interactúan con ellos. No se encuentran, aunque Vargas puede haberse encontrado a sí mismo, al menos cuando llega a la sala Lugones del Teatro para ver el estreno de Los muertos. Fantasma tiene múltiples accesos interpretativos, si se quiere, y encuentra en Goodbye Dragon Inn, de Tsai Ming Liang, una influencia constatable, aunque desprovista de nostalgia. El diseño de sonido parece música concreta, y bien acompaña los coreográficos planos secuencia característicos del director. Un misterioso y prolongado fundido en negro anuncia en el inicio un posicionamiento estético, acaso también un grito traducido en imágenes. Es posible que el sentimiento dominante aunque indemostrable de la tercera película de Alonso sea la rabia, y no la nostalgia. El cine de Alonso es un cine que en la Argentina solo lo ven los fantasmas.

En esta misma sección estaba The Host, de Bong Joon-Ho, el que no pude ver, y Day night Day night, la inquietante opera prima de Julia Loktev sobre una adolescente que decide inmolarse en Times Square a plena luz del día. El film de Loktev es prácticamente mudo, aunque materializa la determinación y el dolor de quien decide matarse en nombre de una causa política, jamás develada en la película. Day night Day night deja constancia de que New York sigue siendo vulnerable. ¿Quién puede imaginar a una niña de 15 años a punto de dinamitarse?

La gran película de Cannes fue Juventud en marcha, de Pedro Costa. El síntoma descifrable: a diferencia del resto de las películas de la competencia oficial el film de Costa contaba con una sola exhibición, y en el horario secundario de las 16.45. Se podría pensar que la duración de la película determinaba el por qué de una única función, pero Southland Tales tenía más o menos el mismo metraje. La inclusión del film de Costa puede entenderse como una culpa artística. Cannes debe ser algo más que negocios, repetirá el inconsciente de Thierry Frémaux, su último responsable.

Ubicada a metros de la alfombra roja, la pantalla gigante que proyecta la llegada de las celebridades no mostraba nada ni a nadie. Se transmitía el vacío. Al pisar la alfombra me tropiezo por segunda vez en mi vida con Willem Dafoe, acompañado de una rubia, unos veinte años más joven que él. ¿Qué hace el Cristo de Scorsese en la función de Costa? El Código Da Vinci ya pasó. Sigo mi camino y me siento en mi butaca. En la sala también se transmite lo que está ocurriendo afuera. Se trata de producir un efecto Pavlov en la audiencia: sentados sabemos quien viene y lo vamos deseando. De pronto, Dafoe se pavonea por la alfombra roja y es la única imagen que viene del exterior. La cámara lo sigue a todas partes y el ríe. Es sospechoso. Quizás Frémaux lo contrató para que una estrella de Hollywood ilumine la total insignificancia de los actores de Costa, la mayoría de ellos no actores que viven en los suburbios de Lisboa. Pero Costa no llega solo. El protagonista de Juventud en marcha está a su lado. La cámara no tiene más remedio que dejar de lado al irónico Dafoe. Llegaron los artistas. El público recibe a Costa y compañía con respeto. Si está en Cannes es por algo, habrán de pensar. Veo pasar al talentoso Nuri B. Ceylan, el único director que tiene una película en competencia y que le interesa ver otro film de la misma. Y cuando todo está listo llega el jurado. Lucrecia Martel sentada al lado de Elia Suleiman. Tim Roth inquieto, como sabiendo que el film que se viene es lento, lentísimo. Llega Wong Kar Wai y sus anteojos. ¿Se los sacará?

Con más de 15 meses de trabajo y ensayo, y con más de 320 horas de películas, Juventud en marcha sigue los acontecimientos de la vida de un hombre mayor llamado Ventura, quien está a punto de dejar los suburbios en donde vivió por siempre para mudarse a unos apartamentos otorgados por el Estado. Su mujer, Clotilde, lo acaba de abandonar. Durante el film que dura más de 2 horas y media, se repite una poesía-carta que Ventura recita para la ausente Clotilde, a quien nunca conocemos. Algunos personajes de otras películas de Costa interactúan con Ventura. Vanda, por ejemplo, ya no vive entre los escombros de Fonthinas, sino en un apartamento similar al de Ventura. Y eso es todo. O casi.

