CINECLUB V.GIARDINO: SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2006

EN EL CINE TEATRO GIARDINO

Domingo 10 de septiembre a las 20.00hs:
La toma, de Avis Lewis, Canadá, 2004
87 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Hasta la victoria siempre, de Santiago Alvarez, Cuba, 1967.
La opera prima de Avis Lewis, escrita por su mujer Naomi Klein, autora del best-seller antiglobalización No logo, es menos agudo e intelectualmente poderoso que aquel libro pero posee la virtud de sintetizarlo e incluso insinuar un concreto pasaje a la acción capaz de contrarrestar la injusticia y “natural” evolución del Capitalismo. Por supuesto, el programa de acción que se ve en La Toma no es suficiente mas constituye un inicio. El punto de partida es el proceso por el cual una gran cantidad de obreros argentinos, perplejos y desesperanzados tras el cierre de cientos de fábricas, deciden tomarlas para recuperarlas demostrando que todavía son productivas. Si bien hay más de 200 casos en el país, Lewis muestra con detenimiento la historia de Forja San Martín, sin dejar de atender ejemplos paradigmáticos como el de las empresas Zanon y Bruckner. Como Lewis y Klein lo señalan, el camino tomado por los obreros bien puede ser catalogado como robo, aunque como insisten los protagonistas el procedimiento elegido podría significarse de otro modo: expropiación. Lo que está en juego es el viejo concepto marxista sobre el control de los medios de producción, y, por extensión, se predica una crítica sobre el concepto mismo de propiedad privada. Argentina, símbolo de los noventa de la política económica dictada por el FMI, como se sabe, llegó a ser paradójicamente la refutación más acabada de tal concepción ante el colapso de fines del 2001. Este es el contexto del film, aunque Lewis vincula tales acontecimientos con el zeitgeist político planetario de principio del milenio: la resistencia contra la globalización, ese impreciso y difuso movimiento que va más allá de la lucha de clases. La toma es, como la propia Klein sostiene en algún pasaje del making of de la película, un poco candorosa si se analiza el panorama político contemporáneo. Sin embargo, su autenticidad es inobjetable y su poder inspirador es incuestionable. Conmovedora y necesaria, La toma es una excelente introducción para radicalizar la imperfecta aunque loable invención griega conocida como democracia. (Roger Koza, programador)

Domingo 17 de septiembre a las 20.00hs:
Playtime, de Jacques Tati, Francia, 1967.
125 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje La disciplina de HF, de
Gus Van Sant, 1983.
Mi película favorita de todos los tiempos, esta comedia francesa de 1967 del director y actor Jacques Tati casi con certeza ostenta la puesta en escena más intrincada de la totalidad del cine. Esta versión restaurada, con sus cuatro canales de sonido DTS, expande las posibilidades de perderse en los planos de Tati para luego nuevamente reencontrarse. Su visión de Paris construida en estudio se inicia durante el día, una ciudad enloquecedora, regimentadas por líneas derechas y ángulos rectos hasta llegar a la noche en donde giros accidentales aunque celebratorios permiten que la gente pueda instintivamente encontrarse. El punto más alto es una extraordinaria secuencia, situada en un restaurante que paulatinamente se desintegra, que dura casi la mita del film: una vez que un par de músicos empiezan a actuar, la mirada del espectador sigue inevitablemente a los clientes en una especie de danza improvisada, recolectando y yuxtaponiendo detalles y situaciones cómicas y simultáneas. Los años pasan y la película todavía me enseña a entender específicamente cómo vivir en las ciudades, cómo comprender conjuntos de signos visuales y auditivos disconexos aquí orquestados y agrupados cómicamente. En este paisaje de alienación cualquiera es un turista, pero Tati sugiere que una vez que nos podemos encontrar unos con otros, nos pertenecemos. (Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader).