La noción de encuadre es exquisita. La mayoría de las escenas están tomadas desde el ángulo izquierdo del cuadro, son planos medios o generales sin movimientos, y, naturalmente, sin montaje, cuyos tiempos están dados por la lógica de la escena. Los movimientos de cámaras a veces introducen el cambio de una escena a la otra. Costa desarrolla una concepción del espacio cinematográfico, muy bien enraizada respecto de su temática predilecta: el habitar. Durante todo el metraje Costa juega con los contrastes de las viviendas, el blanco y el negro, lo pequeño y lo enorme. En un momento, dos personajes están acostados mirando la pared destruida en donde todavía viven. Por las noches, en el reflejo de la luz exterior ven sombras proyectadas y formas sugeridas por las costras heteróclitas de la pared. Con ellas tejen historias, narran. Próximos a mudarse se preguntan: ¿qué historias contaremos en esas paredes impecables, higiénicas, blancas? Vanda, quien ya está instalada en unos de esos condominios del gobierno, tiene prendida la televisión durante todo el día. Ya no cuenta historias.

Mientras que la gente se iba yendo y un miembro fundamental del jurado dormía, Juventud en marcha impregnaba de realidad el auditorio Lumiere. Era el cine del futuro, el que todavía no tiene un público, el que le falta un pueblo. Costa no ganó absolutamente nada, puesto que de entrada ya había triunfado en otra competencia sin jueces y sin público. El cine gana porque su cine extrae realidad de la realidad, y ese es su premio, el poder del artista obstinado por dignificar la vida que crece entre los escombros. Al finalizar, la gente que decidió esperar y ver le brindó una ovación sostenida por 20 minutos. La cámara mostró el rostro de Ventura, vestido de gala y discretamente emocionado. Alguna lágrima minúscula se podía divisar en su cara. Costa también reía, más bien sonreía. Su risa era distinta a la del otro Pedro, cuya carcajada a veces se confunde con el aullido de los lobos.

Copyleft 2000-2006/Roger Alan Koza

Estrenos del 13/07/06

2006-07-17T17:27:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valor

por Roger A. Koza.

Vergüenza ajena

Bañeros 3 todopoderosos, Argentina, 2006.
Dirigida por Rodolfo Ledo. Escrita por Salvador Valverde Calvo y Freire.

· Sin valor

Este espanto abyecto del director de Papá se volvió loco es peor que su precedente e ideológicamente más peligroso, un síntoma de algo vendido como bien argentino que encierra un misterio sociológico insondable, aunque necesario de ser pensado y analizado. Una película en la que se destacan interpretativamente los perros y una actriz ridiculizada como ballena.

Puede haber apologistas de este tipo de películas, espectadores dispuestos a aceptar lo inaceptable. Quizás un argumento en defensa de Bañeros 3 Todopoderosos es esgrimir su supuesta convicción de apostar a un cine popular, acaso para todo público. Sí, los niños aquí pueden aprender a reírse de los gordos, de los chinos, de los travestís, hasta comprender que la auténtica belleza es la interior y que si desean hacer el bien los verdaderos poderes están alojados en ese impreciso espacio llamado alma. Pero la tercera parte de esta saga impresentable dista de ser inocente y popular.

La trama es mínima: los nuevos bañeros, unidos a los viejos personajes de la saga, interpretados por Disi y Renni, tienen que detener el plan siniestro de una mafia china con ramificaciones en nuestro país, cuyo objetivo es reproducir e inocular genéticamente la obediencia de los perros en los seres humanos. Es una batalla contra la sumisión colectiva. Tal eje narrativo está hilvanado por un conjunto de gags sin timing, más parecidos a un puñado de sketches preadolescentes desprovisto de creatividad y comicidad alguna.

¿Dominar la voluntad humana? ¿Humor de vacaciones? La ideología está expuesta. He aquí una película que celebra la misoginia y la xenofobia bajo la excusa del humor picaresco aunque orientados a todas las edades. Probablemente, el desfile de pechos remita a la infancia, mientras que la hilera de nalgas que pueblan varios fotogramas esté al servicio de los papis que acompañan a sus hijos. Pero sin duda la familia habrá de entender que la mujer es un objeto y su cuerpo una mercadería de exhibición. Los remates chistosos de Yayo, quien tiene aquí un par de cameos, condensan el desprecio de la película por el universo femenino como su contenida aunque verificable homofobia. Y si el deber de estos héroes todopoderosos es impedir que el poder mafioso manipule la voluntad de la población, la obligación del público habrá de ser observar cómo, la publicidad en su repetición infinita, doblega la voluntad crítica y receptiva; sólo un espectador dócil puede ofrendarle pleitesía a este producto que no respeta ni su inteligencia, ni su deseo legítimo de reír ante una buena comedia.

Televisiva y narrativamente incoherente, Bañeros 3 Todopoderosos permite revisar las categorías de lo popular y lo masivo, y dar cuenta que la yuxtaposición de dichos términos es un error conceptual. Cine popular hacían Chaplin, Keaton y Tati. Cine popular hacen también Trapero, Szifron y Favio. Lo popular como categoría que representa la vida anímica de quienes viven trabajando y que van al cine de vez en cuando a entretenerse, emocionarse y quizás aprender. Promesas traicionadas por este producto pensado para el consumo de masas en donde se venden oblicuamente ropa deportiva, electrodomésticos, revista de actualidad, hasta posibles viajes en cruceros. Será por eso que, en su obsceno delirio narrativo, la película concluya aludiendo a Náufrago, de Zemeckis, aquella en la que Tom Hanks quedaba varado en una isla desierta. Aquel filme sigue siendo uno de los casos más desvergonzado de publicidad en el cine. Se trata de vender, solamente.

Copyleft 2000-2006

Roger Alan Koza / Con los ojos abiertos

* Esta crítica fue publicada con algunos cambios menores por el diario La Voz del Interior de la ciudad de Córdoba en su edición del 14 de julio de 2007.

ALGUNOS ESTRENOS DE JUNIO

2006-07-17T16:58:00.000-03:00

**** Obra maestra *** Hay que verla ** Válida de ver * Tiene un rasgo redimible · Sin valor

por Roger A. Koza.

Mi herida narcisista

Enredos del corazón, EE.UU., 2005
Escrita y dirigida por Mike Binder.

** Válida de ver

La película de Mike Binder ofrece una de las mejores interpretaciones de Conster, y aunque un giro canalla y consevador deteriora el film en su conjunto, esta comedia permanece siendo aceptable.

Estados Unidos produce películas con la misma eficiencia con la que produce y exporta gaseosas, hamburguesas, zapatillas y tecnologías diversas. Año tras año se manufacturan en serie cientos de historias que se consumen planetariamente con la naturalidad que se mastica un Big Mac. Hollywood no solo vende una concepción de mundo sino también un estándar narrativo, una forma de contar, acaso una lógica de interpretar.
Enredos del corazón es uno de los tantos títulos proveniente de aquella industria triunfante. Tiene estrellas reconocibles, aparenta ser una comedia, no se predica de su propuesta cinematográfica ningún desafío estético y conceptual. Sin embargo, la película dirigida y escrita por el actor Mike Binder, sin ser una excepción, posee algún que otro momento genuino, y entre tanto metraje insulso made in USA, hasta llega a ser una película digerible, ligeramente nutritiva.
Mientras que los personajes se dirigen a un entierro, una voz en off dice: “La ira ha convertido a mi madre en una mujer muy triste y amargada”. La declaración pertenece a una de las cuatro hijas de Terry (Joan Allen), aunque es también la conciencia filosófica de la película, cuyo título original bien podría ser traducido como el beneficio de la ira. Lo que viene después es la reconstrucción de los últimos tres años en la vida familiar de los Wolfmeyer, que se inicia con el supuesto abandono del padre, enamorado de su secretaria sueca y perdido en alguna ciudad escandinava. Quien conozca el dolor, en materia amorosa, de ser reemplazado por otro, habrá de entender mejor el padecimiento de Terry, ese malestar ubicuo que los discípulos de Freud denominan herida narcisista. Y la reconstrucción de la autoestima lleva un tiempo, pues implica un proceso de reconstrucción íntima en donde la ira, precisamente, es una emoción dominante. Pero Terry no está completamente sola. Su vecino Denny (Kevin Costner), una pretérita estrella de béisbol de Detroit devenido en conductor de radio, habrá de aportar un poco de Eros.
Narrativamente despareja y formalmente convencional, Binder, quien además interpreta al mujeriego productor radial de Denny, pocas veces consigue acoplar el tono dramático del relato con el género al que pertenece la película: la comedia. La angustia predomina sobre lo cómico. Esta deficiencia puede verificarse en la marcada elección musical que acompaña a todas las escenas cómicas, un motivo melódico típico que funciona como refuerzo narrativo y guiño al espectador: aquí hay que reírse. Por eso, las mejores escenas son aquellas que confían en el poder de las imágenes y en la autenticidad de sus intérpretes, como en ese pasaje en el que Costner y Allen ríen acostados en la cama, o cuando las cuatro hijas y su madre, casi al finalizar la película, se reúnen a cenar en el patio de la casa tras haber superado un evento traumático.
Si bien Binder apuesta y juega una sospechosa carta final que pone en tela de juicio el conjunto del relato, Enredos del corazón transmite un espíritu de libertad a contramano del conservadurismo imperante en el país gobernado por cowboys ignorantes. Una curiosa cita, casi inadvertida, sobre el Ladrón de bicicletas de Vittorio De Sica, es quizás el mejor comentario político y cultural de la película: a los norteamericanos no les gusta leer subtítulos.

OTROS TITULOS

Dos por el dinero, EE.UU., 2005

Dirigida por D.J. Caruso. Escrita por Dan Gilroy

* Tiene un rasgo redimible

Déjà vu , término esotérico con el que se intenta explicar una sensación de familiaridad y de repetición respecto de una experiencia nueva, a veces bajo la sospecha de que ya se ha vivido aquello que se supone es novedoso. Seguramente, Dos por el dinero no habrá de remitir a su espectador a los misterios de las vidas pasadas, pero éste bien podrá advertir que esta película ya la ha visto.
Basada en un hecho real, el nuevo film de Caruso (Robando vidas) podría partir bajo la aclaración este film está inspirado en Jerry Maguire . Al Pacino no es Cuba Gooding Jr., pero el “muéstrame el dinero” de aquella película bien podría ser el mantra de su personaje, el presidente de una agencia de pronósticos deportivos. En verdad, Dos por el dinero es una cruza menos ambiciosa entre Un domingo cualquiera y Wall Street de Oliver Stone, películas que delimitan ajustadamente el universo simbólico del film de Caruso: la subjetividad capitalista.
Brandon Lang (Matthew McConaughey, un poco más actor aunque cada más fisicoculturista), alguna vez un “quarterback” destacado de un equipo de fútbol americano de Las Vegas, tiene el don de predecir los resultados de la liga universitaria. Una herida crónica le impide jugar el deporte que su padre consideraba una religión y que él mismo lo entendía como un camino de purificación, pero su conocimiento directo del juego es un potencial negocio. Así lo concibe Walter, el personaje de Al Pacino, quien contrata a Lang y lo lleva a Nueva York para convertirlo en miembro del staff de su empresa y en una estrella televisiva de predicciones deportivas, que sirve para orientar el juego clandestino de apuestas, afición ilegal de ricos y pobres. Pero no solo de negocios viven los hombres. Detrás de estos personajes hay historias de abusos, abandonos, adicciones. Como lo expresa la propia mujer de Walter (la excelente Rene Russo): “Estamos jodidos”.
Cinematográficamente elemental, Dos por el dinero es una película de guión reforzada por la profesionalidad de algunos miembros del elenco, aunque la inconsistencia narrativa pueda constatarse, por ejemplo, en tramas secundarias que incluyen a un mafioso puertorriqueño y un empleado ejemplar de Walter, interpretados respectivamente por Armand Assante y Jeremy Piven, ambos desperdiciados en sus roles. Tal impericia se verifica también en la excesiva duración de la película, cuyo metraje es proporcional a su avidez de decirlo todo sin reconocer la elegancia de la sugerencia. Ello no impide reconocer el acierto por parte de Caruso de evitar la obligatoria escena de violencia propia de una película de apostadores. ¿Una película sin balas? Aquí la orina reemplaza a la pólvora, y si parece una grosería es preferible dicha opción a la naturalización sistemática del asesinato como forma de vida.
Como la sobrevaluada Match Point, Dos por el dinero comparte la cosmovisión del film de Allen: la vida y el juego, la rigen el azar, aunque es preferible otorgarle a los acontecimientos cierto orden secreto, descifrable, predecible. Como dice Walter se trata de vender “certeza en un mundo de incertidumbres”. Pero a diferencia del film de Allen, no es la culpa atravesada por el existencialismo ruso de Dostoyevski lo que preocupa a Caruso, sino el juego como estimulante existencial en una sociedad definida por la timba a gran escala. En ese sentido, Dos por el dinero postula una extensión de la lógica del juego a la secreta racionalidad que regula el mercado. Los vencedores no creen en la suerte. La supuesta mano invisible que ordena la economía les acaricia. Es una bella y perversa ilusión para una cultura de la competencia infinita. Una quimera de la que Brandon Lang habrá de eludir para abrazar otra fantasía no menos perversa: la pureza de los pueblos chicos.