Domingo 24 de septiembre a las 20.00hs:
¿Dónde está la casa de mi amigo?, de Abbas Kiarostami, Irán, 1987.
83 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará el mediometraje El arte de vivir: Kiarostami, de Fergus Daly, Australia, 2005.
Es posible y no se exagera al decir que Abbas Kiarostami, quien ha estado haciendo películas en Irán por más de tres décadas, es el más grande de los cineastas vivos en la actualidad. El problema no es que sus películas sean esotéricas, simplemente son diferentes a la que se hacen en el mundo occidental, incluso en Irán, en el modo en que están construidas (no suele haber un guión que las vertebre y en la mayoría de los casos no cuentan con actores profesionales), en el modo en el que interpelan a la audiencia, y en lo que Kiarostami incluye y excluye de la narración. ¿Dónde está la casa de mi amigo? De 1987, una de sus obras más populares en Irán, es una suerte de épica en miniatura, acerca de un niño que intenta devolverle el cuaderno de clase a uno de sus compañeros de división. Debido a que está indirectamente vinculada a La vida continúa (1992) y a Detrás de los olivos (1994), ambas rodadas en la misma región del norte de Irán, este film es parte de una constante meditación sobre los paisajes singulares de Koker y el modo en que la gente común vive allí; se trata también de una búsqueda obsesiva que puede ser vista también como una fábula; un tipo de indagación condensada que formula más preguntas que respuestas; y es también un poema cómico y cósmico. Finalmente, ¿Dónde está la casa de mi amigo? es un film sobre el descubrimiento y la devoción que habita en el mundo. (JR)

Domingo 1 de octubre a las 20.00hs:
Lunes a la mañana, de Otar Iosseliani, Francia, 2002.
122 minutos / Apta para todo público.
Antes de la película principal se proyectará cortometraje Copyshop, de Virgil Widrich, Austria, 2001.
Esta obra maestra del realizador georgiano, un legítimo heredero de Jacques Tati y de Jean Renoir, puede ser cómica y dramática al mismo tiempo, y si este film funciona como una crítica impía al mundo del trabajo es también un llamado a la excentricidad y a la libertad. Planos secuencia formidables y una elaborada concepción de la banda sonora, componen el derrotero de un hombre que trabaja en una fábrica de químicos hasta que un día sin planificación alguna se va a viajar por el mundo (no como turista), principalmente Venecia. Mientras tanto, sus hijos, su madre, vecinos, amigos y esposa prosiguen con sus vidas, cada uno siguiendo sus propias tareas monótonas como sus deseos libertarios. El último plano de la película es un dictamen, y el conjunto de situaciones reconocibles aunque delirantes que constituyen este coreográfico relato coral operan como un gran argumento, uno que queda impugnado por ese plano general, tan lúcido como temible. (RK)

Domingo 8 de octubre a las 20.00hs:
Hermanos, Susanne Bier, Dinamarca, 2005.
110 minutos / No recomendada para menores de 18 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Noche de elecciones, de Anders Thomas Jensen, Dinamarca, 1998.
Es evidente, al menos por la cinematografía reciente, que no todo está bien en Dinamarca. Aquella sociedad (in)felizmente decadente de la que se reía, ironizaba y criticaba Los idiotas de Lars von Trier puede sentirse en cada película proveniente del país de Kierkegaard. El relato aquí se circunscribe a los derroteros de una familia atravesada por acontecimientos inesperados que desestabiliza el orden familiar (y burgués). No obstante, Hermanos es un film con dos agendas simultáneas y yuxtapuestas: la primera, ofrecer un relato de la institución familiar correspondiente a la clase media. En segundo lugar, postular los efectos colaterales de las intervenciones armadas en el extranjero por parte de las potencias occidentales. Como es frecuente en el cine danés, las interpretaciones son descollantes. La dirección de Susanne Bier opta por un registro poético allí en donde un realizador masculino hubiera quizás adoptado un tono netamente trágico. Finalmente, el humanismo raso de Hermanos se impone como verosímil, pues evita tanto la catarsis como la sensiblería en pos de explorar la contingencia de la identidad y la labilidad de los vínculos. (RK)