La desaparición de Madame Rose, Francia, 2005.

Dirigida por Pascal Thomas. Escrita por P. Thomas y Nathalie Lafaurie.

* Tiene un rasgo redimible

En tiempos en donde la literatura puede ser confundida por un simulacro de ella denominado best-seller , el cine, acaso literatura por otros medios, mezquina e imprecisa definición, también experimenta su vulgaridad mercantilista. Se habla de blockbusters , de tanques cinematográficos. De allí una película basada en un libro de Agatha Christie, en vez de un ramplón tratado teológico-político y novelístico de Dan Brown, es un buen síntoma.
Lo singular de La desaparición de Madame Rose, adaptación de El cuadro, también conocido como Matrimonio de sabuesos (y en inglés, By the pricking of my thumbs), es que la trama en su conjunto ha sido desplazada de la campiña galesa a la francesa. La novedad del filme de Pascal Thomas es la apropiación cultural del universo anglosajón de Christie y su traducción concomitante a un contexto esencialmente galo. El suspenso, la lógica deductiva puesta al servicio del esclarecimiento de un crimen, el retrato psíquico de los sospechosos permanecen yuxtapuestos a una perspectiva más sociológica que psicológica. Hay un ethos que examinar, y los crímenes son una excusa para indagar.
El coronel Béresford (el excelente André Dussollier) se especializa en materia de seguridad y vigilancia, cuyo objetivo principal es velar por el bienestar de Europa. Su mujer, Prudence (Catherine Frot), no tiene una profesión determinada, pero posee una intuición particular para detectar irregularidades de todo tipo. Un día cualquiera visitan a la tía del coronel recluida en un geriátrico, también militar. Ella sospecha que en la casa de retiro están asesinando a sus internos, los envenenan, quizás vendan sus órganos, sostiene. Una compañera de la tía, una trastornada mujer, Rose (Génèvieve Bujold), parece confirmar su especulación, mientras que intercambia unas palabras con Prudence. Días después muere la tía, y, misteriosamente, Rose desaparece, aunque un cuadro obsequiado por Rose a la parienta difunta precipita la imaginación detectivesca de Prudence y su obsesión compulsiva a resolver el caso. El cuadro es una mancha, un indicio de que algo no está bien.
Onírica y atmosférica, La desaparición de Madame Rose oscila entre la comedia y el policial, sin conseguir urdir lo humorístico y lo criminal en función de su trama. Si el filme de Thomas se sostiene es por el conjunto de sus intérpretes y su puesta en escena. En ese sentido, uno puede comprender la conformación social de quienes habitan la campiña francesa, pues los detalles elegidos por Thomas funcionan como una exposición precisa de un estilo de vida. “Las aldeas pacíficas no existen”, dice un personaje. Ese es el inconsciente de la película, su tesis encubierta, el mensaje que no llega del todo a esclarecerse pero que insiste en enunciarse: hay mugre y perversión por detrás de la armonía social de los pequeños pueblos.
La desaparición de Madame Rose es una película menor, imperfecta, por momentos perezosa en extraer de sus elementos constitutivos la riqueza de su propuesta. Thomas no es Claude Chabrol, ni Bruno Dumont, por ejemplo, realizadores capaces de plasmar magistralmente el malestar bucólico. Pero Thomas, a diferencia de éstos, no dimite de valerse del humor; una decisión valiente y arriesgada que ennoblece un resultado no del todo satisfactorio.

Copyleft 2000-2006

Roger Alan Koza / Con los ojos abiertos

* Las tres críticas fueron publicadas durante el mes de junio por La Voz del Interior, matutino de la ciudad de Córdoba.

OJOS ABIERTOS EN VALLE HERMOSO AGOSTO Y SEPTIEMBRE 2006

2006-07-17T14:09:00.000-03:00

CINECLUB CON LOS OJOS ABIERTOS
VALLE HERMOSO EN BIBLIOTECA JOSÉ MÁRMOL
PROGRAMACIÓN AGOSTO-SEPTIEMBRE 2006

FUNCIÓN ESPECIAL DEL SÁBADO 5 DE AGOSTO

Sábado 5 de agosto a las 20.30hs:
Cándido López: los campos de batalla, de José Luis García, Argentina, 2005. 102 minutos / Apta para todo público.

Antes de la presentación se ehxibira Emiterio, de Diego Seppi y José Tabarelli, Argentina, 2006. El director Diego Seppi estará presente en la función.
“Hubo una vez en Sudamérica. Cuando los límites entre los países eran aun imprecisos. Una guerra que apenas figura en los libros de historia”. El consistente y necesario film de José Luis García materializa en imágenes lo que el historiador Tulio Halperín Donghi denomina el orden poscolonial, es decir el período histórico en donde se constituyeron los Estados-Naciones del Sur de América Latina a mediados del siglo XIX. Y el medio de reconstrucción del tiempo pretérito es la pintura de Cándido López, el artista y militar manco que a través de sus cuadros registró la sangrienta guerra contra el Paraguay perpetrada por la Triple Alianza. García parece entender su película como un viaje exploratorio, aunque más apropiado sería pensar a Cándido López como un trabajo de arqueología simbólica. En efecto, en su periplo el joven realizador espiga entre los desechos de la historia y encuentra que el pasado todavía proyecta su herencia en el presente. El imperialismo, la deuda externa, los efectos del vetusto orden poscolonial siguen vigentes, cuyo ejemplo más evidente es la proscripción del guaraní como lengua oficial del Paraguay, medida tomada tras la derrota en 1870, cuya validez caducó en 1992, más de ciento veinte años después. Si los combatientes carecen de ojos en los cuadros de Cándido López, y solo los muertos tiene el derecho a poseer un rostro y una mirada, García les presta al espectador unos lentes poderosos para escrutar la historia que poco se sabe aunque muy a menudo se repite. (RK).

Emiterio: El premiado cortometraje documental de Diego Seppi y José Tabarelli es un ejemplo virtuoso de cómo evitar lo pintoresco y lo turístico a la hora de explorar un pueblo y una cultura periférica y lejana, en este caso característico del norte argentino. Emiterio Gutiérrez, un tejedor, además de coplero y animador (así denominan a quienes reemplazan a los curas en las misas) es el anfitrión de la mirada de los jóvenes realizadores, que en menos de 30 minutos logran capturar un estilo de vida sin adulterar su naturalidad. Estéticamente elegante y antropológicamente honesta, Emiterio, a través de un conjunto de panorámicas, planos medios y primeros planos, devela las coordenadas simbólicas y materiales de los pobladores de San Isidro, Iruya, cordillera Oriental Salteña. La copla, el tejido, el paganismo yuxtapuesto al cristianismo, las tecnologías pretéritas combinadas con tecnología de avanzada, la transmisión de saberes tradicionales no del todo integrados al sistema de educación estándar, son parte del descubrimiento de este film, cuya prolijidad formal está al servicio de una inquietud antropológica legítima. (RK)

Sábado 19 de agosto a las 20.00hs: Yo y vos y toda la gente que conocemos, de Miranda July, EE.UU., 2005.

91 minutos / No recomendada para menores de 16 años.

Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Pequeño Caos, de R.W. Fassbiinder, Alemania, 1966.

Recientemente exhibida en el BAFICI, la opera prima de Miranda July, que además escribió el guión e interpretó a uno de los personajes del film, es una auténtica comedia de cine independiente estadounidense con todos los temas tan caros y propios del género (familias disfuncionales, la incomunicación social, el sexo como último refugio del sinsentido, la mediocridad de la vida suburbana) aunque desprovista del cinismo y posmodernismo chato del indie. July está en las antípodas del cine de Solondz, por ejemplo. En efecto, Yo y vos y toda la gente que conocemos, destila ternura por todos sus personajes, sin dejar de postular una defensa irrestricta por el derecho a la excentricidad. Lo que une a un padre recién separado y sus dos hijos, una videoartista que trabaja como chofer de ancianos, unas adolescentes vírgenes, una solterona directora de un museo, es, precisamente, una visión utópica y transgeneracional sobre la libertad, bien correspondida por la estética del film, despojada y desmarcada de todos los convencionalismos característicos del cine hollywoodense. (RK)

Sábado 2 de septiembre a las 20.00hs:

Nadie sabe, de Kore-eda Hirokazu, Japón, 2004.

140 minutos / No recomendada para menores de 13 años.

Basada en “El caso de los cuatro niños abandonados de Nishi Sugamo”, el cuarto largometraje de Kore-eda es un estudio analítico y conmovedor de la infancia, y del lugar o no que los adultos tienen en ella. ¿Qué pasaría si se creciera sin adultos? De esta pregunta se predica el nudo narrativo de Nadie sabe, al menos cuando la madre de los niños sin muchas explicaciones no regresa un día al hogar. Kore-eda ofrece también un retrato de la ciudad de Tokio como un espacio urbano destinado a la invisibilidad y la indiferencia, muy bien establecido entre los planos generales de la ciudad en constraste con los planos detalles de los niños, dentro y fuera de la casa. No sorprende que Yagira Yuuya, quien interpreta al mayor de los hermanos, haya ganado en Cannes 2004 el premio a mejor actor, pues todas las interpretaciones son superlativas, a tal punto que uno puede olvidar que entre lo que se ve y quien esta mirando hay una cámara de por medio. (RK)

Sábado 16 de septiembre a las 20.00hs:

El cameraman, con Búster Keaton, de Edward Sedgwick, EE.UU., 1928.

78 minutos / Apta para todo público. Antes de la película principal se proyectará Una vida iluminada, de Alexander Sokurov, Rusia, 1996.

Film de 1928 de Buster Keaton sobre los problemas y las cuestiones principales a la hora de hacer cine. Dirigido por Edward Sedwick, la película sigue las aventuras de Keaton mientras intenta llegar a ser un camarógrafo para la compañía de noticias Hearst, e incluye algunos de los mejores detalles sobre las técnicas y la psicología implicadas en el hecho de hacer películas vistas en una película. En muchos sentidos, el film resume la carrera entera de Keaton, y es una excelente pieza de compañía del otro film de Keaton sobre la naturaleza de las películas, Sherlock Jr. (Don Drucker, Chicago Reader)

Sábado 30 de septiembre a las 20.00hs:
El hombre oso, de Werner Herzog, Alemania-EE.UU., 2005.
104 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje El percusionista del bolero, de Patrick Laconte, Francia, 1992.
Que Herzog es uno de los maestros indiscutibles del medio, es incuestionable. Que el director de Aguirre, la ira de Dios es además un gran documentalista, es también incuestionable. El hombro oso es un film típico y atípico. Típico porque el personaje central de este documental, Timothy Treadwell, bien podría haber sido un descendiente lunático de Klaus Kinski. Este conservacionista independiente y educador amateur, alguna vez alcohólico y depresivo, vivió durante los últimos quince veranos de su vida en compañía de osos salvajes en una reserva de Alaska. Atípico porque una gran parte de las imágenes de El hombre oso provienen del material audiovisual filmado por el propio Treadwell en sus expediciones solitarias, un recurso que Herzog no suele utilizar en sus documentales, aunque su inteligencia (y su ética) se verifica en aquello que decide mostrar y no mostrar respecto de lo “rodado” por Treadwell. Herzog fascinado por este hombre al que considera un extraño colega suyo, ofrece una meditación extraordinaria sobre los límites de la razón y la civilización, y la interacción impredecible entre la naturaleza y los hombres. Treadwell es curiosamente un alter ego del realizador, aunque sus concepciones respecto de la naturaleza de la naturaleza sean esencialmente opuestas. (RK)

TODAS LAS PELÍCULAS SE EXHIBEN EN FORMATO DVD