Domingo 15 de octubre a las 20.00hs:
Rize, de David LaChapelle, EE.UU., 2005.
84 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje El hombre sin cabeza, de Juan Solanas, Francia, 2003.
Recientemente exhibida en el festival de Mar del Plata, la opera prima de David LaChapelle fue unos de los títulos vistos a sala llena. El rumor decía que Rize era un documental visceral y sorprendente sobre algunas compañías de baile callejeras de los suburbios de Los Angeles. Pero Rize es, esencialmente, otra cosa. Aquí la danza ritual funciona como un desplazamiento creativo de una postergación social infinita. Estos bailarines son los hijos de Martin Luther King y las víctimas sociales de una sociedad polarizada por la diferencia de clase (y racial). Si no bailaran, lógicamente, asesinarían. En efecto, la pista de baile es una zona de guerra, y estos danzarines eligen ritualizar el suplicio de sus miserias en una expresión estética en donde el mismo cuerpo es la protesta y sus movimientos veloces la conjura de una bronca justificada. Bailan para vivir y no matar. Antes de que empiece la película una nota del realizador advierte que todo lo que se verá en la película no ha sido alterado en su edición. La aclaración es válida, pues estas coreografías sustraídas de la indignación son tan vertiginosas y veloces que no parecen ser reales. Un montaje pertinente al promediar la hora de película establece una genealogía entre estos estilos suburbanos denominados Clowning y Krumping con los pasos ancestrales bailados por pretéritas tribus del África. El vocablo inglés african american adquiere aquí una significación inesperada no exenta de connotaciones antropológicas y políticas. (RK)

Domingo 22 de octubre a las 20.00hs:
Monsieur Verdoux, de Charles Chaplin, EE.UU., 1947.
119 minutos / No recomendada para menores de 13 años.
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Vincent, de Tim Burton, EE.UU., 1984.
Una película de elegancia serena y de una aguda crítica, la obra maestra de Charles Chaplin fue recibida en su estreno con una violenta hostilidad, y contribuyó fuertemente a su exilio político en los '50. Chaplin dejó por un rato su personaje de Charlot o el vagabundo (the tramp) interpretando entonces a un delicado caballero francés que sostiene económicamente a sus amados hijos e inválida esposa casándose con viudas ricas para posteriormente asesinarlas. La moraleja –“si la guerra es la extensión lógica de la diplomacia, pues entonces el asesinato es la extensión lógica de los negocios" tiene un tono de dureza e ingenio Brechtiano, aunque el estilo es suave, seductor, elegíaco. Evidentemente Chaplin ama al monstruo que ha creado, y cuando el andar de Charlot reaparece por un instante mientras Verdoux se encamina al patíbulo, vemos la muerte bajo un sonriente rostro humano. (Dave Kehr, Chicago Reader)

Domingo 29 de octubre a las 20.00hs:
La vida continúa, de Abas Kiarostami, Irán, 1992.
92 minutos / Apta para todo público
Antes de la película principal se proyectará el cortometraje Chaplin Today: Claude Chabrol explica Monsieur Verdoux.
Esta obra maestra de 1992 realizada por Abbas Kiarostami utiliza actores no profesionales para reconstruir eventos reales. Acompañado por un niño, un director de cine de Teherán va con su auto a una región montañosa del norte de Irán, recientemente devastada por un terremoto que ha matado a más de 50.000 personas. De una aldea a otra, el director va en búsqueda de dos niños actores que aparecían en ¿Dónde está la casa de mi amigo? (una película de Kiarsotami de 1987), pero lo que encuentra allí es más misterioso e insondable: un sentimiento de reparo y en algunos casos, el sorprendente optimismo de la gente reconstruyendo sus vidas, los bellísimos paisajes, y los puntos de vistas alternativos y yuxtapuestos del director y su hijo. Una narrativa picaresca colmada de un pr
ofundo sentido de lugar y compuesta de largos planos secuencias impregnados de una cierta cualidad filosófica que pueden remitir a Jacques Tati, este cautivante retrato sobre lo que ocurre y no ocurre a la gente cuando debe confrontar un desastre natural obtuvo el premio Rossellini en el festival de Cannes en 1992, y es una de las mejores películas iraníes de todos los tiempos. (JR